Revista Alterna

Maná se reinventa

2011-03-22T12:31:00.000-04:00

Por The Associated Press

México - El grupo mexicano Maná estrena el lunes su sencillo "Lluvia al corazón", el primer corte promocional de su nuevo álbum "Drama y luz", que saldrá a la venta el próximo mes tras cerca de cinco años sin que la banda presentara material inédito.

En un comunicado, representantes del grupo anunciaron que la canción "Lluvia al corazón" se presentaría por primera vez en más de mil emisoras de radio en Hispanoamérica, Estados Unidos y Europa.

Durante varias semanas, y a través de las redes sociales y los medios de comunicación, la banda originaria de la ciudad de Guadalajara dio algunas pistas de su nuevo sencillo a sus fans. La canción es de la autoría del vocalista Fher Olvera y el guitarrista Sergio Vallín.

De acuerdo con el comunicado, el nuevo sencillo de Maná se podrá adquirir desde el 15 de marzo en las principales tiendas digitales de música. El disco saldrá a la venta el 12 de abril.

Además, en las próximas semanas se verá el video de este tema, mismo que la banda integrada por Fher Olvera, Alex González, Sergio Vallín y Juan Calleros filmará en la ciudad de Los Angeles, California.

"Drama y luz" es el octavo disco en estudio de Maná, considerada la banda mexicana de rock pop más importante de las últimas dos décadas, ganadora del Grammy anglo y cuatro Latin Grammy.

El título del disco refleja el difícil período que vivió el cantante Fher Olvera, tras la muerte de su madre en 2009 y seis meses después la de su hermana.

2011-03-17T14:41:00.000-04:00

Aqui les presento los dos nuevos vídeos de Ricky Martin.

Such is life

2011-03-10T19:46:00.000-04:00

Esto es pa' ti, Hector Martinez

Dedicado a Rolando Crespo

2011-03-04T19:43:00.000-04:00

Don Omar

2011-02-26T18:15:00.001-04:00

¡Pues aquí, desde mis vacaciones, tranquiiiilo!

Nuevo vídeo de Cultura Profética

2011-02-17T19:11:00.004-04:00

LAVOE, LA PELICULA EN UN CINE CERCA DE TI

2011-02-04T03:09:00.002-04:00

EVH PEAVEY WOLFGANG, COMO LA MIA!!!

2011-02-04T02:22:00.000-04:00

VAN HALEN SUMMER NIGHTS

2011-02-04T01:58:00.002-04:00

WILLY, EL ENAMORAO DEBUTANDO RIMAS...

2011-02-02T01:00:00.001-04:00

CULTURA PROF'ETICA SUBE EL HUMO

2011-01-31T21:00:00.000-04:00

EN VIVO, DESDE PANAMA, CULTURA PROF'ETICA!!!!

2011-01-31T05:34:00.002-04:00

http://www.youtube.com/watch?v=AzaofWa9TFk

MI WIKEN

2011-01-25T18:12:00.001-04:00

BUENO, TODO COMENZO EN SALVATORE, WINE & TAPAS, DONDE VI LA MEJOR BANDA DE COVERS, BY FAR, DE PUERTO RICO. Y LO DIGO HUMILDEMENTE, ES MI OPINION, NO TENGO DOCTORADO EN MUSICA. PERO NO HAY QUE TENERLO PARA SABER QUE EL alcalde Perikini no esta envuelto en esto, ni rivera shcatz ni el Buster! en cabor rojo quiejn manda es la gata perza lol LOL Broma broma......creo....anyway....ya lo dijo Calle 13 que mientras mas lo dice mas le crece la fama al PNP (Partido Nazi Puertorriquenyio).

volviendo a lo nuestro, A LA MUSICA, LA BANDA SHABELLE ES LA MEJOR Y PUNTO. TIENEN Q VERLOS PARA CREERLO. EL PAPA DE LA CANTANTE TOCA COMO KEITHMOON EN DROGAS....Y ESO ES MUCHO DECIR! EL GUITARRISTA ES EL HERMANO DE SHABELLE, Y EL BAJISTA TIENE UN EPIPHONE Q SE GUILLA PQ PARECE UN GIBSON, IGUALITO Q MI EPIPHONE Q ME LA SAQUE ALLI MISMO, LA GUITARRA! LOL BUENO, TRATARE DE BOOKEAR ESTA BANDA EN HANDLEBAR PERO ES DIFICIL PQ ALLI HAY MEDIOCRES COMO CRANEO DANDOLE CRANEO AL ASUNTO CADA VIERNES Y SABADO. NI MODO, LES AVISARE CUANDO TOQUEN EN REDZONE DIOS MEDIANTE. SE ME CUIDAN!

Roy Brown - En La Vida Todo Es Ir

2011-01-21T00:23:00.001-04:00

Roy Brown, este sabado 22 en Lagerhause, Cabo Rojo.

Y SE FORMO EN LA UPR OTRA VEZ......

2011-01-20T19:57:00.002-04:00

http://www.primerahora.com/policiaanunciaquenohabranmasarrestoshoyenlauprminutoaminuto-465005.html

BLACK GUAYABA PREPARA NUEVO DISCO

2011-01-19T14:13:00.001-04:00

En un encuentro fortuito con el vocalista y compositor de Black Guayaba, Gustavo, en medio de la voragine de consumo en Plaza Las Americas, este me informo que se encuentran listos a grabar su proximo cd. Solo tienen un problema: 30 buenas canciones para escoger 10 o 12....casi na! Eso es una bendicion, pues otros compositores la sudan largo y tendido para escribir una cancion. Enhorabuena por Black Guayaba, ganadores de un Grammy Latino en el 2007. Segun el cantante, grabaran entre Miami y Puerto Rico. Continuaremos.......

SI ESTO NO ES UNA DICTADURA, QUE ES, QUÉ ES?

2010-12-21T08:15:00.000-04:00

Una canción de Bersuit Vergarabat, concebida con la situación de Argentina, y que le cae al dedillo a Puerto Rico en este momento:

ESTUDIANTE HERIDO VICIOSAMENTE POR LA POLICIA DE PUERTO RICO,HABLA EN EXCLUSIVA

2010-12-21T01:00:00.000-04:00

El estudiante Guillermo Morejón, quien cursa el cuarto año en Historia, fue herido por un agente policial en la cabeza. El joven de 22 años de edad habló en exclusiva para Revista Alterna, declarando que al momento de ayudar a levantarse a una compañera aque estaba siendo atacada, sintión un fuerte golpe en la cabeza, producto de un macanazo. Morejón no piensa presentar una querella puesto que no vio quién le golpeó.

Resulta evidente, pues, que la policía estuvo repartiendo palos a ciegas, literalmente, siguiendo las órdenes del #1 al mando de la Policía de Puerto Rico, el gobernador Luis Fortuño, y su subalterno el desgraciado Superintendente de la Policía, el señor José Figueroa Sancha. Este ya tiene las manos sucias con el operativo que concluyó con el asesinato del patriota boricua Filiberto Ojeda Ríos. Además, no olvidamos la situación que culminó con una intervención en la que miembros de la Prensa fue rociada con pepper spray. Condenamos las actuaciones de los agentes que intervinieron abusivamente con los estudiantes. Sabemos que hay buenos policías, pero los malos dominan las noticias.

QUE VIVAN LOS ESTUDIANTES

A STAR IS WAITING TO BE BORN

2010-12-20T03:01:00.002-04:00

http://www.facebook.com/search.php?q=laris+burgos+de+jesus&type=all&init=srp#!/pages/Shira-Toledo/157266575967?v=box_3

LA CANCIÓN DEL MOMENTO

2010-12-15T21:13:00.000-04:00

Aquí les presento este video, dedicado al sistema represivo que nos gobierna.

rna.

CAN'T GET ENOUGH VH!

2010-12-14T04:40:00.001-04:00

Este video lo vi en Rock N Rollin, un programa q daban en el canal 7 de P.R. mas o menos para el 1983...Gira en promo de VH II....cuando le comieron el culo abriéndole a Black Sabbath con Ozzy!

Alcalde de San Juan, Jorge Santini, pasa la papa caliente de la Escuela Superior University Gardens al Secre de Edu. Aragunde (si, el del lacito), y de paso se encojona conmigo! « Lounge Rockolo - La Coctelera

2010-12-13T20:13:00.000-04:00

Alcalde de San Juan, Jorge Santini, pasa la papa caliente de la Escuela Superior University Gardens al Secre de Edu. Aragunde (si, el del lacito), y de paso se encojona conmigo! « Lounge Rockolo - La Coctelera

POR ALGO LE LLAMAN CLASSIC ROCK

2010-12-13T19:41:00.001-04:00

Y ESTO ES SUPER COOL ROCANROL!

2010-12-13T18:12:00.000-04:00

QUÉ ES ROCANROL, PT.IV

2010-12-13T07:31:00.000-04:00

Una buena reunión....

TAMBIÉN PODRÍA DECIR QUE ROCANROL ES ESTO....

2010-12-12T05:20:00.002-04:00

Una BUENA banda de covers.....

Y AL FIN Y AL CABO, ¿QUÉ ES ROCANROL?

2010-12-12T03:30:00.000-04:00

ESTO:

EL EVANGELIO DEL ROCANROL SEGÚN ST. KEITH

2010-11-29T22:58:00.000-04:00

Acabo de terminar de leer la autobiografía o memorias de Keith Richards, guitarrista principal, coautor y cantante de grandes éxitos del rocanrol como "Brown Sugar", "Satisfaction" y "Waiting on a Friend", por mencionar sólo 3 éxitos en una carrera de 48 años, y contando. Ya anunciaron gira para el 2011 y esperen la gira del 50 aniversario en el 2012. El mismo año en que El Gran Combo de Puerto Rico, nuestra Universidad de la Salsa, cumple sus 50. Esperen un concierto en el Coliseo de Puerto Rico. Sí, porque para triunfar en el mundo del Arte, además de talento hay que tener "timing", saber cuándo hacer qué y de qué forma. ¿Sabías que el manager de los Stones, en el 1960, mandaba a 50 jovencitas a lanzar sus panties a unos músicos desconocidos tocando en un club? Ya los Beatles eran los Beatles, y Los Rolling eran unos desconocidos así que tenían que hacerse notar. Tenían que fabricar un moméntum, hacerle creer al mundo entero que esas 50 jovencitas lanzaban sus panties a los Stones porque eran sexys, tocaban buena música y hacían que jovencitas lanzaran sus panties a los Stones. Pura mercadotecnia, un embuste fabricado para crear una ola que diera a conocer a los Stones. Ahora, 48 años después, estoy aquí escribiendo sobre las memorias de San Keith, tú estás leyendo esto, y ellos son multimillonarios. Excepto Ron Wood, segunda guitarra, quien a cada rato bota los chavos y hay que hacer un disco o irse de gira de éxitos para que vuelva a ser millonario, porque la calidad de los Rolling Stones no se discute.

Ok, ¿de qué hablaba? Ah, de las memorias de Keith. En este libro, que parece una Biblia por su tamaño, Richards nos cuenta su vida. Así, como si estuviera hablándote. Es claro que el éxito del libro se debe, no sólo a las excelentes e hilarantes historias que nos cuenta en primera persona, sino en que lo hace sin orden cronológico y sin lógica. No, no es que esté borracho y endrogado, que de seguro lo estaba cuando hablaba para la grabadora del escritor fantasma (ghost writer, un oficio muy bien remunerado pero del que nada se sabe en Puerto Rico; imagínense que una tonta como Dora Pizzi Campos, hija del fundador del folletín farandulero Vea, se puso a proclamar a los 4 vientos que escribiría las memorias de maripili! Una tonta modelito que no es tan tonta porque es millonaria, pero que no se le para al lado a una Claudia Schiffer o Naomi Campbell, leyendas del modelaje internacional. Jajajajajajaja! Si quiere ser biógrafa reconocida y premiada con una mención de honor del Pen Club de P.R. que escriba una biografía de Lolita Lebrón, una mujer cabal que murió con la frente en alto, como el recién fallecido Don Juan Mari Brás y el aún vivo luchador independentista y ex-preso político del Gobierno de los E.U. Don Rafael Cancel Miranda, mártires de nuestra Patria. Esos son nuestros Nelson Mandela.

Ok, ¿de qué hablaba? Olvídate, lee "Life", de Keith Richards y entenderás esto que acabaste de leer. A la venta en Borders. Chau!

http://www.rollingstone.es/noticias/view/asi-sera-la-autobiografia-de-keith-richards

UN RECORDATORIO DE QUIÉN ES SANTINI

2010-11-24T11:59:00.000-04:00

Les juro que esto pasó tal como lo escribí.

MIS QUERIDOS LECTORES, LES JURO QUE ESTE INCIDENTE CON SANTINI FUE REAL

2010-11-24T11:31:00.002-04:00

http://www.loungerockolo.blogspot.com/

Expresiones del Sr. Roberto Ramos Perea en WKAQ 580-AM - 11-23-2010 - 1...

2010-11-24T11:10:00.000-04:00

LOS NIÑOS ESTELARES EN DIRECTO DESDE LA RESPUESTA

2010-11-22T07:10:00.002-04:00

El pasado sábado se presentó en el local de arte alternativo, La Respuesta en Santurce, el grupo Los Niños Estelares. Debo admitir de entrada que no he oído el disco de este cuarteto, y lo único que había visto y oído fue el video de un tema sobre la desaparecida Plaza Acuática, el cual me pareció muy pelón. Luego leí algo así como que lo que ellos hacen se denomina "chiste rock". Pensé, bueno, el rock para mí no es un chiste así que no creo que me guste esto.

!Equivocado! Los muchachos (ya no tan muchachos, el cantante admitió haber cumplido 39 años) desplegaron una mezcla de melodías infecciosas, carisma escénico y buen humor. Es como una mezcla de Cake con...Los Niños Estelares! Jeje...

A la actividad se dieron cita personajes bien cool como Orlando, guitarrista de Circo, y muchas chicas bellas, junto a chicos bien cool y algunos disfrazados como este:

Allí se encontraban como jueces de la competencia de graffitti sobre un auto, el cantante y compositor Fofé, el teatrero Pedro Adorno, y el artísta plástico Celso González. Los ganadores resultaron ser del grupo Sixne.

En fin, el evento fue todo un éxito con La Respuesta lleno a capacidad y mucha gente bella bailando y cantando hasta el amanecer.

SALSA Y CONTROL CON LA VITROLA

2010-11-16T11:44:00.000-04:00

A mis manos acaba de llegar un disco muy especial. Se trata del debut de La Vitrola, banda del área oeste de Cabo Rojo (para una introducción a la banda, favor leer el artículo La Vitrola en Jet Club). En este disco se presentan con un nuevo ropaje musical veteranos rockeros como Jey (Sol D Menta) en el bajo, Jungi Padilla (Niño Planeta) en la batería, Ricky Díaz (Sol D Menta) en los vocales, y el extraordinario Danny Rosa en la guitarra. Cuentan además con la presencia de Melwin (cantante de la orquesta La Solución) en la percusión.

El concepto es el siguiente: 10 clásicos de la Salsa de antaño, en versiones rockeadas. Claro que un concepto así, en manos menos expertas, se presta para hacer un ridículo monumental. Por alguna razón el llamado "conga rock", siendo algo tan natural a nuestra idiosincracia, es muchas veces rechazado por el público rockero y salsero, porque no tienen el afinque real, el corazón no está en la música, sino en el billete.

La Vitrola, con el guitarrista Danny Rosa y la colaboración del bajista Jey (pionero en eso de hacer rock salseao con la legendaria banda Sol D' Menta) han creado un repertorio gustoso con temas como "La Rueda", de La Solución, "Ojitos Chinos" de El Gran Combo, y "Devórame Otra Vez". Para entender cuán ingeniosos son los arreglos de La Vitrola, les diré que en medio de Ojitos Chinos, le meten el riff clásico de la canción "Black Sabbath" (el llamado "tritone", creo que se escribe así, jeje) con un trasfondo musical de batucada!!!! Genial. No les digo nada más, sólo que apoyen este grupo de excelentes músicos.

SOCIEDAD - BANDA DE COVERS LA MONTA EN HANDLEBAR

2010-11-10T05:40:00.000-04:00

Todos los martes de noviembre se estará presentando en la barra rocanrolera HandleBar, el grupo Sociedad. Antes conocidos como Sociedad Anónima, tal parece que luego de 5 años presentándose en clubes, ya no son tan anónimos.

Los muchachos de Sociedad presentan un repertorio de más de 100 canciones de los '80s, '90's y 00's. Estamos hablando de Ozzy con Randy y Jake E. Lee, Rage Against The Machine y Disturbed, terminando con la gloriosa "Back in Black" de AC/DC.

La noche es abierta a cualquier cosa, peticiones, jammeos, y hasta cantar con Mario, quien a la 1:30am estaba gritando como Kevin DuBrow! Y eso que me dijo que no estaba cantando bien por estar cansado. Ja! '¿Y qué decir de Angel Rodríguez en la guitarra? Puro virtuosismo recreando nota por nota los solos y riffs más conocidos en el Hard Rock/Metal. Eso sí, no hagan enojar a Ricardo porque los bota pa'l carajo! LOL Ya lo saben, para un buen rato de rocanrol y joda, nada como HandleBar con Sociedad todos los martes de noviembre. ¡Entrada gratis!

CABO ROJO'S NIGHT LIFE

2010-11-09T12:26:00.002-04:00

Érase una vez, un pueblito apacible al suroeste de la Isla del Encanto, con playas hermosas, chicas hermosas, pero muy aburrido. Recuerdo cuando visitaba a mis abuelos y lo odiaba, porque no había nada que hacer en el pueblo, la Carretera #100 era campos verdes a sus orillas, no habían tiendas de video, ni fast foods, en fin, nada!!!

Todo eso ha cambiado. Cabo Rojo es una ciudad de lo que en Puerto Rico llamamos "la isla", (diferenciándola así del área metropolitana donde estaba toda la acción), en trasformación a una metrópolis del oeste. Los eternos restaurantes de Joyuda y Boquerón ahora son acompañados por una vibrante actividad nocturna en el pueblo y áreas cercanas. Por ejemplo, en plena Carretera 100, al lado del restaurante denunciado en el documental "Super Size Me", está el Lighthouse Hotel. Perfecto lugar para una estadía en el oeste, céntricamente ubicado, cerca de playas y ciudad. Lighthouse Hotel cuenta con la discoteca Jet (ver reseña de La Vitrola en Jet Club), restaurantes, y la construcción de un enorme casino y ampliación del hotel que estará lista para el verano 2011.

http://www.caborojopr.com/lighthouse-inn-hotel-cabo-rojo.html

De igual forma, recomiendo altamente Salvatore, Vinos y Tapas, ubicado frente a la Iglesia Católica en la Plaza. Se pasa bien allí, como pueden ver en la foto. El pasado sábado su administrador y propietario, Luisin Padilla, inauguró el VIP Lounge en el segundo piso con un lindo balconcito. Les dejo con esos dos lugares por ahora, pues mi exploración del área oeste, la más prolífica en buenas bandas de Rock Boricua, apenas comienza. Buajajajajajajaja!

P.D. bueno, blogger se ha puesto graciosito hoy y no me deja subir fotos, así que, pronto las subo. Aunque algunas cosas son mejores si se dejan a la imaginación. ;-)

VIVANATIVA EN DIRECTO DESDE EL RIP CURL EN ISABELA

2010-11-08T23:49:00.000-04:00

¿Qué más puedo decir de Vivanativa que no haya dicho antes? (Ver artículo "Vivanativa Vive En Vivo"). Este grupo sale a tarima a comerse el mundo y a vivirse el rocanrol al máximo. Y como dicen que una foto dice más que mil palabras, he aquí la prueba. Enjoy!

GENITALLICA - ANÁRQUICO E INTERACTIVO EN LA RESPUESTA

2010-11-05T07:32:00.001-04:00

El pasado día de Halloween (domingo 31 de octubre) se presentó en La Respuesta en Santurce, la banda mexicana, Genitallica. En un show pobremente publicitado, al que acudimos unas 50 personas, presenciamos la energía caótica de esta banda.

Los Genitálicos brindaron un set enérgico, que bordeaba lo caótico y anárquico, cuando Beno, cantante, decidió bajar a la pista y unirse al público entusiasta. Los usuales llamados a la "pocaverguenza" de Genitálica (sexo, drogas, alcohol) se unieron a reclamos socio políticos, mientras la banda se entregaba con abandono ante un público escaso (la marca de un gran artista es: ser grandes aún cuando el local esté casi vacío).

Como es su costumbre, Beno se integró al público, y el público pasó a la tarima, derrumbando esa "cuarta pared" que separa al público del artista, en un show literalmente interactivo (mucho mejor que los video juegos de Rock Band y Guitar Hero). Esperamos el pronto regreso de esta magnífica banda mexicana que se encuentra grabando su próximo disco. ¡Genitallica, putooossss!!!!

LOS PETARDOS EN LA RESPUESTA - GARAGE PUNK CON FILO POLÍTICO

2010-11-03T06:02:00.001-04:00

El pasado día de Halloween, Genitallica y Los Petardos se presentaron en La Respuesta, en Santurce. Aunque el recinto no se llenó (¿mala promoción?) ambos grupos dieron el 100% y los alli presentes fuimos testigos de un verdadero show de rock.

Por el momento, les dejo estas fotos de Los Petardos, banda del área oeste (Moca) liderada por Macoyo Rodriguez, bajista y compositor de Icaro Azul. Los escuché sin conocer el disco, y me pareció una excelente muestra boricua de garage punk. Macoyo me dio el disco y lo estaré escuchando para reseñarlo pronto. Enjoy!

LA VITROLA EN JET CLUB - CABO ROJO

2010-11-02T04:16:00.000-04:00

The West is the best
Get here and we'll do the rest.
-Jim Morrison

Esta cita rocanrolera del eterno Mr. Mojo Risin' resume perfectamente lo vivido este pasado fin de semana en el bello pueblo de Cabo Rojo, un pedacito de paraíso ubicado en la esquina suroeste de Puerto Rico. El área oeste de esta Isla siempre, desde los años 80, ha sido bendecida con inmensos e innumerables talentos que han forjado la seña de un sonido único, llamado Rock Boricua.

Jet Club, discoteca ubicada en la Carretera 100 de Cabo Rojo, presentó su show de Halloween amenizado por la nueva sensación del oeste: La Vitrola. Cinco talentosos músicos se han unido para crear un homenaje a la Salsa Clásica de El Gran Combo, La Selecta, Lalo Rodríguez, Héctor Lavoe, en fin, un recorrido a lo más granado del repertorio salsero. ¿El resultado? Uno de los discos más pegajosos que he oído en mucho tiempo. Devórame Otra Vez (Lalo), Ojos Chinos (Gran Combo), Soy Boricua (Bobby Valentín con Marvin Santiago), y en vivo una versión de Calle Luna Calle Sol, canción que grabara Sol D' Menta.

Jey, bajista, (Sol D'Menta, Ricky Martin), el cantante Ricky (no Martin, sino Díaz, de Sol D' Menta, Nino Planeta), Jungie Padilla, baterista (Niño Planeta, Cat Zaphire), fulano, percusión (Orquesta La Solución) y Danny, guitarrista, conforman el quinteto La Vitrola. No les pierdan el rastro. El disco sale en formato digital el 15 de noviembre, y luego en CD. Ojos Chinos ya suena en La Mega. ¡Éxito!

RETIRAN ÓRDENES DE PROTECCIÓN CONTRA BAYREX JIMÉNEZ

2010-10-31T15:46:00.001-04:00

En el día de ayer fueron retiradas las órdenes de protección que pesaban contra el tecladista y productor, Bayrex Jiménez, según nos informara este último a través de Facebook. El caso se verá en vista preliminar en unas semanas. Bayrex Jiménez fue acusado por su padre, el cantante de música autóctona, Andrés Jiménez, El Jíbaro, por agresión agravada y daños a su propiedad. La corte no encontró razón para una orden de protección ."Andrés Jiménez y su hermano Felipe, no presentaron evidencia ni pudieron sustentar supuestas amenazas de parte mía", explicó Bayrex.

ENCUENTRAN CAUSA PROBABLE PARA JUICIO EN TRES CARGOS A BAYREX JIMÉNEZ

2010-10-28T17:39:00.001-04:00

En el tribunal de Aibonito tuvo lugar la vista para causa por cargos de agresión y daño a la propiedad, contra el tecladista y productor musical, Bayrex Jiménez. Al procedimiento no acudió su padre, Andrés Jiménez "El Jíbaro". El juez determinó causa por los tres cargos: uno de agresión agravada, y dos de daño a la propiedad privada.

La abogada de Bayrex (ex-tecladista de Cultura Profética) sostuvo que el proceso no pasará de la siguente etapa, que es el descubrimiento de prueba o Regla 6. A preguntas de este redactor, el padrastro de Bayrex, Benjamín Vázquez, quien alega haber criado desde pequeño a Jiménez, declaró ahogado por el llanto, que Bayrex nunca ha tenido un problema de adicción a drogas.

Este redactor preguntó si Bayrex está dispuesto a hacerse una prueba de dopaje para despejar las sombras que sobre su reputación, ha lanzado su padre. "Si este fuera un caso de sustancias controladas, mi cliente estaría en la mejor disposición de someterse a dicha prueba. Pero este es un caso por agresión y daños a la propiedad", aclaró la abogada.

Cuando le confronté con el hecho de que Bayrex perteneció al grupo Cultura Profética, claros propulsores de la legalización de la marihuana, y por lo tanto se podía inferir que este era ya usuario de sustancias controladas, la licenciada navegó hábilmente por las aguas de la relatividad moral: "ya no podemos juzgar a esta generación con los valores de generaciones anteriores. Se trata de una generacíón con otros valores", declaró.

Al momento de irme del tribunal, Bayrex permanecía haciendo los arreglos para salir libre bajo fianza.

ÚLTIMA HORA: BAYREX JIMÉNEZ REACCIONA A QUERELLA POR PELEA CON SU PADRE, ANDRÉS "EL JÍBARO" JIMÉNEZ

2010-10-27T02:16:00.002-04:00

COMUNICADO DE PRENSA

26 de octubre 2010

El joven músico Bayrex Jiménez Torres, hijo del cantante de trova, Andrés Jiménez, recibió una fuerte paliza de manos de su tío, Felipe Jiménez y su progenitor en horas de la tarde del pasado 15 de octubre y fue socorrido por una vecina la que llamo al 911 y se aseguró de que el joven recibiera los primeros auxilios en el Centro de Urgencias de Orocovis.

De la investigación preliminar de estos hechos se desprenden incongruencias en los documentos oficiales que podrían dar margen a que se presenten denuncias por parte de la defensa de Bayrex por la presunta falsificación de documentos públicos.

En este caso, además, llama poderosamente la atención la intervención a favor de Jiménez padre, del abogado Manuel Nuñez Corrada, otrora fiscal en el caso que envió al inocente Jonathan Román Rivera a cumplir ocho meses de cárcel de una larga condena después de ser declarado culpable del asesinato del comerciante canadiense Adam Anhang, sentencia que posteriormente fue anulada. El joven Roman Rivera, residente de La Perla en San Juan, fue posteriormente exonerado luego de que saliera a la luz pública las serias irregularidades con que la fiscalía manejó, a la sazón, este caso.

El joven músico, Bayrex, ha declarado temer por su vida, la de sus familiares y abogada y cuestiona la desaparición de la relación de hechos en los documentos oficiales que hiciera como primer querellante. Bayrex recalcó que solicitó una orden de protección en contra de sus familiares ya que es objeto de amenazas de parte de acólitos de su progenitor y entiende que ha sido triplemente victimizado por la agresión que sufrió en el seno de su hogar, por la desparición de documentos que avalan sus declaraciones y porque se han saltado etapas en los procesos criminalizándolo, incluso, en foros donde no se le ha permitido defenderse.

COMITE DE APOYO A BAYREX JIMENEZ
(787) 604-7002/225-2421
apoyobayrexj@yahoo.com

WILLY Y SANTA: UNA UNIÓN DIVINA

2010-10-26T15:44:00.000-04:00

Willy Rodríguez nos habla de la musa de La Dulzura,

del disco, y el respeto de la industria musical

Por: Edgardo Soto Torres

“Yo soy un enamorao’ de nacimiento”, me decía Willy Rodríguez hace unos 10 años en una entrevista que condujera en su residencia en ese entonces, enclavada en un campo de Guaynabo. Y lo que se intuía de esa respuesta, dicha con una risa tímida, denotaba no un Casanova Macho Portoricensis, sino un joven enchulao’ con tanta belleza femenina que abunda en nuestra Isla. Hace diez años también, el cantante y bajista me expresaba su incomodidad con la falta de reconocimiento que percibían de sus colegas. Willy sentía que no eran respetados por la industria musical del país: “la gente piensa que somos chamaquitos haciendo música para chamaquitos”.

Diez años después, muchas cosas han cambiado: los integrantes de Cultura Profética ya no son chamaquitos, son reconocidos dentro (pero quizás aún más fuera) del país, y “La Dulzura” asoma como un éxito de ventas en tiempos de crisis para la industria de la música grabada. Una cosa no ha cambiado: Willy sigue siendo el enamorao’ de siempre.

Pero, aunque la mayoría de las canciones de La Dulzura son de amor y de la autoría de Willy, las mismas están forjadas bajo el signo del desamor que también sufrieron Omar Silva (guitarra), Boris Bilbraut (batería y voz) y Eliut González (guitarra).

Willy: “El disco también es producto de nuestra convivencia en México, en la cual tuvimos problemas en nuestras relaciones por estar lejos. Y por las ganas de decir cosas más dulces, que no encontrábamos las palabras para expresarlas”. Y cita una lírica como ejemplo de ese tranque expresivo: “mis palabras son muy cortas ante el espectro que el alma plasma acá en mi mente”. Uno tiene miedo de sonar cheesy o de que las palabras no expresen la profundidad de lo que uno siente. Con la madurez hemos dado con los elementos musicales y poéticos para expresarlo”.

Y aunque Willy logró salvar su relación de pareja luego de 5 meses en México, terminaron un tiempo después. Le digo que en la canción “Yavida”, canta que “amarte es mi arte”. Mientras, en la nueva “Del Tope al Fondo”, canta “amarte fue mi arte”. Willy confirma que está dedicada a la misma persona: “hay canciones producto de una relación de muchos años que terminó, y el despecho que se ve en Del Tope Al Fondo; por otro lado, la sandunguería y la chulería en las otras canciones, son parte de ese proceso de salir a la calle a buscar amor, a ponerse en venta”, dice con esa risa tímida que le caracteriza.

A excepción de “Somos Muchos” y “Amante Luz”, las canciones de La Dulzura exploran el enchule y el desengaño en las relaciones de pareja.

Omar: “desde el arte de carátula, está diseñado para que sepas que esto es algo distinto a lo que hemos hecho antes. Es un concepto”.

Willy: “siempre hemos cambiado de disco a disco. Hubo gente que no entendió el cambio del primer disco al Segundo (Ideas Nuevas, 1999), fue del cielo a la tierra. Siempre nos arriesgamos.

Boris: “todos nuestros discos son profundos, para pensar, y este disco es profundo y al corazón, para sentirlo”.

Willy: “toda lucha (social) está basada en amor, quien no tiene la capacidad de ser sensible y amar, no tiene porqué luchar. Si luchas por odio eso no lleva a nada, sólo al fracaso”.

Omar: “en este disco hay canciones de la época de M.O.T.A., de antes de ir a México. “La Espera” es bien vieja. Esa tuvimos que convencer a Willy de que la grabara porque él decía que era una canción para él nada más. Y se tardó…hubo que convencerlo”.

Pregunto si alguien levantó bandera roja cuando vieron a Willy llegar con una, y otra, canción de amor.

Willy: “en algún momento hubo incomodidad con traer tantas canciones de amor, pero siempre hemos confiado uno en el otro. La Espera es como un homenaje a Silvio Rodríguez, una de mis mayores influencias, aunque no lo imito. Eso pasa también, que la gente que no conoce la obra de Silvio, me oye cantarle al amor con una guitarra acústica y piensan que eso es música pop”.

Hablando de música pop, el grupo se presentó en un concierto organizado por la emisora Top 40 de Puerto Rico, KQ 105. Allí, tuvieron su primera experiencia ante un público mayormente ajeno al Reggae y a Cultura Profética.

Los muchachos quedaron satisfechos con el KQ Concert: “personas mayores se han identificado con el tema “Me Faltabas Tú”, recibimos elogios de Juan Luis Guerra y Juanes, y fuimos presentados por Tommy Torres y Ricky Martin, lo cual fue una sorpresa y un honor”, según Willy.

“Juanes nos ha tirao un toallazo al decir en tweeter que le gusta La Dulzura” – expresa con alegría Willy. “Fue un gesto muy solidario de su parte y estamos muy agradecidos”. Tienen amistad con él desde hace varios años, desde la segunda vez que vino a Puerto Rico. Una vez le preguntó de quién era la voz de la niña en “De Antes”. “Es un seguidor de corazón”, afirma el bajista, quien recíén estrena un nuevo tatuaje en su brazo izquierdo: el rostro de su señora madre.

Aparte de las críticas de un sector de su fanaticada por tantas canciones de amor y el supuesto salto a la música pop, hay quienes cuestionan que Willy escriba temas como “Nadie Se Atreve” y “Verso Terso”, criticando a quienes llama “artistas de carton”, y luego haga colaboraciones con reguetoneros como Jowell & Randy.

“Pa mí, no es cuestión de géneros, yo pienso que todo estriba en la sinceridad, y Jowell & Randy son muy sinceros en lo que hacen, me identifico con Randy porque es como oir a un jamaiquino cantar, y compartimos gustos musicales. Las colaboraciones se basan en vibras, en energía, tenían un tema en reggae y nos sentimos halagados con la invitación”, dice Willy, afirmando que no se abochorna de ninguna de sus colaboraciones.

Todo bien hasta aquí. Vamos ahora a lo que vinimos: ¿quién es esa musa que ha inspirado todo un catálogo de piropos, chulerías e inmersiones en las aguas profundas del erotismo en las canciones de Willy?

Mientras camino por el set de filmación del nuevo sencillo en promoción, “Baja La Tensión”, diviso a la chica de Willy. Tiene una belleza exótica, de andar pausado, parece suramericana, pienso. Debe ser una modelito universitaria.

Tomo fotos, hago entrevistas, observo las bellas modelos, me siento intoxicado de la energía creativa que propulsa esta filmación. Todo el equipo de producción entregao’ a su faena. Miro de reojo a la modelito suramericana. Me acerco, y hablamos.

Resulta que es una joven puertorriqueña de 30 años que trabaja en facturación de planes médicos. Y se llama Santa.

Willy se canta feliz con Santa: “es una dicha conocer una persona con un entorno tan familiar, y laid back, es la vibra de Cabo Rojo (pueblo del suroeste de Puerto Rico). Yo cocino pero ella me gana. Cumplimos dos años en diciembre”, me cuenta Willy, entusiasmado ante su “besito de coco con piña”, como canta en “La Complicidad”.

Le recuerdo aquella cita de hace diez años, sobre ser un enamorao’, buscando que elabore en una explicación. “Desde chamaquito tuve novia en prekinder, y dormíamos la siesta juntos (ríe). Y siempre tenía más amigas que amigos, sería por la sensibilidad. Ellas siempre me aconsejaban cuando sufría maldeamores”, contesta el compositor.

Willy se considera afortunado en el amor: “me considero afortunado por la dicha y por las penas vividas porque son lecciones de vida”.

Pero La Dulzura no es sólo salamería y cositas chulas, también es erotismo desbordado. Para muestra, un botón basta: En la oscuridad pongo todo en el ritmo, y del resto se encarga el instinto / Rico ritual de intimidad, me pongo de cuclillas y te expongo al temblor de una estampida, siento tu piel cómo se eriza / llegamos a la cima y nos quedamos allá arriba, lejos de la ciudad.

Ciertamente, este disco puede significar una explosión demográfica de embarazos en su fanaticada. Algunas amigas me han confiado las sensaciones que les causan canciones como “En La Oscuridad” e “Ilegal”.

Willy tiene una anécdota risqué: nos cuenta que en un reciente quinceañero que amenizaran en un pueblo del área oeste del país, una de las coristas notó cómo una jovencita exploraba con su mano regiones al sur del ombligo durante su interpretación de “La Complicidad”.

Surge entonces, el espinoso tema de las tentaciones carnales en la carretera. ¿Estará su Santa preparada para afrontar la separación por los viajes y la atención de sus admiradoras?

Willy: “nadie está ready, pero encontré una persona super clara, madura y que está dispuesta a intentar. Uno tiene también que darle seguridad. Ella es la más complaciente que he conocido en mi vida”.

¿Ha encontrado el bajista a la definitiva, a su alma gemela? “Yo pienso que no hay una persona ideal, sino diferentes combinaciones que vas tanteando hasta encontrar esa persona”, explica.

¿Se casarán Willy y Santa? “No sé si me case por la Iglesia, porque no la practico y no me he bautizado, pero creo en el matrimonio como una herramienta de vida, porque es un contrato para llevar una familia. Por eso apoyo el casamiento entre gays. (PAUSA) Si la relación es bonita, valdría la pena casarse”, finaliza.

Por último, le pregunto cuán difícil es mantener una relación monógama en su línea de trabajo.

“Es bien difícil mantener la fidelidad. En mi caso, es más fácil mantenerla porque me cuido mucho para poder cantar, y no salgo tanto. Igual uno puede conocer una persona de una mirada. Yo soy bastante selectivo, no creo en regalar energía porque si....no es fácil no mirar para el lado, pero la responsabilidad de cantar al 100% pesa más y suelo irme a dormir” (después de un show).

Santa observa nuestra conversación desde un sofá, serena.

NUEVO Y EXCLUSIVO: CULTURA PROFÉTICA - LA DULZURA, EL ÉXITO, LA TIRAERA O YOU DON'T GET TO 200 THOUSAND FRIENDS WITHOUT MAKING A FEW ENEMIES

2010-10-21T21:21:00.002-04:00

Por: Edgardo Soto Torres

La primera vez en dos años que llamo a Willy Rodríguez, me contesta desde un frío cuarto de hospital. “Mi novia está con dengue y la tienen hospitalizada”, me dice Willy. Esto es grave. Gravísimo. Estamos hablando de la musa de la mayoría de las canciones del nuevo disco “La Dulzura”, que ha movido 12 mil unidades vendidas. La primera función del concierto de presentación del disco en su casa, Puerto Rico, ya se llenó y la segunda está casi agotada. Pero la mente de Willy está en la enfermedad de su novia: “un hombre con el mismo cuadro clínico que ella, murió”. No sé qué contestar, y luego de un silencio, le doy ánimo. Aparte de eso, está enfrentando problemas con sus cuerdas vocales. Pero el show tiene que continuar, por lo que acordamos la fecha de la entrevista, a ser realizada en medio de uno de los ensayos finales.

Al entrar al local ubicado en la ciudad de Caguas, lo primero que veo a mi derecha es un ring de lucha y demás parafernalia apropiada para un gimnasio. Al fondo, a la izquierda, está el rincón de la banda de Reggae más popular de Puerto Rico. Cultura Profética se encuentra mirando de frente esa boca de lobo que es el éxito masivo, ese vórtice que les hala con fuerza de centrífuga. Es inescapable. Al menos, eso parece al momento. Ya se estarán yendo a México para una gira de 10 conciertos. Les esperan Argentina, Chile, Colombia, Costa Rica y demás países latinoamericanos que han conquistado con arduas estadías de giras. La devoción de sus fanáticos latinoamericanos queda evidenciada en sus páginas de Facebook, donde cuentan (al momento en que redacto) con más de 200 mil amigos. Pero no se puede llegar a 200 mil amigos, sin hacerse de enemigos en el trayecto.

El ring de lucha frente a la banda que ensaya se me antoja una metáfora de lo que sucede entre los músicos, parte de su público, y un ex-compañero de grupo. “La Dulzura”, con su abundancia de canciones de amor, y la fuerte pegada que ha dado en la radio nacional el sencillo “La Complicidad”, ha polarizado los seguidores de Cultura Profética. Están los que dicen que la banda “se vendió” para ser más comercial, y quienes sostienen que no, que la integridad del compromiso social de la banda sigue incólume. Y están los nuevos fans de la banda: “la doñita de la panadería”, como resume el guitarrista Eliut González. Es la persona que no sigue el Reggae, ni a Cultura Profética, pero se ha jukiao’ con “La Complicidad”. Algunas de esas personas estarán en el concierto a escenificarse en el Anfiteatro Tito Puente, en Hato Rey.

Estamos backstage el sábado 9 de octubre. Willy me confiesa que siente mariposas en el estómago: “es la primera vez que convocamos a tanta gente y estamos agradecidos y que hayan entendido la propuesta...nos arriesgamos y salió bien”. Estamos a minutos del comienzo de la primera función, en una calurosa noche caribeña. “Al momento es nuestro concierto más importante en Puerto Rico”, declara Boris Bilbraut (baterista y cantante). “Y es un lanzamiento porque la gente de Latinoamérica está pendiente a este concierto”. Todo es nervios y preparativos de último minuto. Allá las bellas Kianí e Ilang (coristas) son maquilladas. Más acá, Boris enrola un cigarro sin marca. Willy es todo espectativa, mientras su novia, ya recuperada, le ayuda en el arreglo de su ropa. Omar Silva practica escalas en la guitarra acústica que sonará los primeros acordes de “Rimas Pa’ Seducir”. Egui Santiago y Juan Carlos Sulsona (tecladistas) ya están listos. Todo ante la cámara de la cineasta Karen Rossi, quien prepara un documental sobre la banda.

     Entre las celebridades presentes se encuentran Randy, del dúo reguetonero Jowell & Randy, la cantante puertorriqueña Mimi Maura, y su esposo, el saxofonista de Los Fabulosos Cadillacs, Sergio Rotman, quien opina que “han superado a sus maestros (Los Cafres). Les abrieron a Fabulosos Cadillacs en el 1994. Aprendieron la lección muy bien”.

     Mimi: “tocan con mucho feeling y han colaborado conmigo en grabaciones y en vivo”.

     Dan la señal y el camerino se vacía.

     Dos horas y pico después, todos sudados, músicos y público por igual, coincidimos backstage nuevamente. Omar busca la botella de Jack Daniel’s. Otros brindan con vino tinto. Y por supuesto, hay humo en el aire. Los muchachos están satisfechos. Willy: “la gente me sorprendió cantando las canciones nuevas, lo único malo es que algunos empezaron a irse cuando se acabaron las nuevas”, dice, soltando una breve carcajada. “La gente ha entendido la propuesta nueva”. Boris: “vi mucho público nuevo....y se cantaron el disco completo”.

     Diego, Guillermo y Marcelo, son tres jóvenes entre 23 a 25 años que han viajado a Puerto Rico exclusivamente para presenciar los conciertos en el Anfi. Estos son algunos de los calificativos con el que describen a Cultura Profética: “son super humildes y talentosos”, “es el grupo de Reggae más versátil, su poesía y su nivel musical es superior y no hay grupo igual en Latinoamérica”, “hemos ido a los 5 conciertos que han hecho en Costa Rica desde 2002 y nos hicimos amigos”, “allá llenan cualquier lugar”, “a veces no pueden ni cantar con la gente gritando: cultura, cultura!”. Willy comenta que entre él y su novia, le cocinaron un delicioso manjar boricua típico de la Navidad. Arroz con gandules, pernil, pasteles, etcétera.

     Dos días después, el periódico Primera Hora publica una encuesta, cuya pregunta era: ¿que te pareció el concierto de Cultura Profética? Un 51% señala que le pareció excelente o bueno. Un 49% responde que fue regular o malo. ¿Cómo explicar esta reacción tan polarizada?

     Eliut: “mira, estoy seguro que la mitad de la gente que votó en esa encuesta no fue al concierto”. Además, la muestra de la encuesta consistía de 220 participantes, contra casi 10 mil que presenciaron los conciertos.

     Willy: “el disco se está vendiendo, los conciertos se están vendiendo, pero Cultura no se vende. Estamos más claros que nunca y sabemos que seguimos firmes en nuestros ideales. Ya no tenemos más que demostrar. La clave de nuestro éxito es la sinceridad”.

     Omar: “es una dicotomía porque este disco presenta nuestra mayor ruptura con el reggae, aunque hay unos temas que te explotan el sound system, pero hay más variedad. Hay una imagen bien concreta sobre lo que es Cultura Profética. Hay unos discursos sociales que ya fueron planteados y es parte de nuestro bagaje. Nadie de nosotros tenemos que decirte si fumamos o no marihuana (porque está dicho en Fruto de la Tierra y Sube El Humo) por ejemplo. Son planteamientos que están en el nombre de Cultura Profética, y ahora quisimos expandir hacia otros temas”.

     Willy: “no tenemos necesidad de usar íconos como la bandera rasta, el león, y no necesariamente nos representa aunque es una influencia importante. Pero Cultura Profética es algo aparte. Somos un sonido aparte. Somos un género que no existe, un género que somos nosotros”.

     Eliut: “las críticas vienen porque hemos alcanzado otros públicos, y hay gente purista que quiere que nos quedemos subterráneos. Les duele que la doñita de la panadería tenga el disco. Hay unos haters con esa mentalidad”.

     Willy: “me di cuenta que a veces nuestras canciones eran discursos, un poco imponentes, y me doy cuenta que es mucho mejor proponer cosas poéticamente. En La Complicidad hablo de una relación de pareja, pero si te das cuenta hay muchas imágenes isleñas como “la alternativa contra contaminación, una colonia en busca de liberación”, y te da esperanza.

     Omar: “el otro día me llamó la madre de un estudiante mío que tenían debate de si la complicidad era a una mujer o a la Tierra. ¡Qué nítido que eso pase! Y la respuesta es: las dos”.

     Revista Alterna: ¿Por qué se fue Bayrex? Él alega disgusto con la dirección comercial de la banda.

     Willy: “eso es lo que él dice porque no quiere aceptar la realidad, porque él se fue antes de que lo despidiéramos. Pero prefiero no hablar de eso porque eso son problemas de egos y nosotros estamos más que claros en lo que estamos haciendo. Allá él con lo que esté haciendo o no haciendo”.

     Omar: “sin embargo él fue quien te animó a grabar La Espera”.

     Eliut: “sabemos que le duele, porque ha visto el éxito del disco, y saber que es un músico tan talentoso y que no esté pasando nada con su carrera, pues duele. Pero no es culpa de nosotros. Y hay cariño hacia él, incluso tratamos de que colaborara en algún tema, pero son cosas que pasan. Aquí somos una familia”.

     Luego de estas palabras, decidí que Bayrex merecía tiempo igual para reaccionar a los comentarios de sus ex-compañeros de banda. La siguiente conversación tuvo lugar en Facebook chat, el 7 de octubre de 2010:

Bayrex Jiménez
17:57
pues mano sinceramente estoy desepcionado (sic) con la direccion q tomo la banda

Revistalterna Musica
17:57
ok

Bayrex Jiménez
17:57
dejo de ser una banda para convertirse en un proyecto solista de willy

(A esto, la reacción de la banda fue la siguiente.

     Omar: no hay duda, Willy es nuestro compositor estrella. El tiene la tinta para la lírica. Yo escribo pero ni lo enseño porque no compara con Willy. Sin embargo, la personalidad musical de Cultura y lo que se dice en los textos es producto de nuestra convivencia. Hay muchas letras que Willy escribe que son cosas que ha dicho Boris, o cualquiera de nosotros. Willy es el que ha podido recoger ese sentir y representarnos a todos.

     Eliut: Willy es el que viene con las letras chévere, y pasan por el filtro del grupo. Al final lo que sale, se nota que hay una colaboración. Los problemas de ego hace que cada cual tire para su lado en las bandas. Somos una banda democrática y estamos contentos con esto. Hace tiempo tuvimos una dinámica de expresarnos y hablar, y Willy reconoció lo importantes que somos para la música que él escribe.

     Willy: yo dependo de su gusto y su dirección. Es un trabajo en equipo).

Revistalterna Musica
17:57
ok
esto fue lo que me dijo willy
Willy: “eso es lo que él dice porque no quiere aceptar la realidad, porque él se fue antes de que lo despidiéramos. Pero prefiero no hablar de eso porque eso son problemas de egos y nosotros estamos más que claros en lo que estamos haciendo. Allá él con lo que esté haciendo o no haciendo”.

Bayrex Jiménez
17:59
pues mira mano

Revista Alterna
17:59
alguna reacción?

Bayrex Jiménez
17:59
nosotros estamos en guerra bien cabron

Revistalterna Musica
17:59
vaya....

Bayrex Jiménez
18:00
yo les tire cuando tocaron con santini en el circotic y el se pico conmigo
(Circotic es un concierto anual con varios artistas, Santini es el controvertible alcalde de la ciudad de San Juan).

Revistalterna Musica
18:00
ok

Bayrex Jiménez
18:01
la verdad es q no podia bregar con el especificamente (Willy) y nacio mi hijo y me tuve q quitar

Revistalterna
ok
por último
lo q dijo Eliut

Revistalterna Musica
18:01
Eliut: “sabemos que le duele, porque ha visto el éxito del disco, y saber que es un músico tan talentoso y que no esté pasando nada con su carrera, pues duele. Pero no es culpa de nosotros. Y hay cariño hacia él, incluso tratamos de que colaborara en algún tema, pero son cosas que pasan. Aquí somos una familia”.

alguna reacción?

Bayrex Jiménez
18:02
mi reaccion es esta

Revistalterna Musica
18:03
no veo nada....??

Bayrex Jiménez
18:03
dame un break bro

Revistalterna
18:03
ok

Bayrex Jiménez
18:03
yo te la escribo a tu mail estamos es q tengo q salir unos minutos

Revistalterna Musica
18:04
no problem....se me cuida!

Bayrex Jimenez El 07 de octubre a las 19:25 Denunciar
Bueno hermanazo aqui esta mi reaccion y espero q no este muy larga.me dejas saber cualquier cosa estamos a la orden.

Leyendo las citas de mis ex compañeros de Cultura Profetica, me doy cuenta que la mejor decisión que pude haber tomado en aquel momento fue dejar el grupo. Aun sostengo mi percepción de que la banda ha tomado un rumbo equivocado al alejarse de lo que nos coloco en aquel tiempo en la escena preferencial del Reggae Root en Puerto Rico, lo cual fue nuestra voz de protesta y espíritu de concientizacion de las mentes jóvenes. Hoy nada de eso el publico lo esta viendo y los que nos pusieron en ese sitial lo resienten.
Por otro lado, Eliut, habla sobre la familia y el valor de ella, lo cual también comparto y por lo cual no entiendo por que para el es tan difícil de aceptar el que haya optado en preferir estar presente en el nacimiento y crianza de mi hijo Lucas, por encima de continuar con la banda.

Me gustaría que los fanáticos que siempre procuran por mi presencia en la banda los continúen apoyando, ya que son artistas del patio y merecen nuestro respaldo. Actualmente yo vivo en Orocovis, donde dirijo el estudio de grabación "Estudio DEl Jibaro" en el cual produzco a diferentes artistas. Sigo tocando como siempre mis conceptos de música instrumental. Estuve colaborando con el grupo La Muza en el éxito "Mi Bandera" y en su nuevo disco. Fui productor y pianista de la mas reciente producción de Andres Jimenez, "Desde Mi balcón". Por todo lo demás mi agenda sigue cargada ya que hay mucha creatividad y música por entregarle a la gente.

pero sabes q puedes de verdad decir q yo dije q pienso q ya el concepto de banda quedo atras para hacerle paso a un proyecto de solista de willy

yyy asesinaron mi cancion favorita de tito rodriguez q es sagrado eso no se hace

     Más tarde, esa misma noche:

Bayrex Jiménez
21:38
pues yo he criticado mucho las letras
y esta actitud de q ahora vamos a hablar solo de amor
pero musicalmente tampoco me gusta realmente

Revistalterna Musica
21:39
pues mira, yo creo q el artista tiene q fluir con lo q siente

Bayrex Jiménez
21:39
claro

Revistalterna Musica
21:39
si está tan enamorao, pues que lo exprese
y a mi me encantan las letras contestatarias...

Bayrex Jiménez
21:39
pero esas lineas de la complicidad: es tanta q nuestras vibraciones se complementan y una travesia hacia tus nalagas, estan bien charras jejeje

Bayrex Jiménez
21:40
para mi estar en esa paja mental en esta coyontura es estar en lala land

Bayrex Jiménez
21:41
es q las letras de amor no tienen q ser asi rebuscadas y charras

Bayrex Jiménez
21:43
o sea ahi tienes a silvio
no pido comeera de fuego
lo q pienso es estan bien debiles las letras
es un empalague
ademas la voz de willy ahi con ese lloriqueo ya cansa jeje

Revistalterna Musica
21:43
viste? lo mas bueno no lo puedo usar LOL
LOL

Bayrex Jiménez
21:43
usa lo q quieras

Revistalterna Musica
21:43
lloriqueo! LOL
no mano....
tampoco es ponerlos a pelear

Bayrex Jiménez
21:43
hize esa contestacion tu sae matando a cuchillo e palo jejeje
pero tienes mi permiso para usar cualquier cosa q te diga
claro jeje

21:43
ok
lo pensaré....

21:48Bayrex está desconectado/a.


     Dos semanas más tarde:

     “El Jíbaro” Andrés Jiménez jamás hubiese hablado públicamente sobre el altercado violento que se suscitó con su hijo Bayrex si este último no hubiese escrito en la red social Facebook su versión de los hechos y su sentir al respecto utilizando palabras soeces y ofensivas.

     El Jíbaro contó a este diario (Primera Hora) que por dos años éste permitió que su hijo Bayrex ocupara la residencia que mantiene en Orocovis con la idea de que se recuperara de la adicción “rodeado de sus raíces, de su familia y de todos los recursos de la música que parecían ser la medicina perfecta para él”, expresó el intérprete de A mí me gusta mi pueblo.

    “Porque él (Bayrex) es tremendo músico; el problema es que tiene un problema con el consumo de sustancias controladas”, reiteró El Jíbaro.

     “Me golpeó y yo traté de abrazarlo, de llevarlo a que reflexione, primero para que no me siguiera dando y, segundo, para que se controlara. Ahí es que él y yo nos vamos al piso. Yo lo aguanté por un rato y le dije: ‘Bayrex, reacciona, aquí hay mucha gente, mujeres, niños…’, pero él estaba sumamente airado y fuera de su cabales, insultando y diciendo cosas que son irrepetibles”, narró el cantante a Primera Hora.

     Jiménez aseguró que, tras aguantar a su hijo por un tiempo contra el piso con el peso de su cuerpo (ya que éste se encontraba encima de él), decidió soltarlo al pensar que ya se había tranquilizado. Sin embargo, una vez lo dejó libre, su vástago lo sorprendió agarrándolo por el cuello.

     “En ese momento me chocó la cabeza con la suya y él se hace unas heridas en la frente y me golpea a mí en la boca, en el ojo y en la frente también. Los golpes que él tiene en la frente se los hizo dándome a mí con su propia cabeza. Ahí forcejamos, lo suelto y cuando él se levanta va donde mi hermano Felipe y le da una bofetá. Se dieron puños ellos dos, pero mi hermano lo dominó y lo tiró en un sofá.”, indicó el cantante.

      A planteamientos de Primera Hora, Jiménez dijo que estaría dispuesto a brindarle apoyo, pero condicionado, a su hijo Bayrex, si éste pide excusas y perdón “a las personas que ha estado ofendiendo y que ha estado engañando”, expresó el cantante.

     Y ahí queda, por ahora, la tiraera entre Bayrex Jiménez y Cultura Profética.

     Y, con la salida de Bayrex, llegó Juan Carlos Sulsona.

     Willy: “Juanki se suponía que formara parte de Ideas Nuevas pero no se dio. Luego empezó a tocar con Gomba Jahbari, y no íbamos a ser tan ratas de robarnos su tecladista –ríe- pero cuando vimos la oportunidad, le propusimos, aceptó y cayó como anillo al dedo. Hacía tiempo necesitábamos una persona como él, no sólo musicalmente sino por su actitud, que habla también del asunto con Bayrex, que no quiero ampliarlo pero para estar en una banda tiene que tener la actitud perfecta porque esto es una familia y esa armonía se restableció con Juanki”.

     Juan Carlos Sulsona: “para mí, estar aquí es una felicidad. Es la primera banda donde propongo ideas y todos aceptan tratarlas, se siente un respaldo musical, todo fluye”.

     Entró en el 2007.

     Boris: “hemos sido amigos de toda la vida. Colaboró en los concierto en tributo a Bob Marley”.

     Juanki: “y cuando tenía dreads me confundían con Willy. Una vez un policía me iba a dar un boleto por infracción de tránsito, y me preguntó si era el de Cultura Profética. Le dije que sí y me dejó ir”, ríen. “Yo escuchaba a Cultura antes de soñar con ser pianista, y recibí la influencia de Iván Gutiérrez en mi escogido de sonidos, y me gusta mantener esa estética, dándole mi toque”.

     Willy: “la aportación más grande de Juanki la notas en Del Tope Al Fondo, y en todas las canciones, Ilegal, Baja la Tensión”.

INFLUENCIA DE LOS VIAJES

     Omar: “ha influido totalmente. Las vivencias…una de las revelaciones que tuvimos es que canciones como De Antes y Un Deseo, eran explosivas en lugares como Argentina, Chile, Perú, México, eso nos hizo entender cuando una pareja con un bebé nos decía, -gracias por esa canción, De Antes, porque mira el resultado”, ríe. “Y ahí uno se da cuenta de que las canciones forman parte de las vivencias de la gente, y eso lo hablábamos en la guagua, viajando”.

     Willy: “este es un trabajo social también, porque enfatizamos en las relaciones sanas en un tiempo en que se ven en Puerto Rico crímenes por la cuestión de la posesividad, es una carnicería lo que se ve. Se matan. Y nosotros proponemos una manera más dulce de vivir el amor. Se trata de la complicidad en una pareja, de qué tenemos para aportar en una relación de igualdad”.

PÚBLICOS

     Destacan a Argentina como uno de los públicos más efusivos ante su música.

     Boris: “es el latino que es amoroso, pasional, bien musical, y este disco va directo a eso. Los argentinos cantan las melodías instrumentales”, dice con asombro.

     Willy: “pasa que en otros países las escenas musicales son más pequeñas, pero el entusiasmo es el mismo”.

     Juanki: “es que en Suramérica el acto de salir a ver un concierto es diferente. Allá no están pendiente a cómo te vistes, están muy atentos a la música, aprecian los solos, y cantan afinado”.

     Omar: “es como que la cultura del fútbol se mete en la música, y lo convierte en una experiencia diferente para nosotros”.

     Eliut: “en Colombia hemos tenido tremendas experiencias, Santo Domingo fue bien bonito, El Salvador fue bien explosivo”.

     Les falta Brasil, Uruguay, Paraguay, Ecuador y Nicaragua por visitar y esperan hacerlo en la gira de La Dulzura.

EL PAÍS

     Omar: “lo veo bien jodío. Puerto Rico está bien descuidado en departamentos importantes como la educación, la salud y la cultura, los tres pilares de una sociedad. Estamos preocupados pero dando la batalla. Hay gente que decide irse, que lo podemos entender, pero esa no es nuestra actitud. La música nos da un poder que lo respetamos y lo asumimos”.

     Willy: “nosotros salimos para recoger y traer cosas, razones para trabajar, y aportar algo al país”.

     Al momento en que tecleo y publico estas palabras, Cultura Profética toca en una tarima de Puebla, México. Recogiendo para traer.

EXCLUSIVO - FOTOS DE FILMACIÓN DEL VIDEO "BAJA LA TENSIÓN" DE CULTURA PROFÉTICA

2010-10-19T05:33:00.009-04:00

¡Saludos! Resulta que Blogger me quiere hacer la vida cuadritos. Trato de subir fotos y nada. Y qué triste, porque lo que tengo es nada más y nada menos que las fotos de la filmación del video para "Baja La Tensión". A mí Blogger me está subiendo la tensión bien cabrón, pero no perderé la compostura. Para fotos, vayan, mis queridos lectores a Revistalterna Musica en Facebook. La información os dejo aquí:

Para "Baja La Tensión", segundo sencillo del disco La Dulzura, la productora Natalia Collazo, el director Christian Suau y el tecladista Juan Carlos Sulsona, unieron cabezas para trazar el concepto de este video. Así vemos cómo interactúan ciertos estereotipos de personas apretujados en un ascensor, junto a la banda, sobreviviendo la tensión del coexistir. Luego vemos al quinteto en bicicletas estacionarias cantando y tocando la canción. Hoy, se filmarán las secuencias en las que vemos cómo cada personaje baja la tensión en su diario vivir.

El acercamiento visual de Christian Suau Caro (hijo del renombrado fotógrafo y productor Gabriel Suau; su madre es la eterna Muñeca de los Ojos Brujos, Nydia Caro) eleva el nivel de calidad en comparación con los anteriores videos del grupo. La energía, la vibra, la entrega de todo el crew fue ejemplar.

Las entrevistas, reveladoras. Pronto las descargaré en sendos artículos. Al fin, a las 3:24pm, Blogger me permite subir estas fotos. La banda salió esta madrugada destino a México. ¡Órale Cultura!

Recuerda, para más fotos, busca Revistalterna Musica en Facebook. Que Mark Zuckerberg les bendiga. I'm out!

ISABELA MUSIC CLUB CON FOFÉ & AMISTADES

2010-10-18T00:52:00.001-04:00

Anoche fuí testigo de un set muy interesante del grupo Isabela Music Club. Refrescante, jangly guitars, versiones de Pixies,
Bad Brains, Nick Cave and The Bad Seeds, Iggy Pop y "So Tired", ultra clichosa balada #69 de Ozzy....pero esta versión la disfruté. Allí se unieron a la bohemia underground los cantantes Fofé, de Circo, y Phillip Padilla, de Burning Face.

Cano Vélez es integrante del grupo Joy. También cantaron algo con la cantante de su otro grupo: Mercy Killings

Cano y su hermano Millo, junto a Phillip Padilla, vienen de una banda punk pionera, Corrupted Society, que luego se llamó Flesh Field (con el batería de Nalgada de Oro: Bernardo Domínguez, y luego mutaron en Burning Face.

Cano y Millo también tocaron en local 12, que también es el nombre que usa Millo en sus sets como DJ.

Nota del autor: blogger me está jugando una mala broma y sólo me subió estas dos fotos. Para ver todas las fotos, busca Revistalterna Musica en Facebook.

P.D. Gracias a Carlitos (Pixie Punk) López por su colaboración en la reseña.

CULTURA PROFÉTICA - ENYOYANDO EN LA SEGUNDA FUNCIÓN

2010-10-11T03:06:00.001-04:00

La complicidad entre banda y público era evidente: complicidad de ideales, de amores, de humo.

Según Willy, en Facebook se dice que ahora es un cantante romántico pop. ¿Acaso Luis Fonsi proyectaría imágenes de Pedro Albizu Campos y Rafael Cancel Miranda en sus conciertos?

Omar, Eliut, Juanki y Egui son alquimistas sonoros.

Con "En La Oscuridad" y "Para Estar", banda y público sumieron la noche en una intimidad colectiva
cantando a coro versos como "mis manos se alargan en recorrido hacia tus nalgas". Pasiones se desatan en la calurosa noche caribeña.

"Dicen en Facebook que me visto como Menudo" -Willy, facebookmaníaco confeso.

"Fruto de la Tierra" dispara en sus primeros compases un activador automático en el público. Cultura Profética tiene los seguidores más aromáticos del planeta.

"Verso Terso" y "Mr. Swin" demuestran que aquí hay una banda sólida, un conjunto que funciona como una máquina de grooves bien aceitada.

MAGISTRAL CULTURA PROFÉTICA EN EL ANFI

2010-10-10T04:23:00.001-04:00

En la noche del sábado 8 de octubre de 2010, a eso de las 10:51pm, se abrió un nuevo capitulo en la historia de Cultura Profética. La trayectoria de este grupo se dividirá indeleblemente, en "antes de La Dulzura y después de La Dulzura". Este disco, y el sencillo en promoción, "La Complicidad", han lanzado a Cultura Profética al inexorable vórtice del éxito masivo, más allá de los jóvenes seguidores del Reggae en Puerto Rico y Latinoamérica. Willy hizo referencia a los comentarios de que Cultura "se vendió", pero era innecesario. Su público entiende lo que está pasando. Y en la tarima del Anfiteatro Tito Puente, demostraron por qué son dignos de ser calificados como "el Reggae más elegante de Latinoamérica", según rezaba la promoción radial de estos conciertos. Que son dos. Llenaron a capacidad hoy, y se espera que repitan la historia en el recital del domingo.

Al subir a tarima, la masa compacta de público rugió cuando vieron a los músicos asumir su lugar. Luego de unos visuales repasando la trayectoria del grupo, inició el recital con "Rimas Pa' Seducir", cantada al únisono por la concurrencia. Esa fue la tónica de todo el concierto: un público que se sabe el nuevo disco de rabo a cabo.

“Hemos estado aquí muchísimas veces, pero uno nunca deja de sorprenderse, gracias a ustedes”, expresó Willy luego de la segunda canción, "La Complicidad". "Enyoyando", "Con truenos" y "Despertar", fueron algunos de los clásicos interpretados para el delirio de los presentes. Con la proyección de un "phillie" encendido se estableció una pausa de 5 minutos en el concierto.

Según el portal Primera Hora: "El resto del show se sorteó entre arreglos melódicos como los que embistieron los números Del tope al fondo; Mr, Swin’; La espera, que incluyó guitarra actústica; y En la oscuridad, engalanado con el arpa. La intervención vocal de Boris, por otro lado, fue determinante en Somos muchos, Tempestad tranquila, Amante luz y Preciosa, esta última junto con el Willy".

La sorpresa de la noche fue la interpretación del tema "Bocanada", del rockero argentino Gustavo Cerati. "Sube El Humo" y "Fruto de la Tierra", esas odas al Cannabis, finalizaron el recital con una improvisación sicodélica a lo Pink Floyd en "Fruto".

Era la 1:20 de la madrugada y aún quedaba público esperando por más. Y así comienza el antes y después en la historia de Cultura Profética.

El 20 de octubre el grupo partirá hacia México para una gira de diez conciertos.

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LAMB OF GOD - CORDEROS RABIOSOS

2010-10-09T08:11:00.003-04:00

Anoche se presentó por primera vez en Puerto Rico el grupo estadounidense Lamb Of God. El recital tuvo lugar en el Anfiteatro Tito Puente ante una concurrencia que casi llenó el recinto. Randy Blythe, vocalista del quinteto, saludó al público luego de los rugidos de su primera canción, "In Your Words". "Fuck you, San Juan! This place is fucking unbelievable!", comentó Blythe. "Walk With Me In Hell" encendió el mosh pit a temperatura infernal, en una noche particularmente calurosa en San Juan. Los guitarristas Willie Adler y Paul (sustituyendo a Mark Morton) levantaron una muralla de sonido desde sus amplificadores Marshall, mientras el bajista John Campbell y el baterista Chris Adler sacudían el pecho de los presentes con sus frecuencias bajas y el doble bombo en velocidad frenética. No se quemaron cruces ni se sacrificaron corderos, a pesar de la objeciones de la Iglesia Católica local. Los únicos corderos que se inmolaron con gusto ante el altar de Lamb Of God fueron los presentes. Después de casi dos horas de show con 15 canciones interpretadas, el público quedó saciado. Las bandas nacionales Chufakia, Misstress María y Death Arrangement abrieron el concierto con propuestas de Metal bien ejecutadas que mantuvieron arriba el ánimo de los presentes, aunque estos no dejaban de corear: Lamb Of God! Este evento fue otra producción de Beatriz Rodríguez.

Disfruten a continuación, las excelentes imágenes del fotógrafo Francisco Gutiérrez.

EXCLUSIVO - FOTOS Y VIDEO DE CULTURA PROFÉTICA ENSAYANDO

2010-10-06T01:57:00.009-04:00

Los integrantes de Cultura Profética están que se ríen solos. Han vendido a capacidad el Anfiteatro Tito Puente (unos 6 mil boletos) con una promoción tradicional mínima y un mercadeo directo a través de la red social Facebook. Los boletos se vendieron tan rápido que han abierto una segunda función (primera vez que sucede eso en el Anfiteatro con cualquier artista). La cita será este sábado 8 y domingo 9 de octubre. Los boletos se consiguen a través de http://www.ticketcenterpr.com/ y, si eres amig@ de Boris Bilbraut (baterista y cantante) en Facebook, podrías comprárselas directamente a él en su "hippie wagon".

El repertorio consistirá del nuevo disco "La Dulzura" en su totalidad, mas clásicos como "Inspiración", "Sube El Humo", "Tempestad Tranquila" y por supuesto, "Fruto de la Tierra".

La banda de apertura será "Bamboo Station" y no habrá invitados especiales en esta ocasión, sólo Cultura Profética haciendo lo que mejor saben hacer: música comprometida y honesta. Sea sobre temas sociales o el amor en sus diversas variantes (amor a la Tierra, amor a la Patria, amor a la mujer, amor a la Ganja) lo que sale de la boca de Willy Rodríguez (bajista y cantante) y Boris "nunca expira ni se equivoca", como cantan en "Rimas Pa' Seducir". Precisamente esta cancíón ha sido elegantemente revestida con un arreglo a banda completa.

En un ambiente relajado, mientras Boris armaba un porro y luego lo compartía (excepto con Willy, quien se abstiene debido a que ingiere medicamentos para una dolencia en la garganta), fluyeron las interpretaciones del grupo, reforzado con sección de vientos y dos coristas, desplegando lo que se ha llamado "el Reggae más elegante de Latinoamérica". Fina musicalidad y melodía permean los arreglos de cada tema interpretado. A pesar de la dolencia de Willy (también sufre dolor en un hombro) su voz no se ha visto afectada, a juzgar por su vocalización en el ensayo, realizado en el pueblo de Caguas.

Los muchachos lucharon un poco a través de varias pasadas a "Tempestad", buscando la perfección, pero el resto fluyó tan bien que Omar anunció: "no creo que necesitemos ensayar el viernes". En el concierto se proyectarán imágenes alusivas a cada canción, realizadas por el artista Celso González y el equipo responsable por el reciente concierto de Puya, junto al fotógrafo oficial de la banda, Alex Díaz. Los visuales van desde escenas del ex-prisionero político Rafael Cancel Miranda, para el tema "Somos Muchos", hasta un video sugerente explorando la sensualidad y el erotismo para "En La Oscuridad". El sonido será "el mejor que hemos tenido en un concierto", según Willy.

Luego de tres horas de ensayo (con pausas para ver a Boris ser "restrallao" contra el piso de un ring de boxeo por el percusionista de la banda durante una coreografía de lucha libre) y muchas risas, termina el ensayo. Omar me dice: "pues....eso es lo que pasa aquí todas las tardes". Se vive bien...

Video de la banda ensayando "Baja La Tensión" y "Mr. Swin' y el Tres Pasitos Jazz Ensemble".

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LAMB OF GOD EN PUERTO RICO

2010-10-04T08:36:00.002-04:00

Este próximo viernes 8 de octubre se presentará en el Anfiteatro Tito Puente, en una producción de Beatriz Rodríguez, el grupo de Heavy Metal, Lamb of God. El quinteto se encuentra en su gira latinoamericana. En estos días tuvieron que cancelar su concierto en Ecuador debido a la breve revuelta social que hubo, y un show en Monterrey, pero sigue en pie su show en Ciudad de México, de donde llegarán a San Juan. Las bandas locales confirmadas para abrir el concierto son: Death Arrangement, Chufakia y Mistress María.

*Lamb of God es una banda de groove metal formada en Richmond, Virginia, Estados Unidos. Comenzó en 1990 conocida como Burn the Priest y lanzaron en 1998 el álbum debut homónimo con Legion Records. Poco después del lanzamiento del álbum cambian su nombre a Lamb of God. La banda está formada por el vocalista Randy Blythe, los guitarristas Mark Morton y Willie Adler, el bajista John Campbell, y el baterista Chris Adler, y forma parte de la llamada New Wave of American Heavy Metal. Desde su formación y hasta febrero de 2009, la banda ha editado seis álbumes de estudio, un álbum en directo y tres DVD. Lamb of God ha figurado dos veces en el festival Ozzfest y formó parte de la gira The Unholy Alliance Tour emprendida por la banda Slayer en 2006. También han aparecido en los festivales Download, Gigantour y Soundwave.

Debido a la variedad de las influencias, los elementos estilísticos y cambios a lo largo de la carrera de Lamb of God, la prensa ha elegido varios géneros y términos para describir su música. Han sido etiquetados como un grupo de groove metal y metalcore. Campbell, el bajista, en el DVD Walk With Me in Hell, dice que Lamb of God es una banda punk que toca heavy metal” (?), mientras que Chris Adler se refiere a Sacrament como álbum de speed metal.

*Información tomada de wikipedia.org

ENANITOS VERDES EN EL COLISEO DE PUERTO RICO

2010-10-03T01:39:00.001-04:00

La banda argentina Enanitos Verdes evoca gratos recuerdos en Puerto Rico. Cuando se dio el "boom" del rock en español a mediados de la década del '90, Maná y Enanitos Verdes con sus éxitos fueron punta de lanza del movimiento, abrazados por la radio boricua. Quince años después Enanitos Verdes renueva lazos con el público puertorriqueño y con cantautores nacionales.

Se trató de "una noche entre amigos", como declaró Marciano Cantero (bajista y voz principal). Junto a Felipe Staiti (guitarra), Juan Pablo Staiti (guitarra) y J. Moreli (batería), la velada trazó un panorama de éxitos y temas de su nuevo disco "Inéditos".

Con el Coliseo casi lleno a totalidad en su versión reducida, el cuarteto argentino arrancó con el tema "Esta Mañana". El segundo tema, "Houdini 2", fue dedicado a Gustavo Cerati, "colega caído en batalla", proclamó Marciano.

Felipe es, sin duda, un excelente guitarrista que satisface a quienes buscan algo de virtuosismo dentro del pop-rock de la banda.

Los invitados comenzaron a desfilar con los cantautores Alex Manuel y Ángel García López interpretando junto a los "Verdes" dos canciones: "Amores Lejanos" y "Guitarras Blancas".

Tito Auger, líder de Fiel A La Vega, interpretó una energética "Dale Pascual". La audiencia mostró su aprobación coreando el nombre del cantautor.

Rucco Gandía y Radio Pirata interpretaron dos canciones, mientras Luis Rojas cantaba "Mejor No Hablemos De Amor". El público se mantuvo animado y coreando los éxitos "Lamento Boliviano", "Mariposas", y "Mi Primer Día Sin Ti". La banda estiró algunos temas con breves solos e improvisaciones, intercalando temas de The Police, y dando paso a brillantes armonías de guitarras entre Felipe y Juan Pablo Staiti. Luego de 20 canciones en poco más de hora y media de concierto, los espectadores quedaron satisfechos y pidiendo más aún.

El acto de apertura estuvo a cargo del grupo infantil House Of 12. Gian (voz), Jonathan (bajo), Noah (batería), Carlos (segunda guitarra) y Diego (primera guitarra), ofrecieron dos clásicos de rock anglo (Sweet Child O' Mine de Guns N' Roses y Don't Stop Believin' de Journey, un tema original (Too Young To Care) y un clásico puertorriqueño (Boricua En La Luna) con la sorpresiva participación del cantante que la hizo popular, Tito Auger. Los chicos tenían su fanaticada juvenil gritando y cantando con ellos, y los muchachitos tienen tiempo de más para pulirse y llegar a ser una banda sólida.

Fue una noche de nostalgias y éxitos, que convocó a un público multi generacional, en una producción de Beatriz Rodríguez.

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PRÓXIMO EN REVISTA ALTERNA

2010-10-01T22:54:00.000-04:00

RESEÑA Y FOTOS DEL CONCIERTO DE ENANITOS VERDES EN EL COLISEO DE PUERTO RICO - FOTOS DE ENSAYOS DE CULTURA PROFÉTICA Y ENTREVISTA NUEVA CON ELLOS - PENDIENTES

ARTÍCULO SOBRE GOMBA JAHBARI Y UMOJA

2010-09-28T14:23:00.000-04:00

Este artículo fue publicado en el mensuario Diálogo en el año 2003. El grupo Umoja desapareció. Gomba Jahbari ha hecho una carrera respetable con 4 discos a su haber. Que disfruten esta mirada a dos bandas que comenzaban en ese entonces.

Gomba Jahbari y Umoja: las dos caras del reggae
Por Edgardo Soto Torres

Reggae. La palabra me hace pensar en jamaiquinos con uñas largas, encorvadas y amarillentas en los pies. Austeros señores de barbas hirsutas y canosas. Negros denunciando la opresión de su raza. Un intenso olor a pasto. Pero reggae en Puerto Rico evoca en mi mente chicas con uñas cortas, brillosas y rosadas en los pies. Despreocupados jóvenes de barbas ralitas y negras. Blanquitos celebrando el fumar fuera de casa. Y por supuesto, un intenso olor a pasto. Esa es mi hipótesis del perfil sociológico de los seguidores del reggae en el país. Y que me disculpen los miembros de la academia que conforman parte de nuestra lectoría, pero voy a tratar de probar mi hipótesis de forma no-científica y con tan sólo una muestra de dos personas.

Carmelo Romero y Joel Pierluisi tienen mucho en común. Ambos son líderes de bandas de reggae puertorriqueñas. Ambos tocan la batería, cantan y componen. Ambos comenzaron tocando salsa, pero encontraron su llamado en el reggae. Ambos comenzaron sus bandas junto a un amigo de la infancia. Ambos saben tocar guitarra, bajo y teclados, instrumentos que usan para componer sus canciones. Sus bandas lanzaron su disco debut el pasado año. Sus bandas toman su nombre de dialectos africanos. Carmelo dirige a Gomba Jahbari (que significa, guerrero valiente); Joel dirige a Umoja (que significa, unidad). Pero también tienen sus diferencias: Carmelo profesa la fe Rastafari, Joel no. Carmelo tiene 25 años de edad, Joel 17. Carmelo estudió en la Escuela Libre de Música, Joel aspira a estudiar música y mercadeo. Tanto sus bandas como sus vidas, reflejan el auge que desde la pasada década ha experimentado el género en Puerto Rico, y tal vez nos dicen algo sobre un sector de la juventud del país.

Sonrío tan pronto llego al hogar de Carmelo Romero, donde ensaya Gomba Jahbari, pues me parece que mi hipótesis comienza a comprobarse. La casa está ubicada en un sector exclusivo de Cupey Alto, y al pasar el control de acceso, puedo ver que se trata de una propiedad espaciosa, con piscina. Joel, con quien me encuentro en un café, también reafirma mi hipótesis: se trata de un adolescente de tez blanca y ojos claros que estudia en el colegio privado católico San Ignacio. Y su apellido es Pierluisi. Pero bueno, él no tiene la culpa de eso. Por su parte, Carmelo asegura: “sólo Dios sabe que no tengo dinero y tenerlo no es la razón principal de mi vida”. El compositor trabaja en la tienda Cool Runnings, rodeado de la música y parafernalia rasta que muchos jóvenes consumen como una moda más. La casa, me dice más tarde el publicista de la banda, es de la suegra del cantante. A quien Jah se lo da…

Carmelo se autodenomina un rasta puertorriqueño. Es por ello que en el disco de Gomba Jahbari, Sentémonos, abundan las referencias a Selassie, Jah, Zion, Babylon, y en los temas en inglés, adopta la sintaxis y pronunciación jamaiquina. Aunque su interpretación del reggae en su forma pura es sincera y de hecho, suena muy bien, no puedo menos que pensar en la época en que las bandas locales de rock cantaban en inglés porque entendían que ese era el idioma genuino del rock y la meta era parecer rockeros americanos. ¿Será Gomba Jahbari simplemente un buen calco del reggae jamaiquino? ¿Por qué no hacer un reggae con sabor puertorriqueño?

Para explicar esto, Romero me lanza una larga explicación teológica. Para resumir, vayamos a sus líricas. En el tema Afrikah, Carmelo canta: Puerto Rico…land of my birth / but Afrikah my mother is. Sucede que el jardín del Edén bíblico, se encontraba en la región de Etiopía, por lo que el primer ser humano y origen de la Humanidad se encuentra en Africa, y esa es su raíz, aunque Romero presenta una tez blanca. Es un joven espigado de abundante barba y dreads que le confieren un aspecto jamaiquino. Romero explica que no siente ninguna obligación de puertorriqueñizar o latinizar el reggae, porque su convicción religiosa llega a tal punto que no se siente identificado con la cultura boricua.

A pesar de esto, insiste en que la banda no es religiosa porque no busca “convertir” a quienes le escuchen, sólo desea exponer sus vivencias y creencias. Mientras Carmelo se toma muy en serio sus creencias, en Long Live Jah Joel prácticamente recita los preceptos básicos de la teología rastafari, a pesar de no seguir esa religión. Pero vamos, es un adolescente, podemos darle unos años para que aclare sus creencias. Cuando Carmelo comienza a escuchar reggae, se siente atraído por la profundidad del mensaje y por la simplicidad de su música: “por eso es que se llama roots, porque va a la raíz, busca la naturalidad, no es cuestión de tener la voz más entrenada, sino de usar la voz que Dios te dio”. A Joel también le atrajo el mensaje positivo del género.

Carmelo considera fresa a las bandas que usan el reggae para cantar canciones de amor. Umoja está promocionando actualmente una canción de amor adolescente, la contagiosa No Puedo Olvidarte, que se escucha en la emisora KQ-105, indicativo de que el éxito comercial toca a sus puertas. Se dice en la calle que muchos artistas sin talento logran el éxito a base de conexiones clave en la industria. Joel Pierluisi es nieto del veterano productor de televisión Paquito Cordero, por lo que El Show de las 12 ha sido un foro abierto para la exposición de Umoja. Lo cual prueba que las conexiones también ayudan a quienes poseen talento legítimo.

Es hora de presentar mi hipótesis sociológica a Joel y Carmelo. Romero debate mi apreciación exponiendo que el reggae se escucha también en los sectores marginados del país. Como ejemplo propone que el llamado reguetón es un derivado del ritmo dancehall de Jamaica. “Quienes oyeron dancehall, tienen que haber oído reggae, pero el dancehall apela más a la gente que le gusta la pose de malos, el baile y el materialismo”. Aunque Joel confirma el perfil del joven de clase acomodada que gusta del reggae, ello no le aísla de la problemática social del país. El cantante es sobrino de José Jaime Pierluisi, cuyo asesinato conmovió al país hace unos años. Otro crimen, el de la joven Nicole Muñiz, le llevó a escribir un tema inspirado en este triste problema que acosa al país. Joel manifiesta que “no hay que ser negro, rasta, ni tener dreads para tocar esta música. A veces la gente se cierra y piensa: ah, reggae es marihuana”.

Ah, los injustos estereoripos de la gente...así lo expresa Pierluisi en un verso de Vive Reggae: algunos la critican / diciendo que es sólo fumar. Joel me explica que las bandas que le cantan a la planta prohibida son minoría. Pero luego me sorprendo al escuchar Hightimes. Tanto el título como el verso –Y yo enciendo el cachimbo- presentan una clara alusión al uso de ganja (como se le denomina en la jerga jamaiquina), por lo que Umoja pertenece a esa alegada minoría.

Gomba Jahbari, por su parte, no deja lugar a dudas: el tema que da título al disco, Sentémonos, proclama el uso de la ganja y el arte del disco es prácticamente una propaganda de la planta, con la imagen de las cinco hojas cubriendo la contraportada y la placa del CD en un patrón de diminutos íconos. Por un lado, podría pensarse que buscan explotar el ángulo de Cultura Profética, cuyo mayor éxito, Fruto de la Tierra, trata el mismo tema. Carmelo explica que esto es parte de la tradición del reggae, como lo han hecho Bob Marley, Peter Tosh, y otros, además de que es parte integral de su religiosidad.

Con esto concluyo mi experimento. Si mi hipótesis resultó validada o no, es lo de menos, lo importante es la música. El reggae de Umoja es alegre y positivo, centrándose en el tema de la conservación ambiental y una pieza denunciando el atropello a la mujer en Afganistán. Hay dos temas instrumentales donde Umoja certifica su validez musical. La banda es buena, no cabe duda. En su reggae, Umoja tampoco realiza ninguna fusión con ritmos autóctonos o latinos.

Escuchar Sentémonos es sumergirse en un viaje sonoro. La musicalidad es de primer orden, comenzando con Anhelo, un tema instrumental con visos de guitarra clásica. El uso extenso de delay o eco, los efectos de sonido en los teclados y el afinque del bajo y la batería le confieren un aire sicodélico al disco. El reggae de Gomba Jahbari es profundo, tanto en su sinceridad espiritual, como en su madurez musical.

Umoja presenta una música positiva y liviana; Gomba Jahbari presenta la alternativa profunda y pesada. Uno tiene conexiones; el otro (aparentemente) no. Uno es adolescente, el otro es adulto. Uno recita teología rastafari, el otro la vive. Uno suena en la radio, el otro aún no. En mi estéreo suena Gomba Jahbari.

MONUMENTAL PUYA EN EL ANFITEATRO

2010-09-26T12:55:00.002-04:00

Tal como prometieran los integrantes de Puya, el Anfiteatro Tito Puente se estremeció con el estruendo del sonido que desplegaron en su concierto anoche. Sonido estruendoso pero bien ecualizado que transmitió todo el poder de las bandas participantes en una noche de rock Metal intensa.

Con los acordes del tema "Areyto" comenzó el recorrido de Puya por su brillante repertorio. El cuarteto desplegó su energía reforzado por dos trombones, una trompeta, congas, timbales y percusión menor (a cargo de Anthony Carrillo y Oscar Santiago). El público, que llenó a 3/4 partes el Anfiteatro, respondió con la intensidad esperada: brincos y coros en "Sal Pa' Fuera", "Oasis" y "Fundamental"; mosheo en "Deficiente", "Socialize", y "Erizo".

Harold Hopkins aprovechó para expresar mensajes como "la UPR no se vende, no al gasoducto", además de un llamado a apoyar a los artistas locales de diversas vertientes. También le cayó su "aguita" a los productores que abusan del talento local y una felicitación a Ender Vega, productor de este evento. Mientras, Ramón Ortiz se lució en un solo de guitarra que intercaló la melodía de "Verde Luz" con vertiginosos arpegios "tapeados". Definitivamente, uno de los mejores guitarristas nacionales. Ortiz también tiró la suya al denunciar el patrón histórico de atropellos de bandas internacionales contra las locales, en términos de darles un sonido fatal. Ese fue el caso de Puya cuando abrió el concierto de Guns N' Roses el pasado mes de abril.

Un momento muy esperado fue la intepretación del clásico de Nueva Trova, "La Muralla", en excelente arreglo de Harold Hopkins. Para el mismo subieron a tarima Tito Auger y Mimi Maura. Tego Calderón realizó su participación en un video pregrabado, mientras Auger cantó la parte de Antonio Cabán Vale "El Topo". Aquí Ramón lució sus dotes en el cuatro.

Luego de un set monumental de dos horas, la concurrencia pidió más, siendo complacidos con "Pa' Ti, Pa' Mí" y la muy solicitada "Rémora". Muy notable la consistencia vocal de Sergio Curbelo en una presentación extensa y casi sin pausas. Asimismo el trabajo en la batería de Eduardo Paniagua. Cabe destacar los excelentes visuales del artista Celso González, que complementaron a la perfección el contenido de las canciones.

En cuanto a los actos de apertura, Kingnaldo no logró cautivar a la audiencia en su set de media hora. Tribu corrió con mejor suerte, con su propuesta de Metal con vientos y congas, logrando que el público pidiera más luego de sus 20 minutos de participación.

Fue una noche estelar para Puya, aunque no estuviera lleno a capacidad como en el 2002. Esperamos que no haya otra pausa de 8 años para su próxima grabación. Puya demostró que son la mejor exportación del Metal boricua.

(Gracias a Tommy "Galdy" Rivera por su colaboración en las fotos).
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VIVANATIVA VIVE EN VIVO

2010-09-25T12:24:00.001-04:00

Anoche tuve el placer de presenciar un evento de la emisora Magic 97. El mismo tuvo lugar en la Plazoleta del Centro de Bellas Artes de Santurce. Allí se presentaron en tarima los grupos Project 80's y Vivanativa. Los muchachos de Project 80's interpretaron clásicos de esa década de Journey, Rush, Guns N' Roses y otras, de forma diligente y profesional. Excelente vocalización y trabajo de guitarra, igual la sección rítmica. Para un party ochentero, nada mejor que Project 80's.

Y a eso de las 10:30pm comenzó su escándalo Vivanativa. Siempre energéticos, apasionados y rocanroleros al máximo. Una luna llena fue cómplice de la noche, mientras jovencitas (y no tan jovencitas) bailaban al ritmo de "Me Sobra El Agua", "Sale Directo", "Si Tú Me Quieres", "Puro Amor", "Mariposa Mía" y su más reciente éxito, "Me Vuelas La Cabeza".

Javier y Nabeel son un dúo dinámico. Javier con su entrega como performer, hayan diez mil personas o diez, y Nabeel tocando su Gibson con pasión reminiscente de un Slash. ¡Por eso los rockeros les perdonamos las baladas! Siempre es un placer verlos en tarima.

Según me dijo un amigo, este será un evento mensual ha llevarse a cabo el últmo viernes de cada mes. Me parece una iniciativa acertada, sobretodo mientras mantengan el apoyo a bandas nacionales, pues la entrada es gratuita, hay diversos quioscos de bebidas y comidas, y es una alternativa excelente en tiempos que buscamos retomar los espacios abiertos y las noches en tiempos de crisis. ¡Enhorabuena!

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EXCLUSIVO - FOTOS DEL ÚLTIMO ENSAYO DE PUYA

2010-09-24T20:42:00.000-04:00

Revista Alterna tuvo acceso exclusivo al último ensayo de Puya antes de su concierto mañana en el Anfiteatro Tito Puente. El mismo se llevó a cabo en el local La Respuesta en Santurce.

Allí se personaron Mimi Maura y Tito Auger para darle un par de pasaditas a La Muralla. Harold conversó con Sergio Rotman, saxofonista de Los Fabulosos Cadillacs, sobre la posibilidad de que toque en dicho tema junto a su esposa Mimi.

La banda sonó bien ponchá, como dicen los músicos, la maquinaria está bien aceitada por lo que el concierto promete ser excelente.

Sergio me contó de cómo últimamente sólo escucha rock europeo (Muse, Radiohead, Coldplay) lo cual le influenció a cantar más melódicamente en "Areyto". Del rock norteamericano actual mencionó a Sevendust y una banda llamada Mute Math, la cual me permitió escuchar en su iPod. Lo que oí me gustó.

Sólo queda esperar a mañana para vibrar con la potencia musical de Puya, Allí estaremos para realizar la debida reseña.

ACTUALIZACIÓN DE SALIMOS DE AQUÍ - LA BIOGRAFÍA DE FIEL A LA VEGA

2010-09-23T11:24:00.002-04:00

Han pasado 5 años de la publicación de mi libro, Salimos de Aquí – la biografía de Fiel A La Vega. No ha sucedido con el grupo nada que amerite una reedición actualizada del mismo así que, a quienes pueda interesar, he aquí un artículo comentando las incidencias del pasado lustro.

El 2005 fue un año en que se mantuvo alto el perfil de la banda por vía de varios acontecimientos. En agosto compartían tarima con el cantautor colombiano Juanes, en un concierto privado auspiciado por la Pepsi. “Fue una noche divertida, en la que los Fieles parecen haber tomado un segundo aire de positivismo para su regreso”, escribí en este blog. Ya habían pasado casi 3 años desde el lanzamiento de “La Prosperidad”, disco que pasó sin pena ni gloria, hecho que había dejado un tanto desconcertados a los Fieles.

Unas semanas más tarde, la empresa Absolut Vodka anunciaba el lanzamiento del proyecto "Absolut Icon": un tributo a seis exponentes de rock latinoamericano con la sutil incorporación de la imagen de la botella en el arte de una de sus carátulas de discos emblemáticos. Fiel A La Vega se encontraba en muy estimada compañía en el disco "Absolut Icon" junto a Charly García (Argentina), Aterciopelados (Colombia), Los Jaivas (Chile), Los Amigos Invisibles (Venezuela) y Fobia (México). La carátula de Fiel seleccionada para la campaña fue, por supuesto, la de su primer disco.

"Con este proyecto, todo cae en orden. Es una oportunidad de tomar un segundo aire entre nosotros mismos", expresaba Tito Auger en conferencia de prensa celebrada en el Nuyorican Café en el Viejo San Juan. "Estamos muy orgullosos de que hayan contado con nosotros. Nos cae muy bien en este momento”, admitía el vocalista. Mientras, un ejecutivo de la empresa manifestaba: “la credibilidad establecida por Fiel, quienes no han sacrificado su esencia por mantenerse "comerciales", junto a las letras de sus canciones, les da un prestigio en el que Absolut busca reflejarse”. El 27 de agosto Absolut presentó un show privado como homenaje al quinteto, en el cual ellos mismos tocaron.

La presentación oficial de Salimos de Aquí se realizó el 23 de septiembre, día del Grito de Lares, lo cual me pareció una feliz coincidencia. Pero el evento tomó un matiz agridulce al circular el rumor, y luego la confirmación, de la muerte del luchador independentista Filiberto Ojeda a manos del FBI. La banda interpretó un set acústico para la ocasión.

En octubre el sello independiente Ferjan Music lanzaba el disco, “Desde el Comienzo 1994-2004”, una recopilación de los sencillos del grupo con dos canciones nuevas: “Oda a la Fidelidad” y “La banda se ha escapado”, junto a regrabaciones de “El Wanabí” y “Canción para Vieques”. Ninguno de los temas nuevos sonó en la radio. Para mi gusto, “Oda a la Fidelidad” era un tema que se equiparaba a los mejores del repertorio de la banda. Una lírica incisiva en la cual Auger se cuestionaba en qué consistía la fidelidad; en cómo aferrarse fielmente a una idea errónea conducía a la infelicidad, en cómo a veces traicionamos nuestra fidelidad a una idea o una persona (y a veces, a nosotros mismos).

Resultaba refrescante cómo el cantautor, en lugar de estructurar un discurso abstracto sobre el concepto de la fidelidad, lo presentaba a través de unos personajes y sus vivencias. Para quienes leyeron la biografía, resultaba evidente que, ya fuera de forma consciente o inconsciente, Auger hablaba de personas de su entorno familiar.

En noviembre, el grupo se presentó en el Teatro Ambassador de Santurce. Fueron tres funciones bajo el título “Trayectoria” en el cual tocaron temas de sus pasados 10 años en formato acústico. El elemento sorpresa (ya que no se destacó en la promoción del concierto) resultó ser un libreto bien hilvanado por Tito Auger, que precedía cada tema con anécdotas relativas al contenido de las líricas y a las circunstancias personales e históricas que rodearon su concepción. Lógicamente, muchas de las anécdotas aparecían en Salimos de Aquí, pero escucharlas de voz del cantante, aderezadas con su humor mordaz, le confirió a la presentación su aire de intimidad, de amigos reunidos a la mesa riendo y reflexionando ante lo vivido por los pasados diez años.

Para mediados del 2006, se anunciaba el “retiro” del percusionista Papo Román de la banda. En un comunicado de prensa, Román expresaba: “Gracias a ellos por la oportunidad que me brindaron de estar en un género que nunca había tocado. ¡Wao, un salsero tocando rock, qué gracioso! Por muchos años fueron como mi familia pero también las familias tienen que separarse para encontrar nuevos horizontes. A los Fieles les deseo la mejor de las suertes, todavía tienen mucho que aportar al pentagrama musical boricua. No se rindan nunca. Siempre los llevaré conmigo, como la mejor experiencia musical de mi vida”.

La realidad era que Papo había sido despedido por el grupo. Ricky Laureano, en particular, lanzó la advertencia: o se iba Papo, o se iba él. Laureano nunca estuvo satisfecho con la aportación musical de Papo, que en “La Prosperidad” era prácticamente inaudible. Los hermanos Arraiza le apoyaron y Tito no tuvo más remedio que, con mucho dolor, aceptar, pues sin Ricky ciertamente no hay Fiel A La Vega.

La salida de Papo fue mal manejada. Aparte de querer aparentar un retiro voluntario, no se realizó un show de despedida a un integrante que, según el propio Auger, era quien más solicitudes de autógrafos recibía, luego del cantante. Ello confirma que Papo gozaba de una simpatía entre la fiel fanaticada del grupo como para conferirle el espacio de una despedida digna.

Ante la salida de Papo, Auger propuso a los demás la integración de teclados y/o instrumentos de viento a la banda para refrescar el sonido y buscar nuevas avenidas creativas. Esto no sucedió. Fiel A La Vega volvía a ser un cuarteto, como al principio.

En octubre realizaron lo que sería su última presentación (hasta el momento de redactar estas líneas) en el Centro de Bellas Artes de Santurce, ante una sala casi llena.

Paralelamente, Tito grababa un disco en colaboración con Roy Brown y Tao Rodríguez Seeger, titulado “Que Vaya Bien”. Aportó al mismo cuatro temas de su autoría: “El Gato Está Confundido”, “Canción pa’ Ceiba”, “Forcejeo del Mundo” y “Chico de pueblo, chica de sociedad”.

Mis favoritas: “Canción pa’ Ceiba”, donde hacía una alegoría al cierre de la Base Militar estadounidense y las penurias económicas que ello implicaba para los ciudadanos, a través de la situación de un hijo que se enfrenta al abandono de su padre.

“Chico de pueblo y chica de sociedad” relataba, claramente, el feliz encuentro y subsiguiente relación de Tito con su esposa Margaret. Tristemente, la relación terminaría en divorcio al año siguiente.

“Que Vaya Bien” salió al mercado en diciembre de 2006. El periodista Jaime Torres lo ubicó en su lista de los mejores 10 discos del año y el video de la canción “El Banquete de los Sánchez” recibió amplia difusión, al igual que la canción en la radio. Fue un sorpresivo éxito “navideño”, aunque el mismo quedó interrumpido cuando surgió una tonta controversia por el uso de la palabra “chicho” en la canción (refiriéndose al tejido adiposo acumulado en la cintura, pero que en Puerto Rico también se usa como un verbo para denotar el acto sexual). Emisoras comerciales como KQ105 la retiraron de su programación. Roy y Tito denunciaron censura por ser artistas identificados con la izquierda política del país. Vaya usted a saber….

El trío de troveros también realizó presentaciones en Estados Unidos. Otro saldo positivo de esta aventura musical fue que Auger al fin se visualizaba como artista aparte del grupo. “Fiel A La Vega es una vía más de expresión para mi, no la única”, me dijo entonces. Esto contrastaba con la expresión de sorpresa y desilusión en su rostro, cuando se enteró que Ricky realizaba, también aparte del grupo, grabaciones de temas suyos en Digitec. Laureano llegó incluso a crear una página web a su nombre, pero al sol de hoy, no ha salido ningún disco que contenga esas grabaciones. Ciertamente, el guitarrista tiene la voz y las composiciones necesarias para lanzarlo.

La penúltima vez que vi a Fiel A La Vega en vivo fue en marzo de 2007. Tocaron con intensidad un set con algunas canciones “del baúl” como “La Banda se ha Escapado”, “Oda A La Fidelidad”, “Todo Cambia y Todo Sigue Igual”, y “Este Camino”. Pero también tuve la sensación de que el grupo se había convertido en una “vellonera” de éxitos. Probablemente había presenciado demasiados shows. Llamémosle “biographer’s fatigue”.

Así pasó el tiempo, entre tocadas de Auger como intérprete de clásicos de nueva trova junto a composiciones suyas en bares y restaurantes, y cada vez más esporádicas presentaciones del grupo. Tito era el único de los “fieles” que lograba vivir de la música, cumpliendo con su declaración de que “esto que hago es lo que siempre hare”, cantada en “El Panal”. Auger había encontrado su “equilibrio”. Además, se mantenían componiendo y ensayando canciones para una próxima grabación.

Y al fin, en febrero de 2010, lanzan su primer disco de material inédito en 7 años, titulado “Equilibrio”. El mismo consta de 10 canciones de puro rock, y una version acústica de uno de los temas. Lo único novedoso de la propuesta es que sólo una canción llega a los 5 minutos de duración. Auger y Laureano lograban concisión en sus composiones. Se trata de un disco bueno, satisfactorio para cualquier seguidor del grupo, aunque un tanto unidimensional musicalmente si lo comparamos con “La Prosperidad”. El disco cuenta con varios temas que me parecieron aptos para la radio.

“Turísticamente Bien” fue el primer sencillo. El tema presenta un comentario jocoso e irónico sobre la burocracia que se encuentra al hacer una gestión en cualquier oficina de gobierno. Fue tocado bastante en Alfa Rock y KQ (donde no sonaban hace años) entre otras emisoras. Luego lanzaron “Arena y Cal” en su versión acústica, siendo la version eléctrica mucho mejor, para mi gusto. La oí unas pocas veces en Alfa Rock. En junio, anunciaron en su sitio web el lanzamiento de “El Sol de Margara” para la radio. Nunca la he oído.

En mayo anunciaron el inicio de la gira de “Equilibrio”. Al momento de redactar estas líneas habían realizado unas 6 tocadas en 5 meses. A ese paso, ni siquiera puede llamarse “gira”. En febrero los ví por última vez (hasta el momento) en el Festival de Claridad. Sólo tocaron dos temas nuevos y de vuelta a la “vellonera” de éxitos de hace más de 10 años, pero era el repertorio correcto para el evento y la audiencia reaccionó entusiasmada.

Otra razón por la cual Fiel no suele tocar mucho material que no haya sido un éxito anteriormente, se encuentra en la renuencia de Laureano. Según Auger, este se desanima si ve que los temas nuevos no son muy aplaudidos y decide, en plena tarima, tocar material más reconocido. Esa fue la tónica durante las presentaciones posteriores al lanzamiento de “La Prosperidad”. Y muchos extrañarán que Ricky no cante más en vivo. Nuevamente, las inseguridades del guitarrista: este alega que se queda ronco muy rápido. Unas clases de técnicas vocales resolverían el problema.

Justo cuando, para fines comerciales, “Equilibrio” aparentaba haber muerto, el grupo anuncia contar con los servicios de un nuevo manejador. Más importante aún, anuncian la filmación de un video para el tema “Arena y Cal”, el primero en diez años, retomando así la promoción del disco.

Según una nota de El Nuevo Día, -Fiel a la Vega no tendrá una gira de conciertos internacional, ni sus temas se escuchan en la radio de muchos países, pero sí tiene paz mental-. “Nosotros estamos claros de que somos parte de una minoría. Por más éxito que hayamos tenido siempre nos hemos sentido que somos parte del ‘underground’, no de la mayoría. Mucha gente nos hizo ofertas, pero a la hora de la verdad nosotros no quisimos vivir con ese sabor dulce amargo de ver lo que hicimos por dinero. El cariño que le metemos a nuestro trabajo es para cuidarlo y no dejar que se contamine”, señaló Laureano.

Esto es encomiable, sin duda. Fiel A La Vega siempre tendrá seguidores que conecten con sus canciones. Mas no deja de ser lamentable el estado actual de las cosas, dado el sitial de éxito que ocuparan en sus comienzos. La pregunta sigue siendo: ¿volverán a ocupar ese sitial? Veremos qué les depara el futuro. Porque como cantara Bruce Springsteen: Everything dies, baby, that’s a fact / but maybe everything that dies, someday comes back.

Salimos de Aquí - la biografía de Fiel A La Vega se consigue a través de http://www.amazon.com/ y http://terranovaeditores.com/inicio/comprar.html?page=shop.browse&category_id=3

EDUARDO HABLA: DETALLES DEL CONCIERTO DE PUYA

2010-09-21T16:38:00.004-04:00

En primicia para Revista Alterna, Eduardo Paniagua reveló detalles del concierto de Puya para este próximo sábado 25 de septiembre en el Anfiteatro Tito Puente.

El baterista declaró: "prepáranse para un set de dos horas" y casi veinte canciones, recorriendo material desde su primer disco independiente, pasando por "Fundamental" y "Unión" (sus discos con la disquera MCA), y su nuevo trabajo independiente "Areyto" prácticamente en su totalidad. Aunque Mimi Maura, El Topo y Tito Auger han sido confirmados para el tema "La Muralla", Tego Calderón, quien participa en la canción, confrontaba problemas con su itinerario por su compromiso de filmación para la película "Fast Five". Mas no se descartaba alguna solución de última hora. Temas inusuales como "Down" y "Socialize" serán interpretados.

Paniagua reveló que contarán con un montaje de tarima sin precedente en el Anfiteatro. Una pantalla de 25 pies en la cual se proyectarán visuales del artista plástico Celso, estará al centro de una tarima de 40 X 32, con dos pantallas laterales transmitiendo en circuito cerrado las imágenes de los músicos. "Los visuales de la pantalla central tienen un significado especial por su contenido, ya que fueron creados especialmente para cada canción", explicó Eduardo.

En cuanto al sonido, Paniagua cree que el Anfiteatro prácticamente se sacudirá, pues tendrán unas torres de bocinas que asegurarán un buen sonido para el público desde cualquier ángulo del recinto. Una sección de vientos, mas la percusión a cargo de Anthony Carrillo y Oscar Santiago, servirán para reproducir fielmente los arreglos de las canciones.

"Vamos a dejar a Ramón en tarima para un solo de guitarra, algo que nunca hemos hecho, y habrá otra sección de solos entre batería y percusión", adelantó el baterista graduado de Berklee College of Music. Por si fuera poco, por primera vez contarán con un quisco de mercancía de Puya (camisetas, CD's, la pulsera USB con la música de "Areyto", entre otros) y estarán regalando algunos "souvenirs". La producción del concierto está a cargo de Acisum Group, compañía que realizó los mejores conciertos de Fiel A La Vega en sus años de gloria. Así pues, este concierto promete ser todo un evento. Para taquillas: http://www.ticketpop.com/

PUYA PA' TI EN VIVO - LIVE IN PUERTO RICO DVD

2010-09-18T10:49:00.004-04:00

Varias bandas han grabado DVD's de concierto en Puerto Rico. Sol D' Menta grabó en el 2002 su décimo aniversario en el Anfiteatro Tito Puente; Cultura Profética grabó su décimo aniversario en el Coliseo de Puerto Rico en el 2006 (y si la memoria no me falla, creo que también grabaron otro en el Anfi); Puya grabó en el Anfi en el 2002. Ninguno había salido a la venta hasta ahora, cuando finalmente nos llega Puya Pa' Ti En Vivo - live in Puerto Rico.

En este DVD encontramos 11 canciones del mítico concierto de aquel viernes 8 de marzo de 2002. Toda la furia y el swing de Puya en todo su esplendor se manifiestan en temas como Erizo, Solo, Rémora, Sal Pa' Fuera, Oasis y mi favorita, Sí Ajá. En el mismo se monta tremendo masacote en el montuno con solos demoledores de Brenda Hopkins al piano y Anthony Carrillo en el timbal, mientras Ramón improvisa solos melódicos en Oasis. Resulta impresionante ver el Anfi lleno a capacidad, la furia del mosh frente a la tarima, la energía de la banda, a Cachete Maldonado cuando aún podía tocar con todas sus facultades. Priceless...

La sección Ol' School nos presenta tres temas de principios de la carrera de Puya: La Raza, Paco y Al Palo, con José Ignacio "Joshyn" Rodríguez como invitado en la batería, para recordar viejos tiempos. Como bono, podemos ver una vieja grabación en VHS de la presentación de Puya en el festival Rock Al Parque, en Bogotá, Colombía, allá para el 1996. Se trata de un show legendario en el que podemos ver que Puya logró conquistar la audiencia colombiana, aún siendo perfectos desconocidos (de hecho, la única banda independiente en el festival).

Sólo hay una sección, Good Vibes, que se extiende demasiado. La misma consiste de pietaje de los intregrantes del cuarteto compartiendo con amistades y fans; tal vez interesante para los involucrados, pero que no arroja nueva luz sobre la banda. Un recorrido de su carrera tipo documental con entrevistas, hubiese sido mejor. Dado el amplio resumé de giras de la banda (registrado parcialmente en las notas del DVD) sería interesante recopilar pietaje de varias giras para un futuro DVD.

Por ahora, PUYA PA' TI EN VIVO es un excelente recordatorio de qué hace de Puya una de nuestras mejores bandas. Además, sirve de aperitivo al plato principal que será su concierto en el Anfi este próximo sábado 25 de septiembre (taquillas en ticketpop.com).

OTRO ENSAYO HUMORÍSTICO

2010-09-14T13:08:00.002-04:00

LO QUE NO ME GUSTA DE SER ROCKERO

Por: Edgardo Soto Torres

Podría llenar varias páginas de esta publicación pontificando sobre las razones por las cuales, desde los 13 años de edad, llevo con orgullo el calificativo de rockero. Aunque debo aclarar que luego de mi reconciliación con la Salsa y la apreciación de otros géneros musicales uso el término como uno descriptivo de mi forma de ser y pensar, más que de un gusto musical. Dado que no cuento con una cantidad ilimitada de páginas para destacar las bienaventuranzas de ser rockero, resulta más conciso (y divertido) hacer un brevísimo listado de las únicas tres razones por las cuales no me gusta ser rockero.

1) LOS ROCKEROS NO LAVAN SUS CARROS

“¡Vaya loco, estás cocoleando”! Esa es la frase que me han dicho dos amigos rockeros en ocasión de verme lavando mi auto. Es tan simple como eso: lavar el carro es cosa de cocolos, o seguidores de la Salsa. El estereotipo surge de los años ’80, cuando era muy común ver a los chamacos cocolos con su Salsa a to’ volumen, haciendo temblar las ventanillas del auto como hacen ahora los raperos (muchos de los cuales son hijos de cocolos) mientras lavaban su “máquina”. Es toda una leyenda urbana la forma metódica y casi obsesivo-compulsiva en que los cocolos lavaban cada rendija y entretuerca de su amado Toyota 1.8, el modelo más emblemático de la cultura de los “fiebrús”.

Los cocolos lucían con evidente orgullo sus carros relucientes, con los aros brillosos, aniquelao’s papá con “almorol” y to’ los powel. Los interiores quedaban inmaculados, con su latita de cherry pa’ oler bien cuando montaran las jevas y con el sticker de aprobación que certificaba el vehículo como un BPA (baja panty autorizado). ¿Y los rockeros? Los “clasemedieros” como yo, sin carro, o con una pelota de moho con cuatro ruedas gastadas y tan sucio que le escribían encima, a dedo, “lávame so puerco”. Si era un rockero de clase alta, pues tendría su carrito decente pagado con el sueldo de médico, abogado o contable de papi y/o mami, con la obligada tabla de surfing en la capota. “Puros estereotipos de clase”, protestarán algunos. Tal vez, pero si persiste el estereotipo que lleva a clasificar el lavado del carro como un acto de cocolería, supongo que también persisten los rockeros que no lavan sus carros, en los cuales ahora escriben, a dedo y con fino sarcasmo cibernético, “lávame.com”. Entonces, si ser limpio es “cocolear”, ¿qué es “rockear”, ser un puerco? Esa percepción es una de las razones por la cuales no me gusta ser rockero, y la misma nos lleva a la segunda razón.

2) LOS ROCKEROS NO SE BAÑAN

El día que bajé por las escaleras de la República de México (la escuela, no el país) y ví escrita en la pared la aseveración anterior, una profunda sensación de ser víctima de prejuicio y discriminación se apoderó de mí (y como no soy negro, mujer u homosexual, esa permanece como mi única y benigna experiencia de “discrimen”). Esto fomentaba la paranoia de ser parte de una minoría dentro de una comunidad escolar dominada por “cocolos de caserío”, como le llamábamos despectivamente a la mayoría. Nuevamente, más estereotipos y prejuicios clasistas, pero así se trazaban las líneas en las escuelas públicas, lo cual no impidió establecer contadas amistades que cruzaban bandos.

“¿Que los rockeros no se bañan? ¿De dónde salió ese disparate, si yo me baño todos los días”? –me preguntaba, confundido (y tú sabes que los baños de los adolescentes suelen ser frecuentes y laaaargos). Sería un maestro de guitarra quien, en medio de una anécdota sobre los hippies boricuas con los que compartió en los ’70, aclaró el malentendido al mencionar que estos traían consigo “una peste a camello sudao”. Riendo, el mister daba a entender que esos rockeros eran bastante laxos en sus hábitos de higiene personal. Rápidamente corrí la voz en la escuela de que quienes no se bañaban eran los hippies de antes, pero nosotros no éramos hippies, sino rockeros….con mahones rotos, tenis Converse o Pro-Keds gastados, camisetas negras con símbolos “satánicos”, y cabellos largos que el barbero de la esquina miraba con recelo. Mientras, los cocolos andaban con su toallita perfumada al hombro para secarse el sudor, “con la peinilla en la mano” como cantara Blades, y “filoteaos”como dicen ahora los raperos (¿ya dije que algunos de estos son hijos de cocolos?). Añádase el carro inmaculado, y he ahí la razón por la cual las nenas más lindas siempre andaban con los cocolos mientras los rockeros andábamos en corillos hombrunos con las hormonas alborotás’.

3) LOS ROCKEROS NO SABEN DAR PARRANDAS

Este sí es un asunto alarmante. Yo puedo soportar un rockero que tenga un carro asqueroso y que apeste a camello sudao’ (por un rato). ¿Pero un rockero al cual su preferencia musical le haya alienado de su cultura? Eso es una abominación. Qué patético resulta ir a un party navideño donde los discos que suenan son de Ska, Reggae, Rock, y absolutamente nada de música típica puertorriqueña y mucho menos navideña. Sí, porque los rockeros estamos por encima de esas cafrerías pueblerinas para doñas chancleteras como “Minga y Petraca”. ¿Oír una Bomba, una Plena, o una Décima en una reunión de rockeros? Qué va, oír a Bon Jovi y a Poison es más cool que oír a Ramito o a Chuíto el de Bayamón.

Alguien protestará: “yo lo que oigo es Bob Marley, loco”; o “yo lo que oigo es Incubus, no esa fresería hair metal”. Yo no sé, pero a mí un Seis Mapeyé me conmueve, pues toca una fibra ancestral en mi ser que no tiene nada que envidiarle a un Stairway To Heaven. Mira loco, un Seis Mapeyé bien tocao’ carga la misma melancolía que un blues del legendario Robert Johnson. Y la emoción que me provoca ver cómo renovamos votos de tradición de pueblo con un éxito navideño de Danny Rivera o Vicente Carattini y sus Cantores de San Juan se equipara a la que siento en cualquier concierto de rock en el Coliseo.

En las fiestas navideñas de los rockeros no se baila, y cuando alguien intenta entonar algún estribillo, aunque sea un “saludos, saludos vengo a saludar”, la canción queda incompleta porque nadie se sabe la letra o los guitarristas de turno no se saben las canciones de parranda. Entonces, todos se ríen y se llenan la boca de morcilla y cuerito para pasar el “pasme”. Ah, pero pide una de R.E.O. Speedwagon o Journey y te tocan los éxitos. Pero hay señales de esperanza: Puya tocando un éxito navideño de El Gran Combo en su concierto de diciembre del ’99; Vivanativa entonando aguinaldos en el concierto que presentaron en el Coliseo en diciembre del 2000. También brinda esperanza la ya tradicional parranda que el animador Luis González lleva con la Tuna de Segreles y miembros de diversas bandas para su programa “Tarde en la Noche”, donde se mezclan el cuatro y la guitarra eléctrica. Así que es cuestión de lavar los carros, bañarnos y salir a dar unas buenas parrandas para borrar los estereotipos.

Publicado en Tiempos (diciembre 2002)

PUYA - PESAERA CON TUMBAO

2010-09-11T12:14:00.004-04:00

Puya está de regreso. Disco nuevo, un DVD de su presentación en el Anfiteatro Tito Puente en el 2002, y su presentación en ese escenario el próximo 25 de septiembre (taquillas en ticketpop.com.) son eventos que me llenan de alegría, pues Puya ha sido una de mis bandas favoritas de la escena boricua. En saludo a este regreso presento un recorrido a su trayectoria, incluyendo algunas entrevistas que realizara a este importante cuarteto.

PUYA
PESAERA CON TUMBAO’
Por: Edgardo Soto Torres

Puya comenzó como un trío instrumental llamado Whisker Biscuit, debutando un 2 de septiembre de 1991 en la Segunda Competencia de Rock Nacional en la plaza de Río Piedras, como artistas invitados al cierre de la actividad. Manejados por Melba Miranda recorrieron el país de punta a punta presentándose en lugares como La Casa de Teo con su singular mezcla de rock pesado, funk, y rap, en una onda a lo Faith No More, pero intercalando la cadencia salsera y cantando en “espanglish”. Originalmente el grupo estaba compusto por Harold Hopkins (bajo), Ramón Ortiz (guitarra), José Ignacio Rodríguez “Joshyn” (batería) y Eddie Macías (voz). (Antes de integrarse a Whisker, Ramón probó brevemente la miel del éxito comercial con el grupo de “glam rock” Mattador). Pietaje del documental “Cocolos y Rockeros” (Ana María García, 1992) muestra al cuarteto en plena ejecución de lo que Harold llamaría entonces “rock isleño”. Era la reconciliación final, síntesis y sincretismo musical de aquella batalla ochentera que se dividía de forma maniqueísta entre la salsa y el rock. Desde entonces lograrían una leal fanaticada de base que crecería con los años hasta convertirles en una de las bandas más admiradas por fans y colegas.

Durante sus primeros años en Puerto Rico, desfilan cantantes invitados como Mike Villegas (ex-Mattador) y Mimi Maura (ex-Alarma; ahora una respetada solista en Argentina). Aunque agradecidos con el respaldo de su fanaticada, el cuarteto entiende que la falta de difusión para el rock pesado les impide progresar por lo que parten, en el 1992, a Fort Lauderdale, Florida. Allá salen Joshyn y Eddie, entran Eduardo Paniagua como baterista y Sergio Curbelo como cantante. En el 1994 circularon un “cassette” como Whisker Biscuit, titulado “Puya”. Un año más tarde, cambian su nombre a Puya y lanzan su debut discográfico bajo el sello independiente Noiz Boiz. En el 1996, fueron la única banda independiente en tocar en el festival Rock Al Parque en Bogotá, Colombia.

En el 1999 son firmados por el sello multinacional MCA y lanzan Fundamental, disco que no dudé en proclamar como un clásico del rock boricua por su efectiva mezcla de distorsión y clave, de pesaera con tumbao’. Esto se lograba mediante la incorporación de respetados percusionistas invitados como Angel “Cachete” Maldonado, Anthony Carrillo y Edgar Lebrón, junto a una sección de vientos. El disco fue producido por el renombrado productor argentino Gustavo Santaolalla.

MCA apuesta fuerte a la propuesta de “metal afrocaribeño” en “espanglish” de los boricuas y pone la maquinaria promocional en movimiento. Artículos de prestigiosas revistas norteamericanas como Guitar World y Metal Edge presentan a los muchachos ante el público norteamericano y la crítica coincide en que se trata de “un respiro de aire fresco para el género heavy metal”. Hasta un anuncio a página completa de Ramón auspiciando una marca de amplificadores se vería en Guitar World. Mientras, el video de la canción “Oasis” recibió difusión en MTV Latino. Esto, acompañado de giras por Suramérica junto a los Red Hot Chili Peppers, Sepultura, y Pantera, mas un lugar en el Ozzfest (la gira de verano más exitosa en el mercado “metal” norteamericano), auguraban mejores tiempos para la banda.

En el 2000 una de sus canciones, “Tírale”, fue incluida en la banda sonora de la película Heavy Metal 2000. También fue incluida su versión de “Spirits in the Material World” en un disco de tributo a The Police. Luego vino el segundo disco, Unión (2001), y la debacle. Fue en esta etapa que tuve la oportunidad de realizar mi primera entrevista a la banda.

“Fundamental fue como una caricia, este va a ser como una bofetada”, me decía el productor, a la vez que hacía el gesto acercando su mano peligrosamente a mi cara. Era Garth Richardson, quien estuvo en Puerto Rico trabajando con Puya en las sesiones iniciales para lo que sería Unión. Ciertamente, con la ayuda de Mudrock como productor y encargado de la mezcla, el nuevo disco del cuarteto boricua era una bofetada sónica que azotaba fuerte, debutando en la posición #10 del Billboard Latin 50, y colocándose en las listas de diversas radioemisoras estadounidenses. Según Josh Norek, publicista de la banda, Puya había logrado buenas ventas en lugares donde no hay grandes comunidades de latinos como Des Moines, Iowa, Italia, y Japón. El éxito de Puya parecía ser una muestra de lo que podía suceder cuando una banda se deja guiar por su compañía disquera.

Durante el transcurso de las sesiones iniciales para Unión, tuve la oportunidad de conversar con Harold Hopkins (bajo), Ramón Ortiz (guitarra), y Eduardo Paniagua (batería). A pesar de lo corteses que son, no es fácil entrevistarlos si se trata de ir un poco más allá de hablar sobre la música. Eduardo es el más easygoing, prácticamente el portavoz de la banda. Harold evita ser entrevistado y Ramón es el más hermético. Da la impresión de que prefieren ir al dentista antes que sentarse ante un periodista. Y yo sentí que estaba tratando de sacarles una muela cuando trataba de sacarles respuestas. Supongo que es normal que una banda que denuncia “la gran mentira de la Prensa” en Sal Pa’ Fuera, se muestre aprehensiva ante esta. Para finalizar, pude conversar unos 15 minutos con Sergio, satisfecho pero cansado luego de dos horas firmando autógrafos en un centro comercial. So, here it is:

PUYA – UP CLOSE AND PERSONAL

Eduardo Paniagua, baterista:

Desde pequeño, sintió preferencia por el rock, “quizás porque uno asocia la salsa y lo tropical con los adultos, y por querer ser diferente pues rechazaba la música de aquí por el rock. Después que uno llega a cierta edad, aprende a apreciar todo tipo de música. Empecé con clases de guitarra acústica como por un año, después clases de piano por otro año, hasta que me decidí por la batería a los 17 años. Cogí clases pa’ leer música y después me fuí pa’ Berklee” (School of Music, en Boston). “La batería es un instrumento más físico, como que puedo dejar salir las emociones ahí”, es como explica Eduardo la atracción por el instrumento. Al principio, sus padres pensaron que la batería era otra fiebre más que se le pasaría pronto, “pero vieron que fue el único hobby que no solté”. De seguro ha de sentirse dichoso de ganarse la vida con su hobby.

Eduardo es hijo de Reinaldo “Poto” Paniagua, abogado conocido principalmente por ser dueño del equipo de beisbol de los Cangrejeros de Santurce, militante del Partido Nuevo Progresista y favorecedor de que Puerto Rico se convierta en un estado de la nación norteamericana. Desde su primera grabación, Puya ha manifestado claramente una postura de corte nacionalista a través de sus líricas. Le pregunto a Eduardo cómo ha impactado esto en su familia, y si él está de acuerdo con lo que exponen Harold y Ramón en sus letras:

“Yo, particularmente, me mantengo alejado de todo lo que sea política. No necesariamente compartimos las mismas ideas…yo estoy aquí por la música”, contesta, dejando sin respuesta la reacción de su padre a la ideología de la banda.

Cuando le pregunto qué suceso en su vida alteró su forma de pensar, forjó su personalidad de alguna manera o simplemente le impactó a nivel humano, político o musical, vuelve a la música: “mi primer concierto, Night Ranger y Zebra en Bellas Artes” (20 de mayo de 1983; nota del autor: sí, yo estuve allí ¡mi primer concierto en primera fila!) Eduardo: “Yo estaba sentado bien cerca del stage y era bien fanático de ellos…y eso dejó una marca bien fuerte. Ahí decidí que eso era lo que quería hacer con mi vida”.

En resumen, Paniagua se describe como una persona positiva: “siempre que quería algo, lo daba por hecho, y siempre me concentraba en bregar con las cosas pequeñas, con el día a día, y así poco a poco llegan las cosas grandes. Si te pones a pensar en los grandes obstáculos, no llegas a ninguna parte”.

Ramón Ortiz, guitarrista y compositor:

“Como a los 13 ó 14 años”, Ortiz abraza el rock influenciado por Van Halen, Ted Nugent y Night Ranger, entre otros. ¿Por qué el rock? “El rock es una música que expresa inconformidad, como que no te importa un carajo nadie, esta es tu cosa y que nadie se meta contigo”. Aunque heredó de su padre el talento para la guitarra, este aún se resiste al hecho de que su hijo sea un músico de rock profesional. Ramón estudió la guitarra con el famoso requintista Henry Vázquez y en la academia Rock Unlimited, famosa en los años ’80 en San Juan. De ahí pasó a estudios libres en guitarra clásica en el Conservatorio de Música de Puerto Rico. El resto de su educación consistió de “jammeos” con los panas y escuchar discos.

Un momento definitorio en su vida: A Ramón le impactó sobremanera cuando vió al grupo Cardinal Sin en el local Anything Goes. Quién hubiera dicho que más de diez años después, invitaría a John Dones, guitarrista de Cardinal, a tocar en Unión.

Sergio Curbelo, cantante:

Comienza a oír rock en la escuela intermedia. Cuando le pregunto por qué el rock, contesta con un “no sé…me gustó”. Recuerda haber comenzado a escuchar al grupo alemán Scorpions, pero asevera que sus gustos siempre han sido variados (aunque admite que, como la mayoría de los rockeros de su generación, pasó por una etapa de escuchar metal exclusivamente). Slayer y Metallica eran de sus favoritos. “Hubo una etapa en que oía Hip Hop nada más”, en la onda de Run DMC y Beastie Boys. Su primer encuentro con la mezcla de metal y rap, fue con Faith No More.

Para Sergio, ser cantante no fue producto de una decisión consciente. Se integraba a bandas “por tripiar” y al pasar los años ya tenía un resumé amplio de bandas subterráneas (No Man’s Land, King Wicked, menciona).

¿Y por qué le da con cantar y no con tocar guitarra? “Loco porque pa’ aquel tiempo no había fondos pa’ eso. Donde yo me crié las cosas estaban bien duras, tampoco había quién diera clases de guitarra”. Sergio nació en Nueva York, pero se crió en Rincón. Mas no se hagan de la idea de un joven Sergio surfiando; la tabla que eligió fue la de skate.

Como suele suceder, sus padres insistieron en que terminara una carrera universitaria, pero ya la música le reclamaba toda su atención. La entrega de Sergio a la música no fue motivo de alegría para sus padres, pero a la vista de los avances en la carrera de Puya, ya lo aceptan. La experiencia de la paternidad (Curbelo tiene dos hijas) le ha hecho comprender esas actitudes paternales que no entendía cuando estaba “soltero y algarete”.

Precisamente, esa mentalidad característica del joven cantante soltero, en gira rocanrolera y expuesto a mil tentaciones, ha cambiado con los nacimientos de sus hijas: “ahí uno se da cuenta que tiene estas criaturas que dependen de ti completamente, y eso cambió mi forma de pensar a una más madura”.

El tercer momento definitorio en su vida musical lo fue participar en la gira Ozzfest: “eso me abrió los ojos bien duro. Hasta ese momento, sólo habíamos tenido una buena experiencia, a nivel de público masivo, en Colombia (en el Festival Rock al Parque -1996-) y adaptarse a eso fue fuerte pero bueno”. Ahí Sergio comenzó a desarrollar esa “malicia” necesaria para dar el paso de los clubes a los espacios amplios y tener domino escénico. “Además, ahí fue que pensé: esto es en serio, esto va pa’lante”.

El estilo de vocalización que exige este tipo de rock es uno que demanda mucho de las cuerdas vocales. ¿Cómo se mantiene esa mezcla de canto con rugidos guturales y gritos de sargento del ejército sin estropearse la garganta? Sergio no seguía ninguna técnica particular, ni hacía ejercicios vocales, pero recientemente había estado recibiendo la ayuda de un vocal coach en Los Angeles: “Es que en la última gira estuve cantando hasta enfermo…y yo no sé cómo otros cantantes lo hacen, pero a veces llega el punto en que la voz está bien cansada y gracias a Dios que no se me ha ido por completo, pero a veces no está tan potente como quisiera. Con el coach he aprendido unos ejercicios para calentar la voz, para bajar la hinchazón y para que la sangre circule mejor”. Incluso, rechazó mi invitación a una cerveza: “el alcohol me reseca la garganta”. Y tenía motivos para cuidarse. Aunque llevaba cinco días sin cantar, aún sentía que su voz no estaba en óptimo estado, esto a 24 horas de su presentación en la discoteca Asylum, en Santurce.

Harold Hopkins, bajista y compositor:

Cuando al fin logro “arrinconar” a Harold para hablar, estamos sentados ante una mesa de dominó. Hopkins ve que prendo mi grabadora y decide que el ruido de las fichas sobre la mesa es el acompañamiento ideal para cuando me siente a transcribir. Al igual que Ramón, Harold transmite una seriedad e intensidad que, en principio, intimida (quienes vieron la furia que expresó cuando se le daño el amplificador en medio del show en Ayslum, tienen una idea). Pero a pesar de ello, y de quizás hacerse el difícil para entrevistar, para mi sorpresa resulta ser bastante comunicativo.

Harold cuenta que siempre tuvo un gusto musical muy amplio: Jazz, Salsa, Reggae, Rock, y a los 18 años es que toma el bajo. Antes había aprendido un poco de piano por vía de su hermana, Brenda (pianista del show de Héctor Marcano en los ’80, cuando este se dedicaba a copiar el show de Arsenio Hall, y luego directora del Departamento de Música del Instituto de Cultura Puertorriqueña). La Hopkins, quien mantiene por su lado un conjunto de jazz latino, también participa en Unión. A pesar de haber tomado el bajo más tarde de lo usual, “aprendí rápido porque me junté con gente que sabía tocar, como Sammy Morales y Gilberto Alomar”.

De aprenderse canciones de AC/DC y Van Halen, pasó a su primer “guiso”, tocando el repertorio de los Beatles “con un grupo de gente que era mayor que yo”. Luego pasó a otra banda de covers de los ’70 y al conocer la música de Jimi Hendrix, se interesó en el blues. El salto a la pesaera viene de la mano de Sepultura y Rage Against The Machine.

Harold tuvo “más o menos” apoyo de su familia. Su madre insistía en que estudiara una carrera universitaria, la cual piensa completar algún día (lo cual me recuerda cuando Tom Hamilton, bajista de Aerosmith, dijo hace poco: “mom, I promise: when I get this out of my system, I’ll go back to college”). Del bajo le atrajo el tono y el hecho de que lo ve como “el puente entre la melodía y el ritmo”.

Para Harold fue una revelación en su vida la noche en la que, mientras practicaba en su cuarto, oyó a lo lejos un rumbón de esquina y “adquirí como un sentido de identidad” musical y cultural. El germen de la fusión del rock pesado y la salsa había entrado a su mente. Su visión de mundo, y en particular de su país, cambió con las experiencias de la vida universitaria: “participamos en conciertos de la FUPI (Federación de Universitarios Pro Independencia) y Claridad (periódico de izquierda) con Whisker Biscuit”.

Luego de unos 15 minutos, Harold pregunta (de forma más asertiva que interrogante) “¿Con eso estamos, verdad”? Y la entrevista termina.

PUYA Y SU BREGA CON LA INDUSTRIA

Ahora es que entramos en el meollo del making of de Unión.

Resulta interesante ver cómo funciona una banda de rock fuerte, rebelde y política como Puya, con la industria disquera. Más aún si se trata de una banda boricua firmada y manejada por un sello norteamericano (MCA). A mí pregunta -¿escuchan las recomendaciones de los ejecutivos, o entregan el disco y que ellos breguen con eso?- Eduardo respondía: “siempre oímos las sugerencias que tengan, pero al final del día tenemos la última palabra, en cuanto a la música. Ellos bregan con el marketing y confiamos en que lo van a hacer bien. Nosotros somos la primera banda que canta mayormente en español que MCA ha firmado y uno de los ejecutivos me dijo que con nosotros tuvieron que reinventar su sistema de marketing porque no es lo mismo que bregar con bandas norteamericanas”.

Puya comenzó a componer las canciones de Unión en mayo del 2000, en sesiones realizadas en Puerto Rico. Desde la primera sesión, escuché estribillos y riffs de canciones como Numbed, No Interference y Sí Aja. Se dijo que el disco saldría en octubre. Luego se dijo que en febrero, y finalmente salió en junio de 2001. ¿Por qué pasó un año completo cuando para Fundamental se tomaron tan sólo dos o tres meses?

Puya entregó a MCA una grabación. La misma estaba supuesta a ser Unión. Pero la compañía no quedó del todo satisfecha, por lo que les pidieron más composiciones. Había dos razones detrás de esto: primero, conseguir unos temas aptos para la radio, y segundo, más temas en inglés. Luego de ir y venir con más grabaciones, y de recibir como respuesta que “faltaba algo más”, la banda, exhausta, decidió tomarse un descanso. Al regresar a las sesiones, MCA les pidió que trabajaran con otro productor, Mudrock (quien produjera a Godsmack y a Powerman 5000).

Sergio confirma esto: “ellos (MCA) querían que trabajáramos con alguien que nos ayudara a estructurar las canciones: intro / verso / pre-coro / coro / verso / coro / solo / coro. Esa es la estructura “clásica” de una canción”. A Curbelo no le entusiasmó la idea, pues el tipo de producción que Mudrock había hecho para Godsmack no era de su agrado. Pero decidieron aceptar la sugerencia de la disquera, y de esa colaboración surgieron las canciones Ride (el primer sencillo a la radio), People, Matter of Time, y la versión final de Bridge. Todas en inglés, y ciertamente entre las mejores del disco. También lograron un balance de seis canciones en inglés, seis en español y una instrumental. Hay números compactos para la radio como Ride, y temas más free form, de “jameos” afrocaribeños, como Ahoraké. Y todo el mundo feliz.

¿Representa esto que comprometieron su integridad, o como decimos en la calle, que se vendieron? “Nosotros hacemos lo que queremos, pero tampoco somos cretinos”, comenta Sergio al respecto. “Escuchamos lo que tienen que decir porque saben de esto, y firmamos con ellos porque confiamos en la experiencia que tienen. Mira, hablándote a la right y sin comer mierda, nosotros tomamos la última decisión y si no queremos hacer algo, pues no lo hacemos. Pero ya que la disquera estaba dispuesta a gastar más chavos en nosotros (para la grabación) pues decidimos complacerlos”, dice riendo. “Los que lean esto, en verdad quiero que sepan que no hay nada malo en seguir el consejo de gente que sabe más que tú, y usar ese conocimiento de la forma que tú quieras. Y no es malo que una disquera quiera que la banda sea algo grande en el ambiente”.

Al final, Sergio quedó favorablemente impresionado con Mudrock: "es el productor que más me ha volao la cabeza. Hizo que la banda sonara super gruesa, super grande, me ayudó en cuestión del vibe a la hora de grabar los vocales…el tipo está cabrón, esa es la única palabra que hay”.

Y esa era la historia, so far, de Puya, la banda de rock boricua que más impacto había tenido a nivel internacional. Su trayectoria parecía trazar una ruta al éxito, una especie de mapa que podrían seguir grupos boricuas y latinos: navegando entre dos idiomas, dos mercados (anglo, latino), y un compromiso político y cultural. O como lo dirían ellos: echa palante papá / pa’ llegar hay que empezar, así que móntate, pa’ que veas cómo es.

Pero, luego de varios meses de rumores, la banda confirmaba la disolución de su contrato con la disquera MCA, y el panorama que pintaban sobre la intervención del sello en Unión fue distinto.

Es oficial: MCA y Puya terminaron su relación…¿por qué?

Harold: No nos renovaron el contrato. Teníamos un acuerdo por dos discos y la disquera decidió no renovar el contrato. Eso se puede ver como algo malo pero yo lo veo como una bendición porque nos da más libertad musical. Ya se veía que la ruta de MCA era la de dirigirnos musicalmente hacia lo comercial.

Sergio: En el primer disco, Fundamental, tuvimos mucha más libertad que en el segundo. Ya en Unión MCA tenía sus ideas de lo que la banda debía hacer.

Harold: A pesar de que, en cierta manera, nos dejaron bregar más con la fase de producción, había mucha más presión con las cuestiones comerciales, el idioma de las canciones, de hacer “covers” y otras cuestiones más que no iban de acuerdo con lo que era Puya. Por eso pienso que la separación ha sido una bendición.

¿Y ustedes no veían venir esa separación? Porque resultaba extraño que no hicieran un video de promoción, ni los llevaran en alguna gira importante…(Sólo se lanzó un video de la canción Pa’ Ti, Pa’ Mi, en apoyo a la salida de la Marina de E.U. de la isla-municipio de Vieques, realizado sin el apoyo de MCA).

Harold: Hubo un montón de fallas de parte de ellos en el mercadeo, porque Unión es un disco que está cabrón…

Sergio: Yo me siento bien orgulloso de ese disco. Pero MCA no sabía qué hacer con nosotros, honestamente. No sabían cómo llegarle a la audiencia que le interesaba lo que nosotros hacemos. A mitad de grabación, hubo un cambio de personal de la companía y se fueron personas claves que bregaron el primer disco, y el personal nuevo no entendía lo que la banda quería llevar. Entonces quisieron trabajarnos como a cualquier otra banda.

En resumen, ¿cómo evaluarían la labor de manejo durante los años que estuvieron en MCA?Harold: Hicieron cosas buenas porque nuestro nombre ha corrido por todo Estados Unidos y dondequiera que vamos hay gente que conoce nuestro trabajo, siempre hay su corillo…

Sergio: Ese ha sido el mayor beneficio que hemos sacado de estos años de giras y grabaciones.

Un período de separación surgió, con varios integrantes residiendo en los Estados Unidos, a excepción de Harold, quien permaneció en Puerto Rico. Ramón formó el grupo Ankla, Eduardo formó Pinhead, y Harold formó Antihéroes y luego Yeva. Sergio se dedicó a trabajar, estudiar y compartir con su familia. En junio de 2005, Puya se presentó en un skatepark de Bayamón ante una entusiasta fanaticada. Para ese show, un amigo y “roadie” de Puya identificado sólo como JD, tocó la guitarra. Eduardo se manifestaba entusiasmado con la idea de grabar un disco nuevo, mientras Harold supuestamente tomaría las riendas administrativas consiguiendo guisos (tocadas). Pero volvieron a pasar unos años de silencio para la banda.

EL RENACER DE PUYA

Para mayo de 2009 se anunció un show de Puya en el Centro de Convenciones de Puerto Rico, para el Stereo Modern Music Festival. En agosto tocaron en el evento Yellow Pass, en Mayaguez. En noviembre se volvieron a reunir como atracción principal en un evento de skateboarding en el parque Juan Ramón Loubriel de Bayamón. La euforia con la que fueron recibidos en estos tres eventos les animó a un regreso definitivo para el 2010, incluyendo la grabación de nuevo material. En abril abrieron el concierto de Guns N’ Roses en el Coliseo Roberto Clemente. En el mes de julio encabezan el festival Rock Al Parque en Bogotá, Colombia, ante 50 mil personas. En agosto lanzan el EP “Areyto”, con cinco canciones. También lanzan un DVD, “Puya Pa’Ti Live”, de su excelente concierto del 2002 en el Anfiteatro Tito Puente en San Juan, lugar al cual regresan con un concierto este próximo 25 de septiembre.

Luego de 20 años de trayectoria, Puya cuenta con un lugar consagrado como una de las bandas puertorriqueñas más importantes del país, y ciertamente, la más exitosa del género Heavy Metal.

RESEÑA DE "AREYTO", LO NUEVO DE PUYA

2010-09-08T23:12:00.003-04:00

Ahora es que es / ni antes ni después -con ese coro queda establecido el regreso discográfico del cuarteto Puya, luego de 9 largos años. Se trata del EP de cinco canciones, "Areyto". El mismo es el primero que graban en Puerto Rico y es distribuido de forma independiente. Vamos canción por canción:

Ni Antes Ni Después - composición de Ramón Ortiz, comienza con un toque de bomba, guitarras crujientes y el cuatro marcando la melodía del coro. Lo primero que sorprende es oir a Sergio Curbelo exhibiendo un estilo melódico al cantar. Nada de gritos guturales. Nice! Los elementos clásicos de Puya se encuentran en función: la mezcla perfecta de pesaera con tumbao, un solo de guitarra vertiginoso de Ramón, y el afinque de Eduardo Paniagua y Harold Hopkins en la batería y el bajo, respectivamente.

No Hay Mal Que Por Bien No Venga - composición de Ortiz. Aquí el toque de bomba se mantiene durante las estrofas con un coro de pura pesaera. Puya es la banda que mejor ha integrado elementos de la música afrocaribeña al rock duro, y son únicos en el subgénero del Metal. Curbelo continúa con su enfoque melódico y Ramón despliega otro solo furioso, rico en veloces arpegios. Al final, el guitarrista se luce con un buen solo de cuatro (instrumento puertorriqueño de diez cuerdas, usado en nuestra música folklórica). Los primeros dos temas tienen potencial radial, y de hecho este último sonó hace unos meses en la radio local.

Areyto - composición de Harold Hopkins. Tema un poco más heavy que los anteriores. Interesantes dinámicas en el mismo, con un interludio que invoca el espíritu taíno. Sergio vocaliza en la vena más tradicional del Metal actual.

La Muralla - poema del cubano Nicolás Guillén, cuya versión musicalizada alcanzó notoriedad en el primer disco del grupo de Nueva Trova setentero Haciendo Punto en Otro Son. Excelente arreglo de Harold Hopkins, y la más agradable sorpresa del disco. Con un toque de conga se establece un ambiente misterioso que culmina con acordes pesados y la voz de Tito Auger entrando en la segunda estrofa. De ahí a un rapeo original de Tego Calderón; luego baja el mood y entra la voz melodiosa de Mimi Maura. Regresa la guitarra rugiente sobre el dueto entre Auger y Maura, y de ahí a un riff de tempo veloz que reformula el coro de la canción en la voz de Sergio. Y como si fuera poco, todo culmina en un sabroso seis chorreao con El Topo echando una buena décima original. ¡Fantástico! Esto es Puya a la quinta potencia.

Echa El Resto - composición de Ramón y Harold. Tema sacado "del baúl", representa vintage Puya. Naturalmente, es el menos sorprendente. Suficiente pesaera para saciar la sed de los hardcorosos que piden rabia musical.

Y ahí termina. Queda uno con sed por más. Esperemos que este sea el aperitivo a un disco de larga duración en un futuro cercano. Por lo pronto, nos queda esperar al 25 de septiembre para el concierto de Puya en el Anfiteatro Tito Puente, su regreso a esa tarima luego de su despedida en el 2002. Dicho concierto está contenido en el DVD "Puya Pa' Ti En Vivo", del cual hablaremos en otra ocasión. Por lo pronto, "Areyto" se consigue a través de iTunes, Amazon.com y las tiendas Gravity de Plaza Las Américas y Caguas. Pronto estará en otras tiendas. Las taquillas del concierto se encuentran en Ticketpop.com

ENSAYO HUMORÍSTICO SOBRE REGUETÓN

2010-09-06T13:14:00.002-04:00

Muchos lectores rockeros tomaron como serio lo que, obviamente, es un artículo humorístico sobre el fenómeno del reguetón, su baile, y cierta aceptación de estos por parte del público rockero. Esto debo haberlo escrito entre el 2002-2004, cuando la explosión del reguetón alcanzó su cénit, y fue publicado en el semanario Claridad.

¡Y EL PERREO SE APODERÓ DE MI!

Por: Edgardo Soto Torres

Desde mi atalaya de veterano de la guerra entre cocolos y rockeros, he podido divisar un fenómeno digno de estudio sociológico: aquella batalla (resuelta por una generación que aprendió a mezclar a la Fania con Ozzy) ha sido sustituida por la guerra entre cacos y rockeros. Sería interesante que la cineasta Ana María García, quien dejara constancia de la “guerra urbana” de los ’80 en su documental “Cocolos y Rockeros” (1992), hiciera una secuela basada en el conflicto actual, pues guarda algunas similitudes con aquella división de la masa juvenil que comenzara en los años ’60 entre los “a go-go” (rockeros) y los “conserva” (seguidores de la música latina). Repitiendo el patrón ochentero, se le endilga a un bando un epíteto clasista y denigrante (…en Puerto Rico a los pillos les dicen cacos –como cantara Héctor Lavoe), y nuevamente, los rockeros son minoría ante los llamados cacos, que son los seguidores del rap en su variante local del reguetón. (En realidad, no me consta que los rockeros hayan bautizado a los raperos como cacos, o si estos últimos se autodenominaron así).

El reguetón se ha convertido en un fenómeno socio-musical, en gran parte por la atención que le han prestado los medios al mismo y a sus artistas. Cada arresto y tiroteo protagonizado por cualquier popular rapero, y cada acto de violencia ligado a lugares donde se baile el mentado “perreo” gana portadas, mientras Ojeda, Jovet y Zervigón dedican programas completos a toda la controversia que desata el reguetón. Y es que esas son las noticias “que venden”. ¿Que existen decenas de grupos de rock compuestos por estudiantes universitarios que trabajando a tiempo parcial y con mil sacrificios sacan sus producciones al mercado? Eso no amerita portadas ni programas de televisión y mucho menos difusión radial. La realidad de jóvenes músicos que nunca han sido arrestados, crean música que no denigra a la mujer y no pregona la violencia, es muy aburrida para los medios. Y pensar que el rock era la “música del diablo”, como tanto nos lo advirtieran Raschke y companía. Ahora, en lugar de letras en inglés y mensajes subliminales, estos fariseos modernos tienen que proteger a sus nietos de explícitas líricas en español. Al que no quiere caldo…

Pero divago. Vuelvo al tema que debe ocupar la mente de nuestros sociólogos. Mientras el rock en español recibe la indiferencia de la radio y de la mayoría del público juvenil que prefiere música que no les haga pensar, los raperos venden discos a gusto y gana. Para ellos, los Discos de Oro son ya cosa de rutina, tanto así que deben estar usándolos como frisbees o para servirle la comida al pitbull. Recelosos, los rockeros (tanto músicos como seguidores) observan cómo la balanza se inclina muy a favor del tra tra tra y el daleeeee, dale don daleeee. Desde la pasada década el resentimiento acumulado ha creado una división de bandos reminiscente de la “guerra urbana” entre cocolos y rockeros en los ’80. Pero como dijera John Lennon: give peace a chance; o como decimos en Borinquen: si no puedes contra ellos, únete.

Y eso es lo que está pasando. A través de la comunidad virtual que accesa el foro de Pulsorock.com he podido confirmar lo que muchos sospechábamos: a pesar de que dicen odiar a los cacos y al reguetón, los rockeros están perreando. ¡Horror! –gritan los puristas, blandiendo sus discos de Iron Maiden y Nirvana como el cura de El Exorcista blandía su cruz ante la niña poseída que le vomitaba la cara. Pero, al igual que en la película, en la cual el cura logra exorcisar al demonio a costa de su vida, el rock boricua podría perder la vida en un combate directo contra el reguetón. Por eso recomiendo que cuando sientas que el perreo se apodera de ti cual posesión demoníaca, lo mejor es que no resistas y te entregues al sandungueo, como lo hizo este usuario del foro que se identifica como Skalderán en este relato que cito tal cual:

Unas amigas del trabajo (que están Bien Buenas) me invitaron a hanguiar a Mayaguez Café y al llegar al lugar me doy cuenta que estaba la mujer desbordándose del lugar y el reggaetón sonando por todos lados. Pedimos el primer round y de momento las cabronas se ponen a bailar conmigo y pues, el perreo se apoderó de mí en ese momento, y el tra tra tra baja baja baja toma toma toma…lo triste no es eso es que después de ese día salimos juntos 3 días corridos a The Landing donde había bandas y todo cool, pero cada vez que acababan las bandas…tra tra tra y dale que es tarde.... a perriar se ha dicho porque cuando tienes par de jevas al lao bailándote y "guaya que te guaya" pues es obvio que no te vas a quedar como un pendejo parao ahí... así que llegó el domingo y pues salí del trabajo y dije pues me voy pa’ Cues chillin a jugar billar y qué me encuentro? Un dj allí con tra tra tra, guasa guasa y un par de jevas bailando y de momento me puse a bailar con ellas...tra tra tra, baja baja baja, guaya guaya guaya.... y el perreo se apoderó de mí!

Su relato me conmueve hasta las lágrimas. Fíjense cómo, en lugar de atacar al DJ y exorcisar el sitio con un disco de los Skatalites, el hombre se entregó al perreo en aras de una buena obra hacia unas féminas que estaban “Bien Buenas” (el uso de mayúsculas como énfasis, me hace pensar que estaban BIEN BUENAS). ¿El resultado de su bondad hacia ellas? Así es que se empieza, las guayas y las guayas, y luego las guayas de verdad jejeje –resume Skalderán. ¡Cuán iluminador resulta su testimonio!

Más revelador aún resultó la confesión de algunas féminas. Una usuaria (cuyo nombre –DarkEnchantress- hace pensar que es una gótica fanática de los novelas de Anne Rice y Harry Potter), testificó lo siguiente: Fuímos a un cumpleaños de marquesina y estaba lleno de nenes de la Military de Bayamón, y empiezan a poner caquerías y los nenes allá fajaos bailando y yo, como si estuviera poseída por la música, me seguí moviendo hasta que cuando me dí cuenta estaba metía en el medio del revolú y me puse a perrear con mi novio –lol- no me arrepiento de nada.

La realidad es que los dueños de pubs alrededor del país parecen preferir que sus locales estén llenos de “gatas” dispuestas a entregarse al perreo en un “guayoteo” que lleva a un éxtasis que imagino culminará en ropa interior masculina manchada cual sueño mojado de adolescente, con el consumo de alcohol fluyendo libremente, a un show de rock en el que la audiencia se aferra a la primera cerveza hasta que el último sorbo es tan sólo un tibio caldo amargo (o lo que otro usuario del Foro denominó “los chupa-hielos”). Curiosamente, los propietarios de pubs suspenden los eventos de rock alarmados cuando el público moshea (acción que consiste en chocar unos contra otros danzando en círculos), y aunque esa forma de liberar la agresividad resulta mucho más sana que un tiroteo, al parecer el ansia de lucro puede más que el instinto de preservación.

Todo esto me hace presagiar la fusión entre el rock y el reguetón. Rock y perreo: me parece un junte inevitable. Habrá quien diga que unir el rock y el perreo es tan lógico como unir a Bush con Saddam, a Ojeda con Jovet, o a Carlos Pesquera con su hermano Farrique. Sin embargo, para los raperos lo ilógico es natural. ¡Han logrado poner “gatas” a “perrear”!

Haciendo de abogado del diablo, podría argumentar que tal vez al rock del país le hace falta más sexo y menos conciencia social. Después de todo, en sus orígenes el rock n’ roll sirvió para liberar la sexualidad reprimida de los adolescentes de los años ’50. Los movimientos pélvicos de Elvis Presley eran el perreo de la época. Los inuendos sexuales poblaban las líricas de Jerry Lee Lewis, Chuck Berry y Little Richard, en las cuales el tema recurrente lo era el deseo de tener sexo con menores de edad, con la chica de 16 años como fetiche predominante. El rock servía de válvula de escape a esas hormonas adolescentes alborotadas, de la misma forma que ahora lo hacen el beat y las líricas del reguetón. Y en un ciclo que parece repetirse ad infinitum, los censores alzan su voz de alerta, y no puedo menos que preguntarme si su actitud responde a que no pueden soportar la idea de que los jóvenes de hoy disfruten de lo que ellos no pudieron disfrutar en su adolescencia. O tal vez olvidan que en su juventud gozaron, a su manera, de lo que hoy quieren censurar.

Regreso a mi fantasía de fusionar el rock y el reguetón. Me imagino a Fiel A La Vega lanzando un disco de “rocketón”. Visualizo un Choliseo repleto de jóvenes en éxtasis (natural y químico) mientras observan a Tito Auger en el “guayoteo” con una “guerla” en tarima mientras canta: ¡Qué melones, mami qué melones! De pronto, Ricky Laureano suelta su guitarra y saca un AK-47 (la guitarra eléctrica ya no es símbolo de poder) y la concurrencia ruge enardecida. Yo estoy a cargo de la producción del evento. Sonrío, blunt en mano, mientras me visualizo nadando en billetes de cien…¡y el perreo se apodera de mí!

CONVERSACIÓN CON EL TOPO Y TITO AUGER

2010-09-03T22:02:00.004-04:00

A principios del año 2002 me propuse juntar a dos cantautores que, aún siendo de generaciones y géneros musicales distintos, tenían sus similitudes. En un típico cafetín nos reunimos y lo que sigue es el resultado de esa conversación, publicada en el periódico de la Universidad de Puerto Rico, Diálogo.

DE TERTULIA CON EL TOPO Y TITO AUGER

Por: Edgardo Soto Torres

Antonio Cabán Vale, El Topo: poeta que decidió vestir sus versos con melodías. Cantautor de la patria, de lo humano y del amor. Tito Auger: rockero que decidió “invadir al invasor”, como planteara Juan Manuel García Passalaqua en el libro que lleva ese título y en el que propone a Fiel A La Vega como paradigma de la subversión que representa tomar los instrumentos de invasión cultural, como la música rock, y usarlos para señalar al instruso. La obra de ambos cntautores lleva como impulso primario (de forma a veces explícita, a veces implícita) la idea de afirmar la nación soberana. Cabán ya labora desde el Olimpo del artista consagrado, su lugar en la historia de nuestra canción popular ya asegurado. Auger, con su obra aún en proceso de construcción (y respaldada por la naturaleza colaborativa del entorno de banda de rock), se asoma a la posibilidad de convertirse en el más importante compositor de su generación. Animado por las confluencias y las divergencias entre estos compositores, y sin aires melodramáticos e innecesarios de pase de batón generacional (porque aún hay Topo para rato), les convoqué a una tertulia bohemia con olor a fritura de cafetín y cervezas “vestiditas de novia”.
Tito, ¿qué elementos de la obra del Topo han calado en ti?

Principalmente las letras y sus ideas melódicas. Son melodías preciosas, eso es lo primero que llama la atención, y luego las letras que tienen un estilo único. Yo empecé a oír al Topo bastante tarde porque cuando chamaco uno quería ser rockero y pues, tenía unas gríngolas musicales.

Topo, ¿qué elementos destacarías de la obra de Fiel A La Vega, y de Tito en particular como autor?

Es un trabajo con una intención cumplida, que es elaborar un sonido propio partiendo del rock, y pienso que la manera de estructurar las canciones me parecen como crónicas periodísticas o testimonios…bien cinemáticas. A mí el rock siempre me interesó porque mi generación bebió de los Beatles y otros grupos, y en mi música hay retazos de esa influencia.

Para el disco Sinfónico, Fiel A La Vega grabó “Las Manos del Campo”. ¿Por qué eligieron esa canción?

TITO: Porque es una canción preciosa, y por la historia que hay detrás de ella…Topo me dijo una vez que ese disco (Las Manos Del Campo) había sido un disco para niños…

TOPO: Bueno, esa canción en particular, porque fue inspirada por mi experiencia en Cuba. Allá tenían un plan de integración de estudios académicos con trabajos de agricultura y llevaban a los muchachos de 10 años a hacer trabajos de acuerdo con su edad, y era la manera de ellos crear al “hombre nuevo” (RÍE) que ellos buscaban. La idea era hacer un hombre integral, consciente de que la tierra donde vives es la que te alimenta y eso es la patria. De ahí surge esa canción.

TITO: ¿Y qué tú crees ahora de esa filosofía de la Revolución cubana y lo que ha resultado de eso?

TOPO: Bueno…prefigurar el futuro en las cosas humanas es difícil porque el hombre es tan variable y siempre hay elementos que se van de las manos. Resultó que la proposición de un materialismo objetivo se vuelve una utopía…hay cosas que se lograron y otras que no resultaron.

El disco Las Manos del Campo es una joya en su totalidad por los arreglos de cuerdas y la calidad de los músicos participantes…

TOPO: Ese disco refleja la intensidad de la juventud y mi inquietud de encontrar un lenguaje expresivo y hacer una melodía fresca y renovadora. Yo quería unir mi intención como poeta, que fue en lo que empecé, con la música. Algo difícil para mí porque no tengo una formación musical, pero la voluntad de lograr algo y poner el corazón son las armas que uno usa para llegar a esa meta. Y concidí con una generación de músicos que estaban saliendo del Conservatorio y venían con nuevas ideas. Lito Peña hizo cuatro arreglos y Wisón Torres Jr., que conocía bien la música criolla por la relación que tiene con el papá (Wisón Torres, del grupo Los Hispanos). Para mí, Lito es quien más conocía de la música criolla y los jóvenes que habían aprendido de él aportaron sus ideas nuevas y por eso creo que ese disco marca una nueva dirección en la música popular puertorriqueña.

TITO: Fíjate, nosotros venimos de las estructuras del rock, pero ¿de dónde tú dirías que vienes para entonces crear lo tuyo?

TOPO: Primero, yo vengo de la canción romántica puertorriqueña. Yo llevaba serenatas con tríos. Cuando llegué a la universidad me relaciono con el nuevo movimiento musical de Chile con los hermanos Parra…también estaba Atahualpa (Yupanqui), los españoles como Serrat, y eso entra cuando decido ponerle melodía a mis versos. Y como dije, algo de los Beatles también. Había que ser atrevido…la creación es un acto de atrevimiento, un acto de transgresión contra la tradición.

La poesía llegó a tener un sitial en el pueblo; según he leído, en Chile la gente común, que no estaba en el ámbito intelectual, recitaba de memoria poemas de Pablo Neruda. Hoy día, la gente se aprende un poema como Oubao Moin o Boricua en la Luna porque se ha musicalizado. ¿Ha perdido permanencia la poesía ante la canción?

TOPO: Sí. Lo que pasa es que el verso es de gente especializada, que le gusta eso. La poesía es, a veces, hermética y se necesita de una educación para crearla y apreciarla. La canción tiene el gancho de la melodía…la canción está en el aire, se recibe por el oído. Para leer poesía hay que abrir un libro (RÍE). Por eso es importante que haya comunicación entre el músico y el poeta…y si se dan ambas facetas en una persona, mejor.

A partir de líricas de ustedes, voy a presentar unos argumentos. “Traigo complejo en mi sangre / y un problema de identificación / y por dondequiera que vaya / mi alma se seguirá partiendo en dos” (Un Pueblo Durmiendo, Auger) Tengo la impresión de que la generación de independentistas de usted, Topo, se levantó imbuída de la cultura y el arte puertorriqueño y latinoamericano. Mientras que los independentistas de la generación de Tito, creció consumiendo cultura pop y arte norteamericano, y lo que plantea en esos versos es la contradicción de afirmar la patria a la vez que admiran la nación norteamericana.

TITO: Sí, y eso causa una crisis porque vivimos en dos realidades culturales…es como un pueblo o un organismo en tránsito…

TOPO: ¡Es un híbrido en proceso! Es hasta contradictorio…muchos elementos se han pasado al lado de acá. En el presente, ya este pueblo está preparado para asimilar el lenguaje de la cultura pop y entenderlo. Los versos de Tito explican esa dualidad y la fragmentación de la mente al enfrentarse a dos mundos en fusión pero aún con cierto desacuerdo en el espíritu del puertorriqueño.

TITO: Yo pienso que mientras más tiempo pasa desde la entrada de la influencia de los Estados Unidos al país, se va creando una mayor separación entre ambas tendencias culturales, la nacional y la norteamericana…

TOPO: Fíjate, algo que se me ocurre ahora…que a la vez que se da esa integración de rasgos culturales de los E.U. en los creadores de diferentes medios expresivos, hay una respuesta a eso y una parte de los creadores se mueve hacia la pureza. De ahí sale el entusiasmo por la Bomba y la Plena… porque surgen dos bandos: los que quieren armonizar esos dos mundos contrarios y los que temen la absorción completa y se van más a la pureza y a lo autóctono, de vuelta a las raíces.

TITO: Para mí generación la música –que era algo tan esencial en los ‘80- era un bombardeo norteamericano bien fuerte, con MTV, mas el Cable TV, el cine… creo que fue un bombardeo más fuerte que el que recibió la generación de Topo. Yo crecí admirando a Bruce Springsteen, y la portada de su disco (Born In The U.S.A. –1984) es una bandera norteamericana. Pero yo tomé sus valores y dije: eso es lo que yo quiero para mi país, pero alguna gente no entiende eso, que admire ciertas cosas de esa nación y artistas como Bob Dylan a la vez que me siento orgulloso de ser puertorriqueño. Uno piensa que este país también se puede levantar como esa nación.

Siguendo la discusión generacional, Tito escribió: “Y tantos que se han dado la libertad de opacarme a mí / y a mí generación” (Una Plegaria Más). En los ’60, surgió la generación de poetas de la revista Guajana, con Topo y Vicente Rodríguez Nietzsche, entre otros. En los ’70 surgieron Luis Rafael Sánchez y Edgardo Rodríguez Juliá, entre otros. Y desde los ’80 hasta mediados de los ’90 no surgió un movimiento literario joven. ¿A quiénes visualizabas como esos que opacaban a tu generación?

TITO: Era básicamente que se sentía una pérdida de fe en uno, cuando era más chamaco, y había una percepción de parte de las generaciones anteriores de que “esta gente no va pa’ ningún lao’”…y hasta cierto punto con razón, y ese verso era mi contraataque…hormonal (RIE).

TOPO: Es que había un frente de rechazo ante la propuesta musical de ustedes (como rockeros) pero ahí viene la cuestión de tener el temple para seguir como lo hicieron, porque el acto de crear es un acto de rebeldía y transgresión. Hay que arriesgarse y eso es parte del juego del arte.

“Mis redes de pescador / serán arpones y flechas / para el invasor que viola / su doncellez de azucena” (El Pescador de Culebras, Cabán Vale). Versos muy pertinentes a la situación de Vieques.

TOPO: La poesía tiene, a veces, un poder premonitorio…

¿Cómo se sienten en torno a la situación actual de la lucha viequense? Aquel consenso de la marcha multitudinaria, aquella voluntad en apariencia indivisible entre el pueblo y el gobierno, ¿terminó?

TOPO: Yo pienso que estamos en un compás de espera, un silencio…

TITO: Pero es un silencio de esos…como cuando algo se está tramando…

TOPO: Eso es lo que hay, una fermentación (RIEN). Sí, porque eso no se ha resuelto, el problema está ahí.

TITO: La herida está ahí y a la que esta gente empuje, explotará el asunto de nuevo. Pero el movimiento no se ha extinguido, la gente no se va a quitar, en especial los viequenses.

TOPO: Yo pienso que ya se han dado demasiados sacrificios como para dejar caer la lucha.

Eso en cuanto al pueblo, ¿y el Gobierno?

TOPO: El Gobierno está condicionado por unas agendas que vienen de arriba y a las que tiene que responder.

TITO: Esta no es una pelea de ellos. Se metieron en esto para ganar las elecciones, eso es claro, pero esta es una pelea del pueblo.

Topo, ¿por qué no ha hecho desobediencia civil?

TOPO: Lo hice en otros tiempos y para varias causas como la lucha universitaria y la invasión de terrenos, y muchas cosas más. Creo que he cumplido con esas tareas y me toca hacer otras cosas, pero estoy a favor de esa lucha. Ahora mi esquina de pelea es escribir.

Después de Antonia, de Domingo Vega, de Hiram Elías Griselio, de los presos políticos, de los asesinatos en el Cerro Maravilla, ¿llega a doler amar a esta patria?

TOPO: Oh sí, sí. Detrás de la opulencia material que vivimos, hay un hilo triste, de cosas que han sucedido, de muertes violentas…las cosas que pasan aquí…¡muchacho!

“Ay Patria / si yo pudiera / con mi canción liberarte” (Ay Patria, Cabán Vale). Hay un tono de impaciencia en esos versos escritos hace 30 años, ¿les frustra el poco crecimiento electoral del independentismo?

TOPO: Eso es una realidad, porque las elecciones son una evidencia matemática (del poco crecimiento). El Partido (Independentista Puertorriqueño) se ha quedado en un porciento pequeño y no ha podido generar en el pueblo el atrevimiento y la voluntad de entrega a la lucha…eso molesta.

TITO: Eso es síntoma de un mal mayor que es la ignorancia de nuestra historia y el desconocimiento del proceso de cómo crear un país.

TOPO: Hay ignorancia pero también complicidad, cobardía y muchas cosas más. Es en el trabajo y en el esfuerzo donde el hombre se crece, pero el sistema este de hacerle las cosas fáciles a la gente, con beneficios económicos, es una forma de esclavitud. Porque, ¿cómo convences a alguien de cambiar su bienestar por algo que le dicen que se va a dar…y si no se da? Y pues, la gente se conforma con lo que tiene.

TITO: La mejor forma de parar el crecimiento de un país (hacia su independencia) es a billetazo limpio, porque cuando los países se rebelan es cuando están contra la pared.

¿Será que el PIP no ha sabido articular de forma sencilla y práctica sus postulados?

TITO: Mirándolo de forma objetiva, si los líderes de ese partido trabajaran para la empresa privada, los hubieran botado hace rato.

¿Es necesaria la vida bohemia, con todo lo que ello implica, para arrimar las musas?

TITO: Sí…

TOPO: En las juergas se pueden dar cosas sugestivas y que den ideas… pero…uno se jode mucho (RISAS). Hay que tener cuidado que no te perjudique el cerebro.

¿De dónde vendrá esa obsesión tan nuestra de hacer de los artistas, en particular los cantantes de moda, ejemplos de conducta moral para la juventud? ¿No se supone que sean los maestros, los padres y los líderes religiosos los dichosos “ejemplos” y no los artistas?

TITO: Yo tengo una teoría. Pienso que nuestra cultura es joven aún, y en ese sentido no ha crecido al nivel de aceptar su lado oscuro como parte de esta, y tendemos a esconder esas cosas del ojo público. No hemos llegado a una madurez en la cual nos aceptemos tal como somos. Esas cositas se esconden del ojo público y se da la apariencia de que todo es peaches and cream. Puede que me equivoque, pero esa es mi teoría.

¿Podrían adelantar la dirección que tomarán sus próximos trabajos discográficos?

TOPO: Estoy trabajando en algo, y Adeán (Cabán, hijo) está de productor…

ADEÁN: Por ahora se perfila como un disco de ocho temas, el título del disco es “Tengo la Inmensidad”, y vas a encontrar desde un Blues-Jazz a Vieques, una Plena con toque de Funk, hay Bomba, hay Guaracha y Bolero. Y los temas son de la autoría de papi, de Ali Tapia y otros compañeros jóvenes.

TOPO: Hay que buscar la fuerza de la juventud porque ellos son los que van a seguir pateando la bola por ahí pa’bajo.

¿Y de Fiel, qué podemos esperar?

TITO: En este disco, más que nunca, estamos trabajando en la idea de unir la música de nuestro folclor con el rock…viendo a dónde se puede llevar esa fusión.

RESEÑA DE "LA DULZURA", LO NUEVO DE CULTURA PROFÉTICA

2010-09-02T11:11:00.005-04:00

Luego de cinco años sin un disco de material inédito, el grupo Cultura Profética lanza “La Dulzura”. Grabado entre el año 2007 al 2010, entre Puerto Rico y Argentina, el disco nos presenta al nuevo integrante, el tecladista Juan Carlos Sulsona (y aunque no aparece en fotos, también se incorpora al grupo Egui Santiago, ex tecladista de Circo).

“Rimas Pa’ Seducir” sienta la pauta del disco, líricamente, con Willy Rodríguez cantando: Eso que he dicho en el trayecto aún sigue siendo el ideal…pero…En esto días busco amor, pensar en cosas que me hagan reír. Así, el cantautor se lanza en una exploración del amor como nunca antes en su discografía. Por lo general, las canciones se enfocan en la etapa del enchule en una relación. Willy no es un Pablo Neruda, y sus letras no exploran las complejidades del amor (pienso en el disco Tunnel Of Love, de Bruce Springsteen, Plans de Death Cab For Cutie, o el debut de The Magic Numbers) pero al menos logra evitar los clichés empalagosos, expresando con honestidad y ternura sus sentimientos. En “Ilegal” y “En la oscuridad”, se zumba a las aguas profundas de la sensualidad y el erotismo con efectividad. "La Dulzura" es el equivalente en clave de Reggae latinoamericano al "Let's Get It On" de Marvin Gaye. “Baja la tensión” y “Del tope al fondo” se asoman al desamor. “Amante Luz”( de la autoría de Rodolfo Barreras) es una canción de amor a Puerto Rico, en voz de Boris Bilbraut, mientras “Somos Muchos” (de la autoría de Aurelio Lima) y “Verso Terso”, retoman el comentario social acostumbrado por la banda.

El festín principal se encuentra, sin embargo, en la música. “Para Estar” y “En la oscuridad” tienen elementos de R&B y Soul, mientras “Del tope al fondo" inicia con unos compases tangueros y el sonido melancólico del bandoneón. “Rimas Pa’ Seducir” y “La Espera” son temas mayormente acústicos, mientras “Me Faltabas Tú” sorprende con unos compases de bolero, dado que se trata de un clásico del bolerista Tito Rodríguez, para luego continuar en un tono R&B. Los arreglos de vientos, cuerdas y arpa son muy acertados. En fin, para los que no estamos en el “enchule”, fácilmente podemos disfrutar del disco por su fina musicalidad. Con “La Dulzura”, Cultura Profética mantiene su estatus como uno de los mejores grupos de reggae/fusión de Latinoamérica, mientras sale de la camisa de fuerza del comentario social, presentando su disco más accessible y comercial hasta el momento, uno que podría ampliar su base de seguidores.

DUELO VERBAL ENTRE FOFÉ Y YO

2010-08-31T13:24:00.004-04:00

Aquí una entrevista con uno de los artistas más interesantes y talentosos del rock en Puerto Rico. Disfruté mucho la misma, pues no siempre se tiene un sujeto tan articulado de frente, y sé que Fofé también la disfrutó, a juzgar por las carcajadas que compartimos aún después de terminada la entrevista. Si mal no recuerdo esta conversación tuvo lugar en el 2001 . En la foto, Fofé y yo en el canal de TV Much Music, en Buenos Aires, Argentina.

FOFÉ: UN PERSONAJE ATRAPADO ENTRE ROBERT SMITH Y SIGMUND FREUD
Por: Edgardo Soto Torres

Sesión: 1:30 A.M.
Paciente: José Luis Abreu (Fofé)
Diagnóstico: Curado de circosis severa

Me reúno con Fofé en el Nuyorican Café del Viejo San Juan, pasadas las 11:30 de la noche. Luego de un poco de bohemia, alcohol, un moto furtivo en el Callejón de la Capilla y un aguacero que nos empapó, terminamos sentados en las escalinatas de la Capilla San José en busca de silencio y tranquilidad. Desde sus tiempos con El Manjar de los Dioses, Fofé ha ganado fama de controvertible e iconoclasta por su carisma y proyección escénica. Un individuo cuya sala de casa estaba adornada por dos fotos enmarcadas de Sigmund Freud y Robert Smith, debía propiciar conversaciones interesantes.

Pasada la una de la madrugada, comenzamos el interrogatorio, que asemejó más un duelo de esgrima. Fofé es un artífice de las palabras y sabe manejar estas situaciones de entrevista (tiene una maestría en sicología y fue corresponsal de la revista californiana La Banda Elástica). Mi misión era sencilla: hacerle las preguntas que nadie le ha hecho.

Tus líricas en este disco son abundantes en imágenes marinas: estrellas de mar, sirenas, caracoles, almejas…hay todo un universo submarino en las letras. ¿De dónde proviene esta fijación con el mar?

No sé si tiene que ver con el hecho de que viví en Ocean Park, cerca de la playa, o porque crecí cerca de la playa por ser de Isabela, pero empezé a “tripiar” con los símbolos poéticos y metafóricos de toda la sexualidad que proyecta el mar y su infinidad. Cuando yo escribo canciones me voy en unos viajes de inspiración instantáneos que no puedo controlar porque son cosas que vienen a mi mente de acuerdo a las experiencias que estoy viviendo en el momento y cómo las proceso. Y al escribir me gusta plasmar sentimientos, emociones y sensaciones que provoquen una reacción en otras personas, sea de agrado o de disgusto, pero cada cual le da una interpretación particular de acuerdo a sus vivencias y a sus deseos reprimidos…y a los no reprimidos también.

En la sicología, dentro del área de interpretación de sueños, el mar simboliza el subconsciente…

Pues mira, felicidades…(Risas)…por esa interpretación. Puede haber cosas del subconsciente porque el arte siempre tiene manifestaciones del insconsciente que tratamos de explicar de alguna manera, o si eres como yo, no tratas de explicarlo y simplemente lo plasmas y lo dejas salir como un proceso de madurez. Son ideas que a veces hasta le quitan el sueño a uno.

¿Tienes influencias literarias?

No sé si tengo influencias literarias…bueno, hay una influencia en la canción “Perfume”, que está inspirada en la novela “El Perfume”, de Patrick Süskind y que leí hace muchísimo tiempo. Más que autores individuales me imfluencia la literatura en general que trabaja con las imágenes metafóricas.

En tus líricas exploras sentimientos de amor y erotismo en un discurso un tanto ajeno a la forma en que, tradicionalmente, los compositores puertorriqueños lo han hecho antes. ¿Crees que este país está preparado para aceptar lo que propones en tus letras?

Pues…(pausa)…cualquier respuesta podría ser un insulto al país si de momento me da con decir que no, porque sé que muchas personas piensan que el país…que la isla no está preparada…pero realmente están preparados porque todo el mundo quiere, odia, siente envidia, amor, deseo y todo eso. Tal vez, a las personas que les choca el asunto es porque no han adquirido las experiencias necesarias para canalizar su reacción de forma positiva. Pero es bastante lite…(risas). Acuérdate que no todo lo que es pop, es bueno.

Y no todo lo que es alternativo es bueno…

(Risas) Bueno, hay de todo en la viña del Señor…

¿Te interesa proyectar y promulgar una sexualidad que rompe esquemas tradicionales?

(Breve silencio) Ni sí, ni no. Que cada cual lo interprete o lo registre como desee. A mí me mata, me alegra, me emociona, cuando se generan controversias en torno a ese tema de la sexualidad porque realmente no todas las canciones que escribo están orientadas en erotismo y sexualidad, aunque sí lo tienen. Porque hay que recordar que Sigmund Freud dijo en el siglo 19 que toda la cabronería de la personalidad y la conducta humana estaba basada en las represiones sexuales…y es probable que me haya influenciado esa idea en mis estudios de sicología, y Carl Jung con el concepto del inconsciente mezclándolo con lo espiritual…pero no trato de promulgar ningún tipo de sexualidad o conducta, simplemente se trata de expresar sensaciones e ideas que hacen cuestionar maneras de ver, no sólo la sexualidad, sino el mundo en general.

Noté que escribiste la música de dos canciones del disco, ¿tocas algún instrumento?

No. Hago melodías centrales de algunas de las canciones. Traigo una melodía y los muchachos la trabajan con sus instrumentos.

Tus melodías vocales son excepcionales, ¿son todas tuyas?

Sí, de igual forma que lo hacía con El Manjar. Carlos (Díaz, bajista y compositor de El Manjar) traía la base pero yo tenía la libertad de crear las melodías.

¿Por qué Circo crea pasiones tan extremas: o les adoran o les detestan?

Debe ser porque no todo lo que es pop es bueno…(ríe).

(Riendo) ¿Pero no quieres abundar en eso?

Pues nada…allá cada cual…realmente no sé.

Pero dados tus conocimientos de la conducta humana, ¿qué crees que pasa en las mentes de esas personas que les han atacado tirando objetos al escenario?

No sabría qué decirte porque no quiero comprometerme ni insultar a nadie, ¿entiendes? Lo importante para mí es que genera una reacción, y el día que pase desapercibido me retiraré del ambiente porque cuando uno se mete en esto es para jugar en serio, no estamos para jugar de embuste. Circo hace una propuesta profesional y pues, hay gente que, enmarcadas en un pensamiento colectivo-social de minimalismo y conformismo, se ofenden cuando ven algo que es de aquí pero es diferente. Que no negamos ser boricuas aunque de momento parezca una banda europea o de un calibre internacional como las que esas mismas personas que nos critican, admiran. Pero es cuestión de que están procesando el primer impacto, como cuando comenzamos con El Manjar. Y bueno, Magdalena recibió pedradas y comoquiera tuvo el orgasmo con Cristo y tiene un lugar en el Reino de los Cielos.

Quienes reaccionan de forma negativa, ¿están malinterpretando lo que ustedes proyectan, o entienden lo que proyectan pero lo rechazan?

Estoy clarísimo de que lo están interpretando, pero dentro de sus esquemas y represiones emocionales, que no les permite disfrutar la belleza, la libertad, y todas esas emociones mágicas y espirituales que hay detrás de estas canciones. Pero tengo la esperanza de que ese cuadrado en el que viven se quebró esa primera vez que nos vieron, y tengo fe que luego disfrutarán la música.

En la canción El Beso, cantas: Bésame a mí / bésalo a él / besa al otro / y besa a aquel…¿estás describiendo una orgía?

¿Qué tú pensaste que estaba describiendo?

Mira el cuadro: estás diciéndole a alguien, que no se sabe si es hombre o mujer, que te bese a ti y a otros tres hombres, ¿qué quieres que piense?

“El”…es Dios. Me encanta la reacción que tiene la gente a esa canción. Para las féminas es una canción sumamente erótica, y tiene una recepción muy buena. Es una canción de seducción bien fuerte…

Yo no puedo decir los secretos que hay detrás de cada canción porque daño las fantasías de cada cual, y recuerda que mi misión aquí es dar rienda suelta a las fantasías de cada persona. Hay quienes se enfrentan a sus propios demonios cuando escuchan la canción y se ofenden, se asustan de ellos mismos. Porque no hay cosa que te infunda más temor que las barbaridades, el oscurantismo y las represiones que tengas de ti mismo.

Pero hay otras personas que alucinan, vuelan en cantos y tienen hasta orgasmos (oyendo la canción) porque son detallitos que nos han contado las mismas muchachas. Y hay otras interpretaciones más allá de la sexualidad. Otros amigos han interpretado esa canción como un compartir espiritual distinto (simula gesto de fumar marihuana). O sea, que “bésame a mí, bésalo a él” es pasarse la pipa de la paz entre ellos. Hay diferentes intepretaciones. También puede ser amor universal…estoy hablando de la paz estre las personas…tiene elementos religiosos…pero ya tú sabes: “el ladrón juzga por su condición”. (Sonríe)

Circosis…psicosis…buen juego de palabras.

Ese título me lo regaló Eduardo Alegría, del grupo Superaquello, cuando supo que el grupo se llamaba Circo. Se lo agradezco. Eduardo es tan libre en su arte…al igual que yo porque no le temo a nada y estoy muy seguro de mi manera de ser y mis talentos, y sé que hablo hasta disparates pero la gente se los goza.

¿Y ese verso de Circosis que dice: Vibra y vive de una vez / Es bueno ser al revés?

(Breve silencio) Pues, es como tú…Tú eres escritor. Quién sabe el círculo donde tú estuviste…bueno, yo tengo muchos amigos escritores…

(Riendo) La técnica del sicólogo: me tiras el tema palante…

(A la defensiva) No, no, ¿por qué estoy tirando palante? ¿Hay algo que debo estar bateando aquí?

No, pero digo…ese verso me causa curiosidad. ¿Cómo lo puedo interpretar?

(Cantando) Vibra y vive de una vez…es bueno ser al revés…

Por ejemplo, si soy cristiano, ¿qué es ser al revés? Ser ateo…

(Fofé ríe)

Si soy…

(Riendo) Yo no soy Dios…

¿Qué es ser al revés?

Es que eso es lo que quiero, que la gente se pregunte qué es ser al revés, y sean. (Reímos) Si contestara esa pregunta literalmente, le dañaría a las demás personas su interpretación. Pero, para darle felicidad a tu curiosidad, Circosis está inspirada en el ambiente bohemio en el que yo “jangueo”, de danza, literatura, músicos, estos personajes nuevos que llegan a la banda: Nico, con 21 añitos, que se tira de cabeza con nosotros. Orlando que ha “rejendido” con bandas de covers por la isla como todos lo hemos hecho. Los artistas pueden interpretar esta canción de una forma más clara que quienes se han incorporado a la vida cotidiana y normal, que tanta falta hacen para que la economía del país fluya, pero los artistas recibimos presiones sociales para dejar el arte a cambio de una “carrera normal”. A tí te pueden haber dicho: “no escribas que eso no deja chavos”…

Es verdad, no los deja…

Pero ese es tu talento, y al ser escritor eres al revés porque resistes esas presiones. Ser al revés es seguir adelante con cualquier versión alternativa de la vida. Circosis es la psicosis que hay en la mente de la gente cuando tienen preguntas sin respuestas, o con respuestas silentes que no se atreven a aceptar. Es una invitación a ser quien tú quieras ser. Como mi papá. Él quería ser médico, pero su papá quería que fuera farmacéutico. Pues estudió farmacia, y luego de graduarse, cuando ya yo había nacido, se metió a estudiar medicina y le va muy bien como médico. Yo, por las presiones sociales estudié sicología industrial, pero mi vocación es ser cantante y siendo así soy feliz.

¿Cómo bregó tu familia con tu vocación de cantante?

Pues muy bien. Mi papá es médico, mi mamá es maestra y respetan que haga lo que me hace feliz. Ellos fueron felices con el bachillerato y la maestría que les enseñé como un regalo, y más felices se sienten con estos atrevimientos míos que los hijos de sus amigos, del círculo en el que me crié, no se atreven a hacer. Después de la ruptura con Manjar de los Dioses, mi papá me dijo que sabía que yo iba a tomar una buena decisión y hasta se le saltaron las lágrimas cuando nos vio en el primer show de Circo en Isabela.

Entre palos de whisky me dijo: “estoy orgulloso de ti porque no me quise meter en nada de eso (de la ruptura con Manjar) para que lo procesaras solo y sé que tomaste las decisiones correctas”. Me imagino que este cuento algo tiene que ver con la pregunta.

¿Por qué escogieron hacer una versión de Historia de un Amor?

Gustavo Menéndez, del sello Radio Vox, nos pidió que hiciéramos algún
clásico de la canción con el firme propósito de presentar algo más accesible para la gente. (Se realizó un video de esa canción para lanzarla en el mercado latino de Estados Unidos). Es la verdad, lo hicimos para vender, no lo niego. En esta etapa de mi vida ya…me he arrastrao por el piso…yo he hecho todo, las barbarida…(se interrumpe a sí mismo) no todo en la vida, pero he cantado canciones que nadie oye, he recibido gaznatás y todo. Así que sacamos un disco de boleros del ayer y nos decidimos por esta, porque es bien bohemia.

En Ódiame hablas de “una pasión que traiciona tus esquemas”…me imagino que no quieres explicar ese verso tampoco para no arruinarle la interpretación al público…

Exactamente, sigue palante…(Silencio) Nada, es seguir lo que te apasiona, la pintura, la música, sin que te importen los esquemas de la sociedad. Tal vez oíste una canción bien heavy que la sentiste en las vísceras, en la “v” de tu pelvis, porque tú sabes que muchas de las pasiones uno las siente en las áreas eróticas del cuerpo, es la verdad. ¿Por qué tú crees que existe una obra que se llama El Éxtasis de Santa Teresa? El éxtasis fue un orgasmo espiritual, ¿pero de dónde viene el orgasmo? De la “v” de tu pelvis (hace sonido de beso a la grabadora).

Mira, yo no soy nadie para decirle a la gente cómo vivir, pero tengo un talento que Dios me dio que me permite plasmar ideas y emociones que provocan reacciones, ya sean positivas o negativas, y cuestionamientos, como todo lo que me has preguntado, y mi aportación al desarrollo social y espiritual de todo el mundo es que les proveo con unas imágenes que, entiendo yo, nos ayudan a crecer y a evolucionar en esta vida o en las que nos quedan por vivir.

¿Cómo es tu manera de creer en Dios?

Pues, bien alternativa. Me crié en colegios católicos pero con todo lo que uno lee y vive va formando su creencia. Mi relación con Dios es bien “tripiosa” y El y yo nos la gozamos.

¿Tienes ideal político?

Por supuesto que tengo mis ideas, este…(ríe) si mis ideas van a influenciar mucho en la gente y van a crear alguna…(no completa la frase) pues, no digo na’. Admiro el trabajo que hizo Norma Burgos al irse a todas por su ideal, ya sea la verdadera paz de Vieques o sus intereses de candidatura. ¿Tú ves de lo que estoy hablando, de que no hay cosas buenas ni malas? Yo podría decir que la admiro por su entrega, o que es una oportunista. Todo es del color que tú lo veas. Lo importante es la libertad de todos y que Dios bendiga a cada cual con su circunstancia particular.

Hasta ahí llegó nuestra conversación en San Juan. Como resultado del aguacero que nos empapó esa noche, los papeles donde tenía escritas mis preguntas se mojó y no pude leer algunas de ellas. Al buscar en la memoria de mi computadora, encontré la lista de preguntas y me dí cuenta que dejé dos que tenía que hacer para terminar la entrevista. Muy cortésmente, Fofé las contestó la noche siguiente en una reunión de despedida a la banda, que partía a Miami el lunes siguiente.

Carlos Díaz, bajista de Manjar, me dijo para una entrevista, que tu show con ellos era, y cito, “de corte gay”. ¿Qué piensas de esa apreciación?

Pues, que me alegro que tenga una opinión. No sé en qué sentido lo dijo, si se refería a gay en el sentido de alegre, o si lo dijo en un sentido despectivo insinuando que era de la onda homosexual…

Sí, en esa onda…

No sé en cuál de esas dos maneras lo comentó, pero es su opinión y se la respeto. Yo entiendo que no era un espectáculo de tendencia homosexual, simplemente era un espectáculo en todo el sentido de la palabra, donde había mucho elemento histriónico, de fantasía, algunas veces de erotismo y de mucha creatividad. Contrario a lo que él (Carlos) y otras personas quieran pensar, el espectáculo fue uno de los elementos más importantes en la historia de El Manjar de los Dioses. Por eso recuerdan al Manjar original. Además de ser cantante, tú sabes que hago performance experimental y he viajado a Europa con el ballet Andanza y esas cosas.

¿De quién tomas influencias para tu proyección escénica? En términos del rock, tu onda es como la de Bowie y Freddie Mercury…

Sí, las personas con las que me comparo son artistas impactantes y seguros de sí mismos. Uno de ellos es David Bowie, genial. Igual está una persona como Robert Smith de The Cure, quien es introvertido pero su apariencia física tiene un carisma muy particular. También Siouxie and the Banshees. Freddie Mercury es otro personaje completamente histriónico, y aunque era de una orientación homosexual declarada, se respeta su arte porque despertaba emociones fuertes en la gente. De eso se trata estar en un escenario, no estamos para jugar al artista, yo tengo un compromiso de llevar un espectáculo completo y que me perciban como un ente que irradia una energía y unas emociones particulares, más que como el ser humano que realmente soy. En la tarima uno existe para crear fantasías.

Entonces tú separas a Fofé, el de la tarima, de José Luis Abreu, la persona que sale a la calle…

Bueno, tú me conoces…es la misma persona lo único que en la tarima se amplifica.

Finalmente, a todas esas personas que están obsesionadas con saber, o creer que saben, tu orientación sexual, ¿qué les dirías?

(Ríe) Pues…que mi orientación sexual no es un secreto. Soy un ser humano, no un extraterrestre, que tengo orgasmos y eyaculo como todo el mundo…(Risas) y disfruto de los placeres sexuales como los disfruta todo el mundo…realmente no tengo nada que decir, me resulta cómica la pregunta, pero no quiero ofender ni al sector gay ni al heterosexual, porque la orientación sexual de la gente no es una enfermedad venérea a la que tienen que huirle y yo respeto a todo el mundo.

Así que para todos aquellos que tienen sus fantasías particulares sobre mi orientación sexual, síganlas teniendo y espero que sean felices en su mundo de fantasía. (Risas)

MI PRIMERA VEZ

2010-08-29T10:38:00.002-04:00

Siempre hay una primera vez. Aunque inolvidable, no suele ser la mejor. Con la práctica uno mejora. La primera vez que me publicaron algo, fue en el periódico de la Universidad de Puerto Rico, Diálogo, allá para el 1996. En ese entonces no existían los blogs, así que la única manera de ser leído públicamente era en la sección de cartas de los lectores de los periódicos (donde hice mis pininos) o, con suerte y algo de talento, en una columna de opinión. Gracias al editor Luis "Peri" Coss por darme el espacio en un periódico de excelencia, que tristemente ahora se encuentra casi en sus estertores finales. Ah, esta columna la escribí sin que aún me pasara por la mente incursionar en el periodismo, aunque lo esbozado en el mismo sería parte de la filosofía que dirigiera mi carrera. ¡Que disfruten!

ENTRE ARTISTAS Y FARÁNDULA
Por: Edgardo Soto Torres

Recientemente, mientras leía el periódico, me encontré con una frase que causa en mí el mismo efecto de uñas rozando la superficie de una pizarra. Una periodista, en medio de un artículo sobre Shakira, declaró que esta era “un buen ejemplo para la juventud”. Como si eso le diera alguna esperanza al chamaco que no terminó la escuela o a la adolescente embarazada. Dicha frase, además de ser uno de los clichés más grandes (el #1 en mi lista es: “fulanito(a) pone el nombre de Puerto Rico en alto”), representa una forma muy particular de ver la función del artista y su aportación a la sociedad en el contexto puertorriqueño.

No dudo (Dios me libre) de la buena intención de quienes elogian a un artista declarándole “ejemplo para la juventud”. Ya que un gran porciento de los políticos, funcionarios públicos, deportistas, padres, y hasta algunos abuelos, han fallado en proveernos a los jóvenes héroes morales y modelos a seguir, se recurre a los artistas más “pegaos” y con vidas privadas supuestamente intachables, como ejemplos para la juventud. Pero, ¿es ese realmente el rol de un artista? Esa es la médula de esta humilde reflexión, o dicho en español boricua, el meollo del asunto.

Ese papel de ejemplo para la juventud, que muchas veces el artista no busca pero ingenuamente acepta, da pie al síndrome de la apropiación de la vida privada del artista por parte de su público. Es una relación enfermiza entre artista y fanático, basado en el principio filosófico del “monkey see, monkey do”: es decir, se parte de la premisa de que si el artista se porta bien, sus seguidores también lo harán. En mi opinión, el artista sólo tiene una responsabilidad, y es única y exclusivamente con su arte. Y por artista me refiero a cantantes, músicos, pintores, escritores y un largo ectétera que podría incluir hasta a los trapecistas de circo.

Cuando le endilgan a un joven artista que apenas comienza a vivir el título de “ejemplo para la juventud”, a mi mente viene la imagen de un pájaro al que se le encierra en una jaula, o peor aún, al que se le cortan las alas. Como Chayanne (¿se acuerdan de él? Sí, el héroe de Puerto Rico antes de que Ricky Martin le comiera los dulces). Por años Chayanne proyectó una imagen de niño “casto y puro”, implicando que era virgen siendo ya un manganzón de veintipico de años, hasta que su manejador se dio cuenta de que sus fanáticas originales estaban creciendo, y las nuevas chiquillas tenían sus ojos puesto en el “teen idol” del momento. Solución: dejarse crecer unos pelos en la cara y decir de forma esquiva, que había perdido su virginidad en su temprana adolescencia. Es más, hace un par de años, ya casado y con hijos, se ganó la portada de una revista de farándula explicando que había estado con dos chicas a la vez. ¡Ingenuos los que le creyeron el cuento de la “castidad” con tantas fanáticas disponibles y dispuestas!

Bien, si el rol de los artistas es servir de ejemplo para la juventud, sigamos estos ejemplos: Daniel Santos, Gilberto Monroig, Ismael Rivera, Héctor Lavoe. Y para las muchachas tenemos a Sylvia Rexach y a Julia De Burgos. ¡Dios libre que sigamos esos ejemplos!, gritarían aquellos que tienen la edad para saber las locuras de estos grandes artistas que tuvieron en común la adicción al alcohol y/o a las drogas. Y de sus vidas románticas, ¿qué podemos decir? Digamos que en esos tiempos no existía el Sida, por lo que disfrutaron de la más libre y despreocupada promiscuidad. Pero de tanto amor y dolor que entregaron y causaron en sus vidas privadas, se alimentaba el artista (¿o qué pensaron, que se sentaban bajo un frondoso flamboyán a esperar que la musa les inspirara?) Y es que amor y dolor es la savia que brota de quien crea Arte, así, con mayúscula. No nos dejemos engañar por el mercadeo. Ser artista no es tener una cara linda y sentarse a escoger o escribir canciones que sean populares en los quinceañeros.

“El verdadero artista no esconde, al contrario, revela y desnuda su alma”, dijo Bono, de U2, al hablar sobre el arte de componer canciones. Pienso en Daniel Santos escribiendo El Preso dentro de la celda que le asignaron en Cuba; pienso en el poeta francés Arthur Rimbaud, quien buscaba la perturbación mental a través de diversas sustancias químicas para llegar donde ningún otro poeta había llegado; pienso en Jim Morrison experimentando con alucinógenos.

¿Quiere decir esto que para ser artista se debe llevar una vida de excesos que culmine en la autodestrucción? A juzgar por la trayectoria de algunos, podríamos decir que sí. Pero no hemos de aplaudir el estilo de vida, sino que del caos en que eligieron vivir, lograron extraer una valiosa obra artística. Y como toda moneda, el asunto tiene dos caras. Pienso ahora en Glenn Monroig, excelente compositor que no ha tenido problemas de adicción ni escándalos amorosos, pero que tuvo el valor de plasmar en canción su experiencia como hijo de un padre adicto a la heroína. Escogió revelar, no ocultar, y ahí está la diferencia entre una “estrella de la farándula” y un artista.

No es casualidad que la palabra farándula signifique, según el diccionario: profesión del farsante, lo cual lleva a farsa, refiriéndose a una obra de comedia. Otro significado de la palabra farsante es: embaucador. Y eso sucede en nuestro ambiente farandulero. Nos venden unos artistas intachables, “clean cut”, planchaditos y almidonados. Prefiero a un Robi Draco Rosa, quien nos ha llevado en su viaje de experimentación y búsqueda interior (que me preocupa dónde vaya a terminar guiado por Angelo Medina, pero eso es tema para otra columna) a uno de los cantantes prefabricados de Operación Triunfo, quienes no dudo pronto sean declarados ejemplos para la juventud. Yo, que soy tan mal pensado, sospecho que la verdadera razón por la cual Ricky Martin vive fuera del país es poder vivir libremente.

Último ejemplo: Pablo Picasso y Antonio Martorell. El primero, destructivo y atormentado, el segundo, alegre y encantador. Caminos distintos hacia un mismo fin: el Arte. Dejemos que los artistas vivan, caigan y se levanten para que nos cuenten el proceso a través de su obra. No impongamos la camisa de fuerza de la cordura, a la divina locura necesaria para crear. Después de todo, los pájaros existen para volar.

CIRCO Y SUS AÑOS DE MAROMAS

2010-08-28T11:17:00.003-04:00

He aquí un escrito extenso (armado a partir de diversos artículos y una actualización) trazando la trayectoria del grupo de rock alternativo Circo. Han sido muchas las "maromas" musicales que la banda ha realizado para mantener el equilibrio entre las expectativas comerciales y su ambición artística, tanto en la ruta independiente, como a su paso por dos disqueras multinacionales. ¿El resultado? Una brillante carrera con proyección internacional que les convierte en uno de los grupos puertorriqueños de rock más emblemáticos de la pasada década

CIRCO
SI LOS ODIAS, ES QUE LOS DEBES QUERER
Por: Edgardo Soto Torres

La carrera de Circo no comenzó con buenos augurios. El grupo surge de la crisis instigada por el despido de Fofé de El Manjar de los Dioses, en diciembre del mítico año 2000. Junto con él, salen David Pérez (batería) y Edgardo (Egui) Santiado (teclados). Para febrero 2001 ya se habían unido a ellos Nicolás “Nico” Cordero (bajo) y Orlando Méndez (guitarra). Tan pronto salieron a tocar, tuvieron que lidiar con algunas situaciones desagradables en los eventos Planetarium Rockfest y San Juan Rockfest, donde les lanzaron objetos y uno de ellos, David, fue levemente herido en la frente. Pero Fofé siempre vio esto como “gajes del oficio”, algo que es “parte del rocanrol”. Tal vez la mejor respuesta a esta situación está en un verso del primer sencillo del grupo, “Odiame”: Si me odias, es que me debes querer / pues sólo se odia lo querido". Dos nominaciones al Grammy Latino por su primer disco, "No todo lo que es pop es bueno", producido de forma independiente, y giras internacionales reivindicaron la propuesta circense ante los escépticos.

La música de Circo es nocturna. Se aprecia mejor en el claroscuro de un Nuyorican Café o bajo las luces glamorosas de un Coliseo. Son dinámicos en tarima. Cordero, por ejemplo, no es el típico bajista estático, se pasea por el escenario y suele hacer comentarios a Orlando, a David (bien cool con sus gafas de agente del NIE), y a Egui (con su mohawk verde) en medio de las canciones. Orlando también se tira sus poses en tarima (y unas cuantas miradas pícaras a las chicas que divisa). Las sonrisas son frecuentes entre ellos. Hay buena química.

Pero es Fofé el dueño y señor de la tarima, ya sea en un cafetín bohemio de San Juan, como en un estadio de Argentina. Es un egresado de la escuela de grandes “entertainers” como Freddy Mercury y David Bowie. De voz potente como Mercury, con un alto sentido de la moda al vestir, como Bowie, mas la teatralidad de sus gestos y sus comentarios libidinosos invitando al público a explorar la lujuria, Fofé tiene carisma suficiente para echarse al bolsillo multitudes de estadio.

Se respiraba un ambiente de armonía entre los integrantes de Circo, allá para el 2001. Nicolás “Nico” Cordero, de mirada lánguida, y Orlando, cuyo rostro parece sacado del molde de Ricky Martin, eran los comediantes del grupo. Fofé comentaba la libertad creativa que disfrutaba en Circo. Incluso le agradaba el hecho de que Nico tenía su carisma en escena. De hecho, son Nico y Orlando los que llevan la imagen de“sex symbols” más tradicionales de la banda. Mientras en Nico luce más natural, es Orlando quien cultiva más su imagen con sus cremas para la piel, elaborando su peinado por lo que parece una eternidad frente al espejo (proceso que presencié en Buenos Aires y nombré: Behind The Mohawk) y seleccionando juiciosamente las combinaciones de ropa. Es un ejemplar de vanidad masculina: ¡todo un metrosexual!

Durante el curso de un año es usual que los muchachos cambien su imagen. Fofé y Egui, han alterado varias veces sus peinados con cortes de pelo estrambóticos. Fofé asumió la calvicie con creatividad: en ocasiones lució dos mechones de pelo color fuscha; recientemente optó por un rapado completo para lucir un dragón tatuado en el hemisferio izquierdo de su testa. Egui es un caso aparte. Lo que adolece en belleza clásica, lo compensa con su aura distante y misteriosa. Para mi sorpresa resulta un gran conversador. Fofé y Egui apelan a groupies de gustos más exóticos. David es una anomalía en el rocanrol. Keith Moon y John Bonham crearon el estereotipo del baterista que, no conforme con dedicarse a golpear tambores, necesita descargar su furia salvaje destrozando cuartos de hotel, drogándose, bebiendo y peleando como un vaquero del viejo oeste norteamericano. David es de carácter tranquilo, más cercano a un maestro de yoga, no fuma ni bebe, pero igual “rejiende” y se amanece como el que más.

TRASFONDO E INFLUENCIAS

Nico se crió escuchando salsa, “hace poco vino a saber lo que era Pink Floyd”, explicaba Fofé. Anteriormente tocó en Bayanga, una banda de corte más brasileño y percusivo, así que con Circo es que comienza a meterle el diente al rock. Orlando es todo lo contrario, se crió con el rock y recién comienza a escuchar salsa. Egui tiene un trasfondo de música clásica y ha tocado con una variedad de artistas, desde Vivanativa y El Manjar de los Dioses, a cantantes pop como Ednita Nazario y proyectos experimentales del underground alternativo. David es graduado del Conservatorio de Música de Puerto Rico y manifestaba casi no escuchar rock: “estoy más en la onda lounge, la salsa y música experimental”. Y Fofé siempre anda tras la búsqueda de inspiración en la música étnica de diversas culturas, entre otros géneros. De esta combinación tan disímil de gustos musicales, surgió Circo.

Las canciones de Circo fueron trabajadas por Egui y Orlando, a veces a partir de las melodías que traía Fofé. Como señala Nico, en Circo “la guitarra es como un segundo teclado”. Entonces, bajista y baterista buscaban el groove ideal para la canción. El repertorio del primer disco nació de un proceso intenso de mes y medio de composición e integración de la banda a la vez, con dos meses de grabación, en sesiones de 11 de la mañana a 2 ó 3 de la madrugada, “a veces nos pedían que nos quedáramos a dormir en el estudio”, añade Egui. El disco es sónicamente denso, con detalles que se escuchan mejor “mientras más se oye, y con el volumen bajito. Tiene hasta elementos de la musicoterapia sicológica”, aseguraba Fofé. “Son detalles que no puedes percibir auditivamente, pero los sientes…son elementos del inconsciente”.

En los discos de Circo, la voz de Fofé es más sutil, sin aquella prodigiosa gimnasia vocal de sus grabaciones con El Manjar de los Dioses. Hacia esa mesura le llevó Marteen, productor del primer disco. Orlando destaca la ventaja de trabajar con Fofé: “al fin me encuentro un cantante al que no hay que decirle: chico, tienes que mejorar las melodías”. Orlando formó parte de la banda Dosis, cuyo cantante fue David Meléndez, quien sustituyó a Fofé para el disco "Aromas" de El Manjar de los Dioses. Reducidas a su esencia acústica, sin los efectos y programaciones de la grabación, las canciones quedan al desnudo como lo que son: excelentes composiciones.

MÚSICA CLITORIANA (2003)

CIRCO A.M. (Antes de México)

Los cinco integrantes del grupo Circo se sentían como niños con juguete nuevo, disfrutando de entrar a las oficinas corporativas del sello Universal en San Juan y ver que una oficina había sido destinada para ellos. En las paredes se observaban posters y material de promoción con los rostros de Fofé, Nico, Egui, David y Orlando estampados en los mismos. Un televisor con una videocasetera estaba listo para mostrar su video del tema "La Sospecha" a miembros de la prensa. Luego de siete años labrándose un lugar desde la escena subterránea con El Manjar de los Dioses, Fofé se sentía reivindicado al ver que su visión musical era apoyada por un sello multinacional.

Al preguntarles cuál era la clave para lograr el nivel de calidad que han mostrado en su música y sus videos aún en su estatus de banda independiente, Fofé apuntaba al hecho de que “no sólo hemos sido parte de una escena de rock, sino de una escena artística, un grupo de gente que estamos haciendo cosas interesantes, y nos nutrimos mutuamente”. Desde artistas plásticos hasta jóvenes directores de cine, actores noveles y colegas músicos componen ese círculo de mentes creativas que se unen para soñar en grande y realizar proyectos de calidad internacional con presupuestos ínfimos.

Durante los años que pasaron en la marginalidad de su estatus independiente, vieron cómo otras bandas pasaban a contar con el “apoyo” de sellos multinacionales. Y aunque ello fuera un tanto doloroso para ellos, les dio el beneficio de ver que el mundo de las multinacionales no ha sido el paraíso soñado para las bandas de rock boricua: “cuando éramos más jóvenes e ingenuos, nos meábamos por firmar con una multinacional, pero al ver las malas experiencias de Millo Torres, Sol D’Menta y Fiel A La Vega, decidimos comenzar Circo de forma independiente”. Es por eso que, al ser cortejados por varios sellos a raíz de las dos nominaciones al Grammy Latino, tuvieron la precaución de estudiar bien las ofertas. Universal se ganó la confianza del quinteto pues, según Fofé, “su apoyo a un grupo como Café Tacuba, que es muy ecléctico en su propuesta musical y difícil de comercializar, nos dio la confianza de firmar con este sello”.

Y para empezar la promoción, Circo le entregaba a Universal un producto controvertible para comercializar. El video para "La Sospecha" presenta imaginería católica y de santería, mezclada con el erotismo que ya distingue al quinteto. A la luz de este video (y del que realizaran para "El Beso", donde se presenta una alegoría de la última cena de Jesús y sus apóstoles que culmina en una redada) podría pensarse que Fofé guarda algún resentimiento hacia la religión, producto de sus años de formación escolar en un colegio católico, y que sus videos plantean rebeldía y desafío abierto a la Iglesia como lo hiciera Madonna en sus inicios.

“Al contrario, yo siento que en los videos hago un homenaje a la fe y a todas estas prácticas religiosas que pueden parecer kitsch para algunas personas, pero que yo les doy credibilidad. Por ejemplo, cuando el disco estaba a punto de salir le pedí a mi abuela que prendiera una vela. Mi visión de Dios no es la de un dios castrante, y la comunión con la divinidad siempre ha sido asociada al orgasmo sexual. Es la máxima expresión de la capacidad para sentir”, explica el vocalista.

Es entonces que David, baterista extraordinario y el más callado del quinteto, sorprende con una cita irresistible: “es que nosotros hacemos música clitoriana”, sentencia provocando la risa de todos. Fofé, por su parte, asegura que la canción "El Beso" ha provocado orgasmos en algunas de sus admiradoras: “son detallitos que nos han contado las mismas muchachas”, asegura. Y los muchachos están más que dispuestos a disfrutar de los beneficios marginales que su música clitoriana les provee.

Y así, con un repertorio excelente (y un líbido insaciable) Circo salió a la conquista de México.

CIRCO P.M. (Post-México)

De estadios repletos a capacidad, a burdeles: tal fue la variedad de lugares visitados, con una interminable ristra de apariciones televisivas, radiales y entrevistas a medios impresos. "La Sospecha" escalaba posiciones en las listas de éxito nacionales, colocándose en el Top 40, y el video se encontraba en rotación en diversos canales internacionales. Luego de años haciendo “giras” locales, que consisten de travesías de no más de 3 horas de la casa al lugar del evento y de vuelta a casa, Circo experimentaba los rigores de una verdadera gira: esa sucesión interminable de carreteras, hoteles y estadios, sin desempacar la maleta porque el próximo viaje comenzaba tan pronto terminaba el concierto. “Se gozó, se lloró, se rió y se peleó”, cuenta Fofé. “Yo pensé que no iba a resistir el trajín, pero lo logré”, manifestó Orlando.

La gira cubrió las ciudades de Nuevo Laredo, Monterrey, Guadalajara, El León y Ciudad de México. Además de abrir conciertos de Café Tacuba se presentaron en eventos como el Festival EXA y La Gran Noche de MTV. El quinteto se sintió portavoz del movimiento de rock boricua, explicando a los medios el crecimiento que ha tenido, y que incluye muchos grupos más, aparte de Puya, que resulta el más conocido en México. Circo fue bien recibido por bandas colegas, suscitándose incluso una invitación de La Ley para tocar en su gira.

Entre las mil anécdotas, se destacaba una de las ocasiones en que abrieron conciertos de Café Tacuba. Fofé: “el animador gritó: ¿quieren Café Tacuba? -¡Síiiii!-contestaban más de 20 mil voces. ¡Pues aquí tienen a Circo!”, anunció el animador mientras por la mente de Fofé pasaban en un flash las imágenes del evento de la Noche de San Juan 2001, cuando David fue derribado por un vaso lleno de arena lanzado por el público. Pero el alma les volvió al cuerpo cuando escucharon esas voces cantar el coro de "La Sospecha". Los cortes de prensa de México sustentaban lo dicho: Circo causó muy buena impresión en la crítica mexicana. Misión cumplida.

Y entre las anécdotas personales, que daban más gusto oírlas decir a Fofé que leerlas, no olvidaban la sorpresa de todos al descubrir que en medio del “putero” donde departían unos tragos post-concierto, aparecía el Divino Maestro Jesús, por medio de una estatua, dando credibilidad a la tesis de Fofé: el sexo, en cualquiera de sus formas, y la espiritualidad no son mutuamente excluyentes.

VOCACIÓN DE SALMÓN (2005)

Tener ojos en la espalda, ser salmón y nadar contra la corriente, no tener miedo de que le tumben la cabeza por decir lo que quiere, son algunas de las imágenes y afirmaciones que se encuentran en las canciones que conforman el segundo disco de Circo, “En El Cielo De Tu Boca”. El tema recurrente en el repertorio lo es la reafirmación de la individualidad a partir de su sentido de otredad ante lo que la sociedad define como normal.

Y es que Circo es ese tipo de banda poco usual que tiene la capacidad de crear música ambiciosa y experimental como “Árbol Cósmico” y “Materia Santa”, pero mantiene el ansia de conectar con el público general jugando al pop con canciones como el sencillo en promoción “Un Accidente”, y posibles sencillos como “Cascarón”, “Amelia” y “Ser Salmón”. Sus melodías quedan impregnadas en las paredes de tu subconsciente: te duermes tararándolas en la mente, te despiertas y ahí están aún, tal vez hasta acompañen tus desvelos.

Los elementos que definen a Circo siguen presentes: el groove sólido y los juegos rítmicos de David y Nico, el tapiz melódico y etéreo que tejen Orlando y Egui, y la voz singular de Fofé. Líricamente, Fofé sigue explorando la sensualidad con imágenes que van desde el pícaro juego de palabras con la papaya y el mangó en “Un Accidente”, a las imágenes alucinógenas de “Me Saben a Miel”. También manifiesta su lado romántico con la dulce “Amelia” y su primera denuncia política en “Capullo”, inspirada por la película “Farenheit 9/11”.

“En El Cielo De Tu Boca” establece el lado rockero de Circo. Nada de sandungueo afrocaribeño a lo “Odiame” y “Arrastrao”. Lejos de ser una negación de sus raíces, Fofé explica que luego de andar por tierras lejanas y escuchar tanta banda de rock latino, de rock con cumbia, de rock con salsa, decidieron irse por una tangente de rock británico, con influencias del post-punk y new wave ochenteros, así como de la balada setentera. Ah, esa vocación de salmón. Con esta producción sumaron dos nominaciones más a los Latin GRAMMY.

El 24 de septiembre de 2005 presentaron su primer concierto estelar en el Anfiteatro Tito Puente. El quinteto transformó el anfiteatro en un circo de color con una dosis masiva de circosis. Fue un concierto alucinante, impecable. Conceptualmente, fue un espectáculo muy bien pensado, nada quedó a la improvisación. Cuando un artista llena a capacidad un lugar, suele decirse que “le quedó pequeño”. Aunque Circo no logró llenarlo, en términos de la calidad del espectáculo el anfiteatro les quedó pequeño ante la magnitud de una producción digna de un estadio.

LA DESILUSIÓN (2006)

Llega el 2006 y Fofé anuncia que Circo no renovará su contrato con el sello Universal. Mientras, Nico abandona la banda, descontento con la dirección comercial del grupo, para proseguir estudios académicos.

En un escrito que Fofé publicara en su página cibernética (www.myspace.com/fofecirco), el vocalista presenta un cuadro nada halagador de lo que ha visto:

La propuesta artística y honestamente original se comercializa para cumplir con los estándares de una radio toda igual dirigida a un público homogéneo, fácil de controlar, un público amaestrado para comprar productos y desensibilizado para comprender el arte. Los mercaderes del arte hacen lo necesario para asegurar una determinada cantidad de exposiciones y/o espacios preferenciales en listas de programación radial y demás medios corrompidos. En fin que una canción no suena en la radio porque sea bonita, ni necesariamente hay que tener talento para triunfar en el negocio.

Frustra y mete miedo lanzarse a vivir haciendo la música incomprendida para el monopolio industrial del espectáculo. Asusta la opción de plantarse en veinte uñas para modificar (suavizar) una propuesta artística con el fin de llegar a las masas que aseguran el sustento económico del artista. Confunde llamarse artista en semejantes condiciones.

Con la honestidad que le caracteriza, el vocalista detalla las circunstancias que rodean la decisión del grupo.

Fofé nos explica que en México la piratería de discos le ha dado un duro golpe a la industria, haciendo que gigantes corporativos como Universal se tambaleen. Ante esto, la companía tuvo que hacer sus ajustes: “muchas de las personas que trabajaban con nosotros fueron trasladadas a Miami y otros lugares, por lo que ya no recibimos el mismo cariño”, explica el cantante. Con tan sólo una persona a cargo de los artistas de Estados Unidos y de México, y tratándose de un “producto en desarrollo”, Circo se exponía al peligro de ser “engavetado”. Es decir, relegado al olvido. En ese estatus de engavetado un artista puede pasar años sin lanzar un disco, o lanzarlo sin recibir ningún apoyo promocional.

Firmar con Universal México fue un arma de doble filo. Por un lado les dio la posibilidad de trabajar el mercado mexicano, una plaza rockera muy importante. Pero por otro lado, limitó el empuje promocional que recibieron en el mercado de Estados Unidos y Puerto Rico. “Acá hicieron el trabajo, se vieron los videos, sonamos en la radio, pero no con la misma intensidad que un artista que esté firmado por la división norteamericana”, explica Fofé. A este cuadro hay que añadirle el hecho de que el rock no está generando las ventas que genera el reguetón, por lo que las disqueras han cambiado sus prioridades.

Ante esa encrucijada, el quinteto decidió no renovar su contrato. Después de todo, las primeras nominaciones al Grammy Latino, la grabación de su primer disco en Miami y los primeros viajes promocionales a California y Nueva York, fueron hechos cuando eran artistas independientes. Al momento ponderan la posibilidad de firmar con un sello independiente pero con distribución internacional. Las giras que realizaron en México y las visitas a Argentina les abrieron puertas y les han dado contactos con promotores que muy bien podrían utilizar en el futuro, por lo que la experiencia con Universal no fue del todo negativa.

Fofé asegura que como artistas nunca rindieron sus principios. Siempre conjugaron sus ansias de conectar con el público en masa, con su ambición de experimentar musicalmente. “Es un juego que han jugado todos los artistas que uno admira y que graban con sellos multinacionales: mantener la esencia creativa a la vez que se logra ajustar a las exigencias del mercado, porque se quiere vivir de la música”. Y probablemente el no ajustarse lo suficiente a las exigencias del mercado sea la razón por la cual Circo no ha logrado el éxito comercial definitivo.

OTRO INTENTO (2007)

A pesar de la amarga experiencia con Universal, en el 2007 estrenaron un nuevo contrato discográfico con Sony/BMG, ahora como un cuarteto. De esta alineación surgió el disco “Cursi”. De este CD también surgen nominaciones al Grammy Latino en el 2008. Aún así, la banda no renegocia con Sony/BMG, regresando a su estatus independiente.

LA DESINTEGRACIÓN (2009)

En el 2009, y en el marco de su presentación en el Indie Rock Fest en Aguadilla, Puerto Rico, Nico regresó como bajista “invitado” a la banda. Poco tiempo después, David dimitió del grupo por la misma razón por la cual Nico se había ido, para emprender un grupo de música experimental (jazz-funk-lounge) llamado Amplitude. Por su parte, Egui sale de la banda para unirse a Cultura Profética.

Fofé formó parte destacada del Especial del Banco Popular transmitido en diciembre, interpretando versiones musicalizadas de poemas de Luis Palés Matos. Asimismo, ha colaborado con la vocalista puertorriqueña radicada en Argentina, Mimi Maura y su esposo, Sergio Rotman, de los Fabulosos Cadillacs. Junto a ellos y a una banda denominada La Orquesta de Bombillas, Fofé realizó una presentación en el local La Respuesta.

VOCACIÓN O DESPEDIDA (2010)

En abril de 2010, Fofé declara en la página de Facebook de Circo, que el grupo se encontraba componiendo temas nuevos. Pero al consultarle para la actualización de este artículo, Fofé explica que se encuentra grabando material para un disco solista junto a “músicos nuevos en el ambiente”. Mientras, Orlando se dedica a trabajo de producción para otros artistas. Circo, ahora con Fofé y Orlando como únicos miembros originales (junto a Nico en su estatus de invitado), sigue haciendo presentaciones ocasionales. Por lo pronto, el regreso del grupo como una entidad creativa queda en pausa por un tiempo indefinido.

Con su trayectoria, Circo ha dejado su marca en el panorama musical como digna representación del rock puertorriqueño a nivel internacional.

EN LA CIUDAD DE LA FURIA

2010-08-27T12:19:00.006-04:00

Aquí presento, a través de entrevistas y observaciones personales, un breve vistazo al panorama del rock en Buenos Aires, Argentina, allá para el 2006.

Me verás volar
por la ciudad de la furia
donde nadie sabe de mi
y yo soy parte de todos
Con la luz del sol
se derriten mis alas
solo encuentro en la oscuridad
lo que me une con la ciudad de la furia
-Soda Stereo

BUENOS AIRES ROCK CITY
Por: Edgardo Soto Torres

En Buenos Aires el rock es parte de la cultura general. No deja de fascinarme ver a un taxista canoso, de unos 55 años de edad, oyendo a Guns N’ Roses. No en la radio, sino en CD. Tomar un buque para ir a una excursión en Bariloche al son de “Paradise City”; escuchar a Depeche Mode en una tienda de ropa (y no me refiero a Hot Topic); esto es algo muy común acá.

Se trata de una cultura de rock abonada con 40 años de historia hecha a pujanza con dictaduras en contra, la apocalíptica crisis económica del 2001, y aún así con canales de video, una edición argentina de Rolling Stone Magazine además de otras 5 revistas locales dedicadas al género, varias emisoras de radio programando rock y una en especial, La Mega 98.3 FM, proclamando como slogan y raison d’aitre: Puro Rock Nacional.

En entrevista con Analía Maldonado, Label Manager Latino del sello Universal, esta nos habló del panorama musical actual en la Argentina, desde el rock, hasta el reguetón y la cumbia villera. “Acá se ha dado un reposicionamiento del rock. En los últimos 4 años, la industria ha crecido muchísimo y este año se afianzó. Bersuit y Babasónicos han vendido muy bien. Todavía en lo que va de año no hemos tenido un gran vendedor de discos a nivel nacional, pero en la segunda mitad del año suele reflejarse un poco más”.

¿Una discográfica multinacional en crecimiento? Son palabras mayores en plena era de piratería cibernética. “La piratería cibernética nos ha afectado, pero más aún afecta la venta de copias ilegales en la calle. Eso es un gran problema porque no hay manera de combatir los puestos de venta callejeros, que te venden un disco a 5 pesos” (argentinos, menos de 2 dólares), explica la joven ejecutiva.

Aún en medio de una cultura emimentemente rockera, el reguetón ha hecho su entrada.. En los estantes de varias tiendas de discos me topé con las grabaciones de Calle 13, Wisín y Yandel, Daddy Yankee, Don Omar, Tego Calderón, y por el rock nacional los únicos representantes, Circo, quienes habían realizado dos visitas a Buenos Aires.

Según Maldonado, “acá ha comenzado a meterse despacito, pero el único que logró meterse y afianzarse es Daddy Yankee, quien logró Disco de Oro con Barrio Fino y la versión en vivo”. Mi monitoreo de tres semanas a los canales MuchMusic y MTV reveló que los únicos dos videos de reguetón en rotación leve son de Daddy Yankee. “La Gasolina y Lo que pasó pasó, se escucha pero como algo pop, no como un segmento de reguetón. Sólo tuvimos un programa semanal de videos de reguetón pero no es un género que se haya establecido acá”.

Al toparme con el disco de un grupo local que alega ser creador del reguetón argentino, le pregunto a Maldonado por esta mutación: “Existen grupos argentinos de reguetón, pero es mínimo. Acá existe la cumbia villera, que es la música de la gente de clase baja, con letras muy desagradables sobre drogas y mujeres. Entonces creo que mezclan cumbia villera con reguetón. Si querés reirte un rato la ponés en una fiesta…pero esa gente la consume en serio y son muchos”.

“Hay otra realidad, y es que acá no pasa como allá con el reguetón que lo oyen en la radio. Acá no hay cumbia villera en la radio, lo que hay es un circuito” (de conciertos). A nivel personal, Analía destaca a Calle 13. “Me parece una banda buenísima que excede el reguetón, pasa por otro lado”.

Si en Puerto Rico tuvimos la famosa batalla urbana entre rockeros y cocolos en los ’80, y ahora con el reguetón, en Buenos Aires hay una aparente separación entre los mismos rockeros. Están los rockeros, y luego están los “Rolinga”. Son una especie de tribu de gente que escucha e imita el estilo de los Rolling Stones, de la primera época. Tienen ciertas costumbres, vestimenta y corte de pelo que les distingue y su comportamiento particular. Es gente de clase social humilde. Tienen ciertos códigos y costumbres y forma de manejarse, es como una subcultura. Bandas como Jóvenes Pordioseros, La 25, Motorloco, y Callejeros, siguen esa línea. La presentación en febrero de los Rolling Stones, en dos funciones de 80 mil espectadores cada una, estuvo llena de público rolinga.

Sea real o imaginaria esta batalla entre sectores de rockeros, la realidad es que algunos músicos del underground argentino alegan que la movida rolinga es falsa. Según el bajista Damián Coradini, del trío Cundey Molen, “el cantante de Los Piojos (una de las bandas rolinga más grandes, que llena estadios) conduce un Rolls Royce último modelo pero lo que canta tiene que ver con el barrio, el fútbol y la pobreza. O sea, todo una mentira”.
Analía añade su perspectiva: “son más bien música básica de rock n’ roll con letras más grasa (cafres) -la policía es una porquería, tomá alcohol, drogate y esa es la vida-". A mí me suena muy rocanrol…

LA TRAGEDIA
El 24 de diciembre de 2004, un fuego causado por bengalas significó la muerte de 194 jóvenes en el club Cromagñón. El grupo Callejeros animó a los asistentes a lanzar bengalas en el interior del club. Ahora enfrentan un juicio legal y el juicio de padres y amistades de las víctimas. Aunque los grandes recitales (conciertos) y festivales continúan, la escena se ha visto seriamente afectada.
De 70 a 100 bares que daban tarima a bandas desconocidas, sólo 10 lograron permanecer abiertos. Las bandas en desarrollo se cansan de ensayar y terminan separándose por no poder mostrar su música. Las bandas establecidas, de 80 shows que vendían por año ahora se les redujo a la mitad o menos. Y el escándalo ha llegado a las altas esferas gubernamentales de Buenos Aires, pues se cree que el gobierno nunca realizó una supervisión de estos locales para asegurarse que cumplieran con los requisitos de seguridad. Siempre los malditos políticos…

A BAILAR ROCANROL

En Argentina el rock se baila. No como en los años ’50, pero se baila. Ponen Just Like Heaven, de The Cure, y bailan. Eso no es extraño. Ponen Guns N’ Roses, ¡y bailan! Eso sí me sorprende agradablemente. Me siento un poco fuera de lugar porque el Roxy Bar está lleno de adolescentes. Algunos se ven incluso menores de edad. Hay una muy linda que está biiieeenn borrachita…se va con un empujoncito. Ya pronto aquel argentinito se dio cuenta y se están besando. Me alegra ver jóvenes iniciándose en el jangueo bailando rock. ¿Por qué será que en el Hard Rock Café de San Juan no bailamos rock? Igual nos emborrachamos y drogamos…

LA NUEVA NOSTALGIA BORICUA
El día 20 de julio se celebra el Día del Amigo. Todos los restaurantes y barras se llenan con grupos de amistades que se encuentran para pasarla juntos. Nada, es lo mismo que hacen todos los fines de semana, pero pues…una excusa más para hacerlo. Los argentinos separan la fecha del 14 de febrero para los enamorados, y luego el día del amigo es para las amistades.
Este jueves 20 de julio de 2006 pude comprobar que la nostalgia boricua ha cambiado. Tan pronto nos asentamos en el departamento que alquilamos, Anita, amiga puertorriqueña radicada en Buenos Aires hace cuatro años, pide música de Fiel A La Vega, El Manjar de los Dioses y Sol D’ Menta.

El asunto es que para nuestra generación la lejanía de la patria no nos pide oir a Daniel Santos o alguna canción de Rafael Hernández, ni siquiera a Wilkins. Una rockera como Anita siente la patria oyendo “Manjar Místico”, “El Wanabí” o el clásico “Oubao-Moin” de Los Soles. Es bueno saberlo.

Buenos Aires se ve tan susceptible
ese destino de furia es
lo que en sus caras persiste
Me dejarás dormir al amanecer
entre tus piernas
entre tus piernas
sabrás ocultarme bien y desaparecer
entre la niebla
entre la niebla
un hombre alado prefiere la noche
Me verás volver
me verás volver
a la ciudad de la furia

ENTREVISTA A EDDIE DEE

2010-08-26T21:30:00.002-04:00

Aquí les presento una entrevista realizada al rapero Eddie Dee, uno de los raperos que está en la misma liga de Tego Calderón, Vico C y Calle 13. Es decir, de los que puedo respetar por su honestidad y disposición a tomar riesgos creativos. La entrevista tuvo lugar en los estudios de Wapa TV, en San Juan, P.R. en el 2004.

Pico a pico con Eddie Dee
Por: Edgardo Soto Torres

Al escuchar la canción Censurarme por ser rapero, mi respuesta fue visceral: ¡muy bien, así se dicen las cosas, claro y directo! Pero mientras más la oía, más flancos cuestionables encontraba en sus planteamientos. El rapero de 28 años se autodenomina como “el terrorista de la lírica”, y al igual que los verdaderos terroristas, su visión de mundo es maniqueísta y fundamentalista: sólo existen los buenos y los malos, el blanco y el negro, nada de tonalidades grises. Y como los verdaderos terroristas, su lírica explosiva puede llevarse por el medio a más de un inocente. Pero una letra que es, en general, brillante, debía provenir de un individuo que gusta debatir ideas, y qué mejor que debatir los méritos de su canción con él, línea por línea y pico a pico.

Dirigido pa esa gente de la alta sociedad
O mejor dicho, de la alta suciedad

Ya arrancaste con un estereotipo: la clase baja es humilde y decente y la alta sociedad es corrupta y abusadora. ¿No crees que hay personas decentes en la alta sociedad?

No, no, no, no, estás malinterpretando. Los de la alta suciedad son algunas personas de la alta sociedad que están supuestos a ser ejemplos, pero nos fallan. Mucha gente se ha sentido oprimida y menospreciada por personas que son supuestamente las caras lindas de este país. Eso es lo que quiero decir.

Muchos me miran como si fuera un tipo sin arreglo
Como si nunca antes hubieran visto a un negro
Como si fuera un delincuente
Como si con el lápiz y con mi libreta yo matara gente

Tienes un punto, la música no mata gente, pero la glorificación de la violencia a través de la música, ¿no crees que inspira más violencia?

Nosotros no estamos diciendo cosas que causan violencia, nosotros estamos diciendo lo que la violencia está causando en este país. La gente dice: “ah, los raperos hablan de que vamos a fumar”. No es eso, es que la gente fuma y nosotros decimos “vamos a fumar”.

¿Coño pero tú no crees que aquel vídeo, que no es tuyo, donde salen unos chamacos con armas cantando “vamos a matarnos”, y que se veía en la televisión justo en los días en que mataron a Nicole Muñiz, se pasó de la raya?

Hay cosas innecesarias, ahí estoy contigo. Pero como te digo una cosa te digo la otra. La primera vez que yo escuché la frase “vamos a matarnos” la oí en una discoteca y pensé –¡diablos, qué cabrones! Y luego salió la canción. Entonces volvemos al mismo punto: no es que los raperos digan una cosa y la gente la repita, es que tú ves lo que la gente dice y hace en la calle y entonces uno lo tira pa’lante en una canción.

Y cuando me asomo hay un par que lo piensan pa darme promo
Pues tengo que joderme pa que mi noticia sea publicada
Si mato a alguien rápido me dan toas las portadas

Es cierto que la noticia negativa es la que más vende pero ven acá, ¿realmente es tan difícil promocionar tu música? Toda la controversia que causa el rap es promoción gratuita.

Definitivamente. Imagínate si es así, que antes de sacar Censurarme yo pensé -¿para qué voy a decir estas cosas si el rap es el género más exitoso? ¿Pero sabes qué? Aquí le dan portadas a Maripili cada vez que se pone un traje nuevo, a David Bisbal se le salen mil plumas y le dan portadas, pero hay gente que le gustaría saber que un rapero fue a visitar a un niño que tiene cáncer, que un rapero compró su casa o abrió un restaurante de pollo, pero no nos dan el break porque lo único que les interesa de los raperos es cuando hay controversia. Y créeme que eso nos da fuerzas. Yo gozo cada vez que (la senadora del PPD) Velda (González) sale a criticarnos, yo me pongo bien contento.

Y no me mires mal, cuida tu actitud
Yo sólo soy un portavoz de la juventud

Ese rol de portavoz, ¿surge desde el principio de tu carrera o es un rol que te has visto obligado a asumir ante los ataques del Senado y los medios?

Yo empecé en esto bien joven y no lo veía con la seriedad que lo veo ahora. Cuando me autoproclamé portavoz de la juventud, lo hice porque no todo el mundo puede meterse a un estudio de grabación a decir lo que tiene en su corazón. Yo hablo por todos los que no pueden grabar un disco.

Un guerrero ante la adversidad
Y soy mejor que la mitad de la universidad

Como un graduado de universidad que soy, tengo que preguntarte porqué dices eso.

Lo que quise decir es que mucha gente entra a la universidad por complacer a sus papás y tener una carrera que les deje chavos. Esa gente no debiera estar en la universidad, y yo me considero mejor que ellos. Hay otros que quisieran estar pero tal vez no les dieron la beca o no tenían el promedio para entrar. Otra gente coge guagua y usa el mismo mahón toda la semana porque tiene el deseo real de estudiar para ser alguien de bien.

¿Qué tipo de adversidad has superado, de dónde viene Eddie Dee?

Yo vengo de padres divorciados, vengo de pasar navidades sin regalos, vengo de pasar hambre, no tengo recuerdo de un cumpleaños, ví cómo unos alguaciles llegaron a quitarnos la casa a mi madre y mis hermanos, ví a los que me decían que no iba a echar pa’lante en esta carrera. Te estoy hablando de adversidades a nivel personal, profesional y espiritual.

Y confío mas en un tecato de Santurce
Que en un juez de Montehiedra

¿No te parece que simplificas demasiado las cosas; acaso todo tecato es de confiar y todo juez es sospechoso?

No. Lo que pasa es que yo confío más en las personas de la calle, porque muchas veces tienen más palabra, valores y ética que personas que pagan planillas y les dicen a otros, “tú vives de las contribuciones que yo pago”.

Tal vez mi música no sea sana
Pero yo no me inventé ni el sexo ni la marihuana

Admites la posibilidad de que tu música no sea sana, ¿crees que tu música no debe ser oída por niños?

Claro, yo estoy consciente de que en algunos de mis mensajes hay cosas negativas, pero hasta diciendo cosas negativas digo cosas positivas, ¿me entiendes?

No entiendo…

Es que yo, hasta diciendo embustes, digo verdades…(reímos).

Pero yo escuché otras canciones que bajé del Internet, digo, perdona…

Seguro…¡Piratero!

Pero la canción Toma, Coje, Traga, Come es bien explícita sexualmente.

Sí. Toda mi vida yo he hecho temas sociales como Señor Oficial y Las Calles de Hoy, pero necesitaba temas bailables porque Puerto Rico es un pueblo alegre que le gusta bailar y vacilar. Esa canción es puro doble sentido y de contenido sexual, pero me parece más suave que La Finquita de Tavín.

(Nota del redactor: ¡no lo es!)

¿Cuál es tu opinión sobre la marihuana?

Mi opinión es que…(lo piensa y mira a su manejador)…Yo no veo que sea buena ni mala, cada cual decide si la escoge o no…yo creo que es algo natural que crece de la tierra.

¿Debe ser legalizada?

No sé…pero si lo que quieres escuchar es que fumo, pues yo no soy un fumador de marihuana pero cuando me quiero fumar mi gallo me lo fumo hasta lo último.

No me hables de lo justo ni de lo injusto
Pues mi diploma está firmao por un corrupto

Esa línea es brillante, porque tener un diploma firmado por un corrupto plantea una crisis de la juventud ante las figuras de autoridad.

Exacto. Esta sociedad está así porque no hay respeto, y no hay respeto porque no hay ejemplo. Así de sencillo.

Pero esa línea tambien funciona para justificar una actitud de desprecio ante las autoridades. ¿Cuál es el mensaje: mi diploma está firmado por un corrupto así que no voy a obedecer a las autoridades?

Eh…no. Porque obedecer o desobedecer es una decisión personal. Lo que yo digo es: no me vengas a señalar y acusar cuando los tuyos o los que pusiste en el poder están más corrompidos que nosotros. Coño, ¿con qué moral me vas a decir que me porte bien?

Nos han puesto un sello
Pero la mayoría de nosotros somos más gente que ellos
Díganme, ¿a qué rapero de esta isla
Lo han acusao de las puercás que han acusao a Misla?

Es cierto que a ningún rapero lo han acusado, ¿pero puedes asegurarme que ningún rapero de este país usa drogas ni tiene sexo con menores?

Nooooo….yo no estoy diciendo eso. Pero mi gente lleva diez años oyendo canciones mías sobre bellaquear y “mamita dame esas nalgas”, así que sería menos impactante que me cogieran con una bolsa de marihuana, un Phillie, y una menor de edad porque es más o menos lo que corre en este ambiente. Pero que un tipo que brega con las leyes haga eso, ya esos son otros veinte pesos.

Y hay tiraera en mis canciones
Pero no tanto como en las campañas de las elecciones
Se acusan de corruptos, el otro dice que están mal
Y total al final terminan robando igual

Tienes un punto ahí, totalmente de acuerdo.

Eso está clarito.

Hacen promesas pa tu vecindario
Cuando ganan nunca vuelven por tu barrio
Por eso no confundo soy un tipo listo
Mi voto sólo se lo doy a Jesucristo

¿Te consideras religioso?

Me considero una persona apolítica y creyente, muy creyente.

¿Es cierto que tu mamá es pastora?

Mi mamá es misionera evangélica y desde que tengo uso de razón me he criado en los caminos del Señor. Ya cuando uno llega a adolescente escoge lo que quiere hacer, si ir a la iglesia o no. Pero me sembraron mis principios y a mi forma los llevo.

Estás “apartado”, como se dice en la jerga evangélica.

Sí, se podría decir apartado.

¿Y qué piensa tu mamá de las cosas que cantas?

Mi mamá no es una fanática religiosa. Ella dice que Dios tiene un propósito conmigo y, créanme o no, tres días antes de mi debut como bailarín, ella me dijo (recuerdo que estábamos limpiando el cuarto) que Dios le estaba mostrando que yo no entré en esto por casualidad. Que el propósito de Dios es que yo esté aquí. Pero a veces mi mamá me dice: “no te encariñes mucho con este ambiente, porque tú sabes para dónde vas”. Y le contesto: Está bien, mami…

CENSURARME POR SER RAPERO
Por: Eddie Dee

Introducción hablada:

Tirando la verdad, dirigido pa esa gente de la alta sociedad
O mejor dicho, de la alta suciedad.

Muchos me miran como si fuera un tipo sin arreglo
Como si nunca antes hubieran visto a un negro
Como si fuera un delincuente
Como si con el lápiz y con mi libreta yo matara gente
Y cuando me asomo hay un par que lo piensan pa darme promo
Pues tengo que joderme pa que mi noticia sea publicada
Si mato a alguien rápido me dan toas las portadas

Y no me mires mal, cuida tu actitud
Yo sólo soy un portavoz de la juventud
Un guerrero ante la adversidad
Y soy mejor que la mitad de la universidad
Y cuando arranco no tengo pausa
No importa si me dicen rebelde sin causa
Firme como piedra
Y confío mas en un tecato de Santurce
Que en un juez de Montehiedra
Tal vez mi música no sea sana
Pero yo no me inventé ni el sexo ni la marihuana
Pal carajo los que nos critican
Esta es la música conque los jóvenes se identifican

Censurarme por ser rapero / es como censurar a un pueblo entero

A mi no me importa si te gusto o si te disgusto
Pues mi diploma de cuarto año está firmao por un corrupto.

Censurarme por ser rapero / es como censurar a un pueblo entero

No me hables de lo justo ni de lo injusto
Pues mi diploma está firmao por un corrupto.
La gente quiere hacer un issue de una cosa tonta
Será por eso que tenemos tanta gente en contra
Como los del Senado
Pero es bien fácil hablar mierda sentao en aire acondicionado
¿Cómo puñeta voy a hacer algo positivo
si todo lo que veo es negativo?
Te hablo mis vivencias
Dicen que promuevo la violencia
Por lo visto la democracia es a conveniencia
Nos han puesto un sello
Pero la mayoría de nosotros somos más gente que ellos
Díganme, ¿a qué rapero de esta isla
Lo han acusao de las puercás que han acusao a Misla?

Y hay tiraera en mis canciones
Pero no tanto como en las campañas de las elecciones
Se acusan de corruptos, el otro dice que están mal
Y total al final terminan robando igual
Hacen promesas pa tu vecindario
Cuando ganan nunca vuelven por tu barrio
Por eso no confundo soy un tipo listo
Mi voto sólo se lo doy a Jesucristo
Y esto es pa los que se pican
Los que se agitan, los que nos utilizan
Cuando necesitan
Y aunque me salga caro lo que disparo
Voy a seguir enviando el mensaje claro

UN ENCUENTRO CON CARLOS VIVES

2010-08-25T13:59:00.002-04:00

Este reportaje-entrevista me trae buenos recuerdos. Estaba comenzando en esto del periodismo (correría el año 1999) y era mi primer encuentro con una "estrella" internacional. Decidí redactarlo en un estilo irreverente y personal. Tuve el gusto de saber, a través de uno de los guitarristas de El Manjar de los Dioses, que a Carlos Vives le había gustado el escrito.

Carlos Vives - Más Rockero Que Nunca

"El rock, más que una música es una forma de ver la vida, de ser rebelde contra las cosas impuestas que sabemos que no valen la pena y nos roban energía". – Carlos Vives

Voy al frío estudio de televisión de Telemundo, en San Juan, buscando a Carlos Vives, cantante colombiano y ex-galán de telenovelas. Voy de presentao', sin cita previa, velando güira a ver si logro una entrevista con esa "estrella" internacional. Es la primera vez que me enfrento a eso, pues hasta el momento había podido mantenerme entrevistando bandas con músicos de mi generación que aún no han saboreado tal éxito. O músicos ya consagrados que han superado la etapa de la comemierdería y el faranduleo, han probado el éxito y ya no les nubla el entendimiento.

Carlos canta ante las cámaras con una camiseta negra que ha visto mejores días, mahones despintados, chancletas y melena al aire. Es un buen signo. Ya fuera de las cámaras, Vives conversa con una periodista mientras espero mi turno. La gente de la disquera me dice que están de prisa, que tengo diez minutos para hablar con él. Coño, ¿cómo le hago para tener una conversación diferente, que no sea la misma monserga del disco nuevo, el próximo concierto, bla bla bla? La periodista me pide que le tome una foto con Carlos (qué ridiculez, -pienso). Ella me pregunta si quiero una foto con él. Este...ok, qué carajo. Me siento al lado de Carlos, sobre la rueda de un "troncomóvil" al estilo Picapiedra de sabe Dios qué programa. Vives echa su brazo sobre mis hombros (como lo hace con todo el mundo, para que crean que es un tipo bien chévere, -pienso). Chiiiissss...sonrisa, click. Ahora sí, vamos a hablar...

Yo: Vaya Carlos, un placer conocerte (qué hipócrita soy, en realidad me da igual conocerlo o no, -pienso). Este...mira, tú perdona pero yo realmente no quiero hablar del disco ni del concierto...

Carlos Vives: Ajá...

Yo: Mira, yo lo que cubro es rock, salsa y pues, música alternativa en general y lo que me interesa es hablar de cómo surgió eso de fusionar la música folclórica de Colombia con el pop-rock...digo, me dicen que andas de prisa...si acaso en otro momento...

Carlos: (ENTUSIASMADO) ¡Mira, vámonos afuera para encender un cigarrillo, porque ese tema me apasiona!

(¡Wao, la pegué! Este tipo parece que es distinto, -pienso).

Vives, casado con una mayagüezana y conocido por pasar las Navidades en el área oeste, vuelve a sorprenderme mencionando a bandas como El Manjar de los Dioses, Vivanativa y Sol D' Menta: "claro que los conozco, yo los he visto cuando han tocado por allá (en Mayagüez). A mí la escena boricua me recuerda mucho a la escena rock de Argentina". (¡Cooooño, este tipo sí que está en algo!, -pienso).

Vives empieza por decirme que fue con la serie de televisión "Escalona", que se encuentra algo que le sacude el alma y le hace alejarse de la balada pop y las telenovelas: el vallenato y la cumbia típica de Colombia. Géneros tan cercanos a él, pero que los medios y la industria, con su agenda de vender lo moderno, lo último, le habían hecho olvidar (situación que vivimos muchos puertorriqueños que pasamos años ignorando nuestra música jíbara). Dicha serie dramática, le da la oportunidad de trabajar con músicos locales, provincianos. Antes, con la balada pop-rock, había trabajado con músicos de Bogotá que habían estudiado música en Los Angeles y cuya inclinación era hacia un rock "muy inspirado en el rock argentino y con temáticas urbanas". Y ahí se vio Carlos, entre dos mundos musicales aparentemente irreconciliables. En ese momento se replanteó su propósito como músico: "yo había hecho muchas cosas y me propuse que ahora quería ser auténtico. Y lo que me pareció más auténtico fue el espíritu de nuestra música colombiana, como la cumbia, que es como el blues".

Carlos habla de cómo nos convertimos en imitadores de lo americano y lo inglés, el rock y el pop, y menospreciamos nuestro folclor ignorando que aquellos movimientos son precisamente el resultado de un folclor que evolucionó con los tiempos: "hablar del rock es hablar del blues, del Mississippi, de los esclavos, de ese folclor americano. Lo que pasa es que esa gente ha crecido, ha evolucionado hasta llegar a lo que conocemos hoy".

Aclarado el propósito y la dirección de su música, Vives busca a un tecladista, un guitarrista de rock, y un baterista, para unirlos al acordeón y demás instrumentos folclóricos. La canción "La Gota Fría" fue el primer experimento que surgió de ese taller musical: "ahí yo dije, quiero la guitarra Stratocaster con el acordeón, esos dos mundos, un músico de pueblo como el acordeonista Eligio Cuadrado, con Ernesto Campo, un guitarrista de la urbe que está untado un poco de Santana y el movimento inglés y americano". Así, unen la sonoridad rock con el ritmo de cumbia y el vallenato.

Vives se encontró entonces con la crítica y el prejuicio de los folcloristas, esos que se empeñan en perpetuar los géneros autóctonos dentro de un código visual y auditivo estancado en la tradición. Si pensamos en Puerto Rico, estaríamos hablando de la pava, el machete en la cintura, la escenografía de una casa de madera con un platanal; el cliché de la pureza y lo folclórico. Ante esa disyuntiva, Carlos encontró la respuesta en un profesor de folclorogía: "él dijo algo que nunca olvidaré, y es que el folclor no se graba ni se lleva al escenario, no se ilumina con luces artificiales. El folclor es la vida, la esencia, la naturaleza, se ilumina con la luna, es lo que une al hombre con su real hábitat. Eso al principio no lo entendí, pero al vivir un poco empecé a comprenderlo y a buscar un estilo y una identidad musical. Hasta que comprendí que no era el instrumento lo que definía al folclor, sino el sentimiento, el alma que hay detrás del instrumento".

Así pues, para los "modernos" lo que hizo Vives era folcor, y para los folcloristas era algo moderno. Para la gente que compra discos, fue algo pegajoso que rápidamente se convirtió en éxito. Ciertamente, su pasado de galán de telenovela le garantizó una atención de los medios y un público cautivo que otro desconocido haciendo el mismo experimento no hubiese tenido, pero la autenticidad de su propuesta le ha ganado un sector del público que no era seguidor de sus novelas y su música anterior. Carlos Vives y La Provincia, es el nombre del concepto aunque los medios no suelen mencionar el nombre del grupo.

"La Provincia la componen músicos que usan su chaqueta de cuero y sus mahones, que tocaban en barras pero que tenían una propuesta para su música local. El hecho de tener el pelo largo y vestir de cierta manera no desdice de nuestro amor por la música típica de nuestro país", explica Vives apasionadamente, como cuando se habla de cosas del alma. "El rock, más que una música es una forma de ver la vida, de ser rebelde contra las cosas impuestas que sabemos que no valen la pena y nos roban energía. Podemos pensar que el rock es algo muy moderno, pero el rock tiene un sentimiento que valora cosas humildes, sencillas, elementales. Por eso la industria no me entiende y me dicen: 'ah, tú querías ser rockero y ahora haces música folclórica'. Mira, ¡ahora soy más rockero que nunca! Porque este es mi rock, aquí está el espíritu de esa música".

Luego de despedirnos y ya transitando por el Expreso, medito en lo que recién escuché. Carlos Vives derrumbó uno de mis estereotipos: que todo artista de fama internacional es un sesohueco-egomaníaco. Y pienso en las posibilidades que tendrían nuestros géneros: la plena, el aguinaldo, la bomba, el seis, si se fusionaran efectivamente con lo contemporáneo. Y no se trata precisamente de grabar "Livin' La Vida Loca" con un cuatro. Se trata de originalidad y visión. Lo que hace El Manjar de los Dioses es el mejor ejemplo que viene a mi mente. Utilizar esos ritmos que llevamos en la sangre, fusionarlos con la energía del rock..."Eso es fundamental", me decía Carlos Vives reflejando, tal vez sin saberlo, el coro de una canción del grupo PUYA que esboza, con el estruendo de su “pesaera”, la misma filosofía músico-cultural que el portavoz internacional del vallenato.

UN VISTAZO A LA TRAYECTORIA DE CULTURA PROFÉTICA

2010-08-24T12:05:00.003-04:00

Cultura Profética acaba de lanzar su nuevo disco, "La Dulzura". El mismo lleva ya 7 mil unidades vendidas por lo que se perfila como otro éxito para la banda. Lo celebro dando un repaso a su trayectoria en este artículo.

CULTURA PROFÉTICA Y EL JUEGO DEL ARTE
Por: Edgardo Soto Torres

Willy quiere respeto para la banda, así que decide tocar con Yolandita Monge, mientras Boris encuentra la fórmula para transformarse en un músico de los años ’70 (y no es comprando ropa en el Salvation Army). La banda de Reggae más exitosa de Puerto Rico pasa sus días inmersa en arte, música y humo de conciencia.

Es cierto que para conocer bien a una banda, basta con escuchar sus discos y ver sus conciertos. Pero una mirada a lo que hacen cuando no están en tarima, revela un poco de la personalidad de cada integrante. En la travesía a lancha de Fajardo a Vieques, Iván trabaja en el “house remix” del tema Bieké en su “laptop” con Omar escuchando a través de audífonos; Willy susurra melodías al viento con sus ojos cerrados como poseído por una musa mientras la brisa marina sopla en su rostro, y los demás tratamos de no marearnos con el vaivén de las olas.

Al llegar a tierra viequense, Iván y DJ Nature juegan con sus carros de control remoto alrededor de la plaza del pueblo (donde unas horas más tarde tocarán como parte de las Fiestas Patronales), mientras los demás comen frituras o pasan a mirar las mesas de artesanías. Raúl López (manejador de la banda), hace lo mismo que todos los manejadores de artistas: jugar con dinero. En esta ocasión se trata de la tradicional “pica” que no falta en una fiesta patronal. Después de la presentación, los músicos departen entre bocanadas de marihuana, y Willy hasta “echa un paso” bailando con su novia mientras Fiel A La Vega interpreta su medley de El Gran Combo. Es evidente que los muchachos saben pasarla bien. Pero la vida no deja de presentar sus obstáculos.

A pesar de llenar sus conciertos y vender más de 60 mil copias de cada uno de sus tres discos anteriores, Willy siente que no son respetados por la industria musical del país: “la gente piensa que somos chamaquitos haciendo música para chamaquitos”. El bajista no se explica por qué no fueron invitados al concierto Paz en la Paz, realizado el 14 de agosto de 2002 frente al Capitolio como parte de la Primera Conferencia Internacional por la Paz, teniendo un repertorio comprometido con la denuncia social, la paz y la justicia. Y aunque su música ha tenido amplia difusión radial, en esta ocasión el tema “De Antes” no fue aceptado por las emisoras de baladas.

Pero si algo distingue a los integrantes de Cultura Profética (cuyas edades rondan entre los 21 a 28 años), lo es su disposición a jugar el juego del arte, involucrándose en actividades artísticas más allá de sus ensayos, tocadas y grabaciones. Entre las más recientes actividades están las colaboraciones con el ballet Andanza y hasta con la baladista Yolandita Monge.

UNA EDUCACIÓN MUSICAL

La raíz de esta actitud se encuentra en la educación de Willy Rodríguez (bajo y voz), Iván Gutiérrez (teclados) y Omar Silva (guitarra), quienes cursaron estudios en la Escuela Superior de la UPR, donde se les animaba a participar en todo tipo de actividad artística, incluyendo el teatro, y donde, según Iván “nos daban música por un tubo y siete llaves”.

Willy recuerda que desde kinder se les enseñaba a entonar canciones y se les preparaba para aprender un instrumento al llegar al quinto grado y así formar parte de la banda escolar. De ahí, al Coro de Voces, a la Rondalla, y hasta al Coro de Campanas de Puerto Rico (al cual perteneció Iván). Luego de las risas que acompañan esta última confesión, Willy explica que “eso es básico para entender la música, porque ves cómo una nota sigue a la otra y se forman las melodías”. De ahí, pasan a bromear sobre cómo sonaría un Reggae con campanas.

Ciertamente, colaborar con el ballet Andanza luce “cachendoso” y artísticamente correcto pero, ¿Yolandita Monge, la que canta baladas cortavena? De seguro que el sell-out patrol (esos portaestandartes de la pureza artística que incluye a músicos y fanáticos que se rigen por un sentido dogmático del arte) encendió el botón de alerta máxima. Pero tranquilos, que todo es cuestión de contexto. Como explica Willy, la Monge decidió que era hora de dar a conocer su sentir patriótico interpretando un puñado de canciones como “Patria”, de Rubén Blades. Ante la necesidad de ser respaldada por un vehículo que le diera credibilidad, recurre a Cultura Profética. “Nos gusta el arte de la expresión y todo el que esté presentando una propuesta artística interesante, nos llama la atención”, resume Willy.

Luego del miedo inicial al qué dirían sus fans de una colaboración con Yolandita, los muchachos asumieron el reto como una nueva aventura artística, una oportunidad de “trascender a otro público que no es el nuestro”. Al final, la experiencia fue positiva: “la idea es llevar el mensaje a diferentes personas, no sólo a los que siempre nos escuchan. Además, siempre que colaboramos con otros artistas, aprendemos algo”. ¿Y cómo fue tratar de tú a tú con Yolandita Monge? “Ella es una diva, ¿viste? Pero fue muy cómodo trabajar con ella, es bien profesional y…..de que canta, canta”, resume riendo. Ahora, cuentan con nuevos seguidores que les paran en la calle a decirles que les gustó lo que vieron en Bellas Artes y quieren oír más del grupo.

UNA BANDA BAJO LA INFLUENCIA

Con un total de trece integrantes que incluyen dos coristas y tres músicos en la sección de metales, es difícil crear un perfil detallado de cada individuo, así que opté por centrarme en el núcleo estable de la banda. Omar Silva, guitarrista, viene de un trasfondo de música clásica y actualmente estudia en el Conservatorio de Música. Su colega Eliut González, venía influenciado por el rock y el jazz. Eliut admite que, al principio, hubo problemas en ajustarse al estilo de Omar, quien entró a la banda para el disco Ideas Nuevas. Luego de mucho jammeo, encontraron su rol dentro de la banda: Omar, pelo negro largo, usualmente recogido en una trenza, es el de los acordes complicados (además de tocar el bajo ocasionalmente), mientras Eliut, el de la boina y la “chiva”, provee el pulso rítmico del Reggae conocido como “skanking” y el ocasional solo de vena rockera como en el tema “Quiero Hablar” y “Canto en la Prisión”. Ambos gustan de los pedales de efectos antiguos, contribuyendo a la vibra sicodélica de la música.

Para Eliut, la clave para evitar el caos sonoro con tantos instrumentos en un entorno de improvisación, está en las horas que dedican al jammeo: “ahí es que uno va viendo quién entra, y con qué melodía o efecto. También es importante la sinceridad, expresar opiniones sobre lo que tus compañeros están tocando para llegar a un acuerdo”. De esas horas de jammeo, surgen momentos mágicos como las improvisaciones del tema Pa’l Tanamá: “a mí me sorprendió cuando la escuché porque la canción cogió su propio rumbo”. Willy explica que Pa’l Tanamá está estructurada de forma tal que “cuando ya no encuentro más palabras para describir la experiencia de un pasadía en el río, nos toca expresarla en música. Por ejemplo, en algunas secciones quisimos que transmitiera la sensación de sumergirse al agua y volver a la superficie”. Para darse cuenta de cuán detallados son los arreglos musicales, basta con escuchar el efectivo patrón rítmico que establece Roy Sánchez-Vahamonde en la percusión menor para el tema “De Antes”.

Iván Gutiérrez, el tecladista de los dreads, lleva la música en la sangre. Su padre fue trompetista de la Orquesta de Willie Rosario, y esa influencia, aunque indirecta, es parte de su formación como arreglista de vientos en Cultura. Su formación fue en piano clásico y recibió la influencia de jazzistas como Charlie Parker y Maynard Ferguson. A Gutiérrez le ha tomado por sorpresa que la gente se le acerque para comentarle lo mucho que les gustan los sonidos tan peculiares que extrae de instrumentos como el sintetizador Moog y el Hohner Clavinet, entre otros. Su acercamiento a los teclados de los años ‘70 se debió a limitaciones económicas. Ahora, sus sonidos “tripiosos” forman parte del vocabulario musical y estilo de la banda.

Tanto para Willy como para Boris Bilbraut (batería y voz), la banda que acompañaba a Bob Marley, The Wailers, es el fundamento sólido en el que basan su aprendizaje del Reggae: “ellos traen un toque específico, un sentimiento y un afinque especial”. La clave de Cultura Profética es que, si bien estudian las raíces de los géneros musicales que les interesan, no se limitan a imitarlos, sino que brindan su toque especial fusionando estilos para contribuir a su evolución. En ese sentido, “no somos fundamentalistas”, dice Willy aludiendo a esa manera de pensar que se aferra a una forma unilateral de hacer las cosas.

Incluso el bajista y compositor revela que casi no escucha Reggae: “ahora estoy escuchando mucho a Eryka Badhu, D’Angelo, Maxwell…los papás de Maxwell son de Vieques”, acota Rodríguez. Los cantantes que menciona forman parte de lo que la prensa especializada ha dado por llamar “New Soul”, y que representa un renacer de la música Soul de los ’70: “se está volviendo a la música orgánica, pero diciendo cosas nuevas y evolucionando. Lo mismo está pasando en el Hip Hop”. Los Cafres y Silvio Rodríguez nunca están lejos de su tocadiscos. En el Rock, se adhiere a los clásicos como Led Zeppelin y The Doors. De las bandas nacionales: “escucho a Sol D’Menta y ¡wao!” –es el gesto conque resume su sentir.

Los muchachos aseguran que con cada año que pasa, “nos soltamos más en nuestra creatividad y nos entendemos mejor unos a otros como músicos”. A esto se le añade la sangre nueva de Bairex Jiménez, en los teclados, y DJ Nature con su alquimia sónica en los platos. Bairex se integró al grupo para el disco Cultura en Vivo, y en los ensayos para el concierto “Fiel A La Cultura”, asumía el comando de las sesiones sugiriendo ideas y dando el conteo para marcar el inicio de las canciones. Por su parte, DJ Nature permanecerá en la banda “mientras él quiera”, señala Willy.

DIARIO: PÁGINA POR PÁGINA

En esta ocasión, el proceso de grabación discurrió con más lentitud que en discos anteriores: “en Jamaica es más caro y por eso se graba con prisa. Hicimos las bases en dos semanas. Al venir acá para hacer el resto, hubo más tiempo y más espacio para la creatividad”, explica el bajista. El resultado fue una mejor elaboración de los arreglos de vientos, teclados y voces. Además, se trata de un disco financiado por ellos mismos, y cuando se gastaron los primeros 25 mil dólares en los estudios Tuff Gong “tuvimos que tocar un tiempito pa’ sacar fondos”, admite Willy riendo.

El repertorio de la banda está repleto de canciones largas, usualmente de 6 a 7 minutos de duración. Para Diario, asumieron el reto de decir más con menos: “eso denota madurez en el concepto”, señala Omar. Otro elemento novel en la propuesta de Cultura para Diario lo es la música andina, en temas como Gracias Vida. Lejos de tratarse de una influencia reciente en su vida, Willy alude a una maestra de quinto grado de escuela elemental que le enseñaba melodías suramericanas. Omar abunda al respecto: “resultó una mezcla de instrumentos andinos, de Australia, Brasil y Jamaica, con unos coros de influencia Yoruba, y hasta pensamos incluir Bomba pero ya estaba muy cargado el arreglo”. Esto es, en esencia, lo que se clasifica como World Music, que para Willy es muy lógico, pues “toda la música del mundo es una sola”.

Fiel al concepto de un diario, el disco recoge las vivencias y meditaciones de Willy, con la colaboración de Boris, Iván y Omar en las letras. Las líricas versan sobre la prisa que se vive en la ciudad (Días Intensos, Insomnio) y la necesidad de escapar de esta (Pa’l Tanamá), de la política y sus implicaciones sobre el pueblo (Bieké, Borikén), e incluso del amor (De Antes, Verso) área en la que Willy se adentra como letrista por vez primera. El tema introductorio que da título al disco es una pieza instrumental que pone en relieve las destrezas de la banda, mientras la canción final, Lo Que participación del rapero Welmo y el trombonista William Cepeda.

En el diario que mantienen como banda, es decir, su agenda de trabajo, asoman viajes a México, Perú, Colombia, Venezuela, Brasil y Costa Rica, donde la canción Suelta Los Amarres, del disco Ideas Nuevas, llevaba seis semanas en la primera posición de la radio.

BORIS SE CONSAGRA A SU INSTRUMENTO

¿Por qué tú usas pantalla? –pregunta el niño de unos 7 años al cantante, que se encuentra enfrascado en una tensa llamada telefónica.

Te digo horita porque tengo estrés, estoy tratando de resolver un problema, pero ya te explico, –contesta el cantante.

Pero…¿por qué usas pantalla? –insiste el niño.

Así se encontraba Ismael Rivera, acorralado entre Jerry Masucci y el pequeño Boris Bilbraut, futuro baterista y cantante de Cultura Profética. El interrogatorio sobre la pantalla que el legendario sonero llevaba en su oreja derecha surgió mientras Rivera sostenía una negociación vía telefónica con Masucci, entonces presidente de Fania Records, quien se encontraba en Argentina. La discusión era en torno al pago por un dúo entre Celia Cruz y Maelo para el tema “Cúcala” . Masucci pretendía pagarle 15 mil dólares a Celia y 7 mil a Ismael. Mientras el sonero sostenía su tensa negociación, Boris sostenía su intenso interrogatorio sobre la pantalla. Esas ocasiones en que, junto a su padre, visitaba el hogar de Maelo, figuran entre los recuerdos de infancia que más atesora. Aún antes de sus años con El Combo de Cortijo, El Sonero Mayor había entablado amistad con el padre de Boris: “los músicos del Combo se cambiaban de ropa en casa de mi abuelo cuando tocaban en Arroyo”, relata Bilbraut, quien contaba con 25 años de edad al momento de esta conversación.

Willy nos sirve una sabrosa pasta con vegetales que preparó, y el recuerdo de Maelo viene a colación cuando le digo a Boris que tiene un timbre de voz muy distintivo. Profundo y cálido, sin asperezas, agradable y reconfortante al oído. Son características que también encuentro en la voz de Ismael Rivera, quien figura como una de las influencias de Boris y Willy: “Maelo y Marley son figuras paralelas”, señala el bajista. Aparte de tener el privilegio de que El Sonero Mayor le comprara “limbers”, Boris pudo verlo cantar en vivo y ser testigo de sus últimas sesiones de grabación.

Luego de esas remembranzas, pasamos a discutir cómo su rol de compositor y vocalista ha disminuído desde el primer disco de la banda, cuando la aportación entre él y Willy era casi al 50 porciento. ¿Está satisfecho Boris con el papel predominante de Willy? El baterista explica que decidió dedicarse a su instrumento “para buscar ritmos diferentes dentro del Reggae”. Además, “cantar y tocar esos ritmos no es fácil; a veces creo que necesito un tanque de oxígeno y tres pulmones”, dice riendo. Sobre el área de la composición, confiesa que “la musa a mí me llega cuando la estoy pasando mal”. Dado que en “Diario” aparece como co-autor de tan solo un tema, podemos inferir que Boris la estaba pasando muy bien en su vida personal, hasta hace unos días cuando “me puse a escribir desde las 12 de la noche hasta las 6 de la mañana, sentado bajo el poste de la luz en la calle de mi casa. Hacía como dos años y medio que no me pasaba eso”.

En las técnicas del baterista de Bob Marley, dice encontrar “el toque” especial que define el género. Entonces, podemos imaginar cómo se sintió Boris cuando, en medio de una estadía en Jamaica, el baterista de los Melody Makers (la banda de Ziggy Marley) le dijo que él poseía ese “toque”. Bilbraut pasa a explicarme algunas técnicas de la batería Reggae que otros bateristas “las entienden como algo teórico, pero no como algo que es espiritual”. Grabar en Jamaica es fundamental para Boris, pues en la isla entra en contacto con el espíritu y la cultura que engendró al Reggae: “la vibra es otra cosa y el contacto con la gente te transforma en un músico de Reggae de los ‘70”. Aún si en los ensayos previos a la grabación a Boris le quedan detalles por mejorar en algunas canciones, sabe que al arribar a suelo jamaiquino todo fluirá: “es cuestión de llegar, fumar y grabar”, explica sonriente.

Cultura Profética culminaría el año 2005 con un cambio de integrante, saliendo Iván Gutiérrez, y con sendos conciertos a sala llena en el Centro de Bellas Artes de Santurce, en el mes de octubre. Ese mismo mes, lanzaron un disco titulado "M.O.T.A." (Momentos de Ocio en el Templo del Ajusco). El título juega con un doble significado, pues mota en México es marihuana, pero además rinde honor al campo del Ajusco, al suroeste de la ciudad capital de México, donde vivieron por cuatro meses: "Ese tiempo fue bien importante para nosotros porque fue la primera vez que cambiamos de entorno para componer", destacó Willy. La agrupación escogió México para darle vida a su nuevo proyecto porque "es más barato vivir allá" y porque "el país está repleto de cultura. Desde las ruinas hasta la ciudad son personas bien centradas en sus costumbres". El disco salió bajo el sello Machete Music, que forma parte de la multinacional Universal Music, convirtiéndose en la única banda de reggae en este sello. En el 2006, celebraron sus 10 años de trayectoria con su primer concierto en el Coliseo de Puerto Rico, grabado para DVD pero aún sin lanzar.

Desde entonces, Cultura Profética se dedicó a irse de gira por Centro y Suramérica, desarrollando una sólida base de seguidores y convirtiéndose posiblemente en la banda puertorriqueña con más arraigo en Latinoamérica. En una visita a Buenos Aires, Argentina, en el 2008 pude constatar palabras elogiosas para la banda en la revista Rolling Stone, y el canal de TV Quiero Música le incluyó en "la santísima trinidad del reggae latinoamericano", junto a los chilenos de Gondwana y los argentinos de Los Cafres.

Debido a su cargada agenda de viajes, el tecladista Bayrex Jiménez abandonaba el grupo para dedicarse a la paternidad, y en su lugar entraba Juan Carlos Sulsona. También se integra en los teclados Egui Santiago, del grupo Circo.

Luego de cinco años de silencio discográfico (sin contar el CD/DVD “Tribute to Bob Marley” grabado en el Anfiteatro Tito Puente en el 2007) la banda acaba de lanzar su nuevo disco, “La Dulzura”, grabado entre Puerto Rico y Argentina, de manera esporádica entre el 2007 y el 2010.

RECORDANDO A EL MANJAR DE LOS DIOSES

2010-08-23T12:13:00.002-04:00

He aquí un repaso a la historia del quinteto El Manjar de los Dioses. Buena música, buenos recuerdos...¡Que vivan los Reyes, y la madre que nos parió!

EL MANJAR DE LOS DIOSES
UNA LEYENDA SUBTERRÁNEA
Por: Edgardo Soto Torres

Este quinteto del área oeste de Puerto Rico surgió, en su formación original, a raíz de una crisis depresiva del bajista Carlos Díaz, según me explicaba el vocalista, José Luis Abreu (Fofé) en la primera entrevista que le hiciera en el 1998. Asimismo, la ruptura del quinteto original surgió a raíz de otra crisis del mencionado bajista y compositor. Una crisis en torno al control que Fofé tomó sobre la banda, y a la disyuntiva entre su deseo de ser padre y esposo o lanzarse a la internacionalización del grupo.

Para el 1994, Fofé y Carlos, ambos con estudios graduados en sicología, se enfrentaban a la crisis de la adultez temprana, en la cual la persona se cuestiona lo que ha hecho y hará con su vida. Ambos decidieron obedecer el llamado que su vocación por la música les hacía. Así, reclutaron a David Pérez (batería), y a los hermanos Nieves: Rey en la guitarra y el cuatro, y Reyis en la guitarra. El Manjar de los Dioses sería una de muchas bandas que formaron parte de la escena subterránea del legendario pub rockero Longbranch, ubicado en el área oeste del país (área siempre prolífica en bandas de rock).

En el 1997 lanzaron su debut discográfico, El Manjar de los Dioses, bajo el sello independiente Radio Vox, radicado en Miami y propiedad del productor argentino Gustavo Menéndez. En el mismo se perfiló el estilo original del quinteto, que mezclaba el rock alternativo europeo con la música campesina puertorriqueña y la bohemia de vellonera de cafetín que absorbieran en el área oeste (los integrantes eran oriundos de los pueblos de Hatillo, Isabela y Quebradillas).

Con el video del sencillo “Manjar Místico”, comenzaron una videografía caracterizada por la más alta calidad vista en videos musicales de rock nacional, demostrando que con poco presupuesto y la ayuda de amistades de diversas ramas del arte, se logran maravillas. En el 1999 lanzaban Alucinando, un disco de apenas siete canciones. La decisión de lanzarlo fue basada en lograr un producto que sirviera como carta de presentación a los grandes sellos discográficos. Y el presupuesto sólo alcanzó para grabar siete temas.

Mientras tanto, El Manjar se cocinaba a fuego lento e intenso en presentaciones memorables como la estadía en el Café Matisse de El Condado. Las presentaciones eran en formato acústico. Aderezado con algo de flamenco, aguinaldo, bolero y rock; con grandes dosis de bohemia y lujuria, la banda transformaba el Café Matisse en un Cafetín Místico, nombre que dieran a esas presentaciones. Entre tantos momentos memorables de aquellas veladas se destacaba una versión jazz-flamenco de “Verde Luz” que de seguro le hubiera parado los pelos al mismísimo Antonio Cabán Vale, El Topo. Cautivado por su propuesta, consigné entonces para un diario nacional que El Manjar de los Dioses era el futuro del rock boricua.

Pero, a pesar de lograr cierta presencia en la radio y viajar a Miami, Nueva York y Los Angeles, la propuesta del Manjar parecía demasiado ecléctica y avant garde para el gusto de la masa. La proyección escénica de Fofé estaba llena de un aire erótico. similar al David Bowie andrógino de los ’70 y a Freddy Mercury. La ambigüedad, el juego de roles y el homo/bi/erotismo latente (proyectado en el video de “Mala Yerba”, en el que aparecían desnudos, juntos y bastante revueltos) resultaba difícil de tragar en un país conservador y machista como Puerto Rico.

"Era un show de corte gay, de corte sexual”, -explicaba Carlos, luego de la ruptura. “Pero en la banda había libertad plena para expresarse artísticamente y no había ningún problema con ese tipo de cosas. Pero uno llegaba al show y se encontraba que tal persona iba a estar en tarima (sin previo aviso), además de que era siempre lo mismo". Díaz se refiere a Freddy Mercado, amigo de Fofé, quien hacía un "performance" de travestí en algunas presentaciones.

Carlos reiteraba que José Luis "tiene un espectáculo, un estilo, y es un excelente 'frontman', pero llegó el punto en que nos tuvimos que preguntar: ¿qué es lo que queremos nosotros?” Entonces, ¿por qué le siguieron la corriente por tantos años? "Pues...por respeto y por costumbre...y porque en un momento dado él (Fofé) ocupó un lugar privilegiado en la banda en términos de liderato", señala Carlos. Así, la banda se le fue de las manos a ellos, al entregar las riendas de la promoción y las entrevistas al emblemático cantante. La realidad es que la personalidad extrovertida y la ambición artística de Fofé, era indispensable para el empuje de la carrera del quinteto.

Sobre su proyección escénica, Fofé declaró: "si lo hubiesen dicho a tiempo, se hubiese bajado el tono de la presentación. Es como decirle a un guitarrista: mira, baja un poco el volumen de tu amplificador". Pero este aspecto, aunque es el más controversial, no fue el único que propició la crisis.

Fuentes cercanas a la banda indican que en viajes al exterior, el bajista sufrió crisis nerviosas agudizadas por la lejanía de su familia. "Bueno, yo sí soy una persona hogareña -reconocía Carlos- estoy casado y no puedo decir que quiera estar toda la vida así...en la calle, tú sabes. Pero estoy abierto a esa posibilidad porque me gusta la música”. Pero admitía que “no puedo negar que me asusta un poco lo que venga por ahí, en términos de un éxito a nivel "mainstream". Otras fuentes aseguran que a Díaz se le ofreció permanecer como compositor y bajista en los discos, relevándole de la presión de viajar. Circularon otros motivos para la ruptura, como incumplimiento de parte de Gustavo Menéndez, y asuntos más personales que no serían divulgados pues "esto es como la intimidad de un matrimonio, y es más elegante lavar los trapos sucios en la casa”, según el bajista.

"El día que salió la noticia (de la alegada disolución de la banda) yo me quise morir - expresaba Carlos - me sentí ofendido, traicionado". Fofé, David Pérez y Egui Santiago (integrado en el segundo disco como tecladista) crearon junto al guitarrista Orlando Méndez y el bajista Nicolás Cordero, el grupo Circo y anunciaron a la prensa que El Manjar había terminado. Pero el dueño del nombre era Carlos, y este, junto a los hermanos Nieves, decidieron continuar usándolo. Así, reclutaron a David Meléndez como vocalista y a Joel Morales como baterista. Grabaron un disco, Aromas, que no logró el respaldo esperado. David abandona la banda y en presentaciones en vivo vemos a Omar Valentín (proveniente del grupo Víalterna) quien logra inyectar un carisma escénico necesario. Pero este vocalista también abandona la banda.

Luego de un tiempo de silencio, en noviembre del 2005, El Manjar de los Dioses convocó a una conferencia de prensa para anunciar el disco “Década de Sabores”. En el mismo presentaron diez temas de sus anteriores tres discos, incluyendo clásicos como "Manjar Místico", "Mala Yerba" y "Alucinando con Rocanrol", con nuevos arreglos y en la voz de Carlos Giovaneti. El vocalista, veterano de la escena local con la banda Neoengland y graduado de Berklee College of Music, era el tercer cantante en grabar con el grupo. "Soy fanático del Manjar desde hace diez años y es un honor ser parte de esta nueva etapa", afirmó el vocalista.

Carlos se había integrado al grupo en septiembre de 2004 luego de audicionar para la banda. Los arreglos de las canciones ya estaban hechos, con la colaboración de Jimmy Crespo, ex-integrante de Skapulario (quien también realizó el acertado arte gráfico del disco, y fungiendo también como co-productor del disco junto a la banda) por lo que el cantante entró a grabar su voz de inmediato. Ante la prensa interpretaron cuatro temas, demostrando la cohesión de la banda y la excelente voz de Giovaneti, quien también tocaba la guitarra. Como músicos invitados contaron con Ian, guitarrista de Icaro Azul, y Rey Nieves, el cuatrista y guitarrista original del Manjar quien, por razones de trabajo, no continuaría de forma permanente con el grupo.

El sencillo en promoción lo fue "Danzas", que junto a "¿Dónde está Dios?" y "Diskette de ilusión", fueron los temas inéditos que completaron la producción. Poco se oyó del sencillo en la radio y las nuevas versiones de los clásicos del Manjar no lograron superar las originales. No hubo gira de promoción y el grupo desapareció del panorama.

El Manjar de los Dioses no lograba recuperar la magia de su alineación original. Cambiar de nombre y trazar un nuevo rumbo, dejando el recuerdo místico del Manjar original en el aire, hubiese sido lo ideal. El Manjar de los Dioses queda como una leyenda de la escena del rock underground de los años ‘90, inolvidable para quienes lo degustamos.

COLUMNA HUMORÍSTICA

2010-08-22T11:57:00.004-04:00

Aquí comparto una columna humorística con un mensaje serio, o más bien, una confesión. Publicada en la Revista Domingo de El Nuevo Día, el 6 de octubre de 2002. ¡Que la disfruten!

SOY GROUPIE, ¿Y QUÉ?
Por: Edgardo Soto Torres

Ahí está, plenamente admitido, para todos los que murmuran. No siento ninguna vergüenza al respecto: me gusta estar con los músicos de rock boricua. ¡Qué liberador resulta salir del closet! Pero antes que decidan pasar la página y decir –“bah, otro periodista gay”- les pido que sigan leyendo pacientemente para que comprendan el planteamiento encapsulado en un título que pone en entredicho tres décadas de vida heterosexual.

Para quienes no estén familiarizados con el término groupie, el mismo nace durante los años ‘60 del siglo pasado. Con el mismo, se identificaron a las féminas que buscaban intercambiar fluídos corporales con los integrantes de sus bandas favoritas. Algunas de estas chicas llegaron a “asociarse” bajo nombres como las GTO’s -Girls Together Outrageously-, (a quienes Frank Zappa les produjo un disco), y las Plaster Casters (a quienes Kiss le dedicaron una canción con ese nombre). Las Casters se dedicaban a inmortalizar a miembros de diversas bandas en moldes de yeso -o para ser más específico: el “miembro” de los integrantes de las bandas, get it? De hecho, esas fálicas esculturas han sido exhibidas en museos (para las interesadas -e interesados-, el más “impresionante” es el de Jimi Hendrix).

Realmente, si has visto Behind The Music o has leído The Dirt -la autobiografía de Mötley Crüe-, sabes de lo que hablo. Sabes el cuento de “la chica de la botella” de Mötley, y de groupies de los ‘70 que, junto a sus hijas, estaban dispuestas a “parisiar” con los integrantes de Def Leppard. Aunque se ha querido dar la impresión que la decadencia llegó a su punto más bajo en los ‘80, siempre han existido groupies dispuestas a tomar los vejámenes más indignos, como una muestra de aprecio de su banda favorita (chequéate el incidente de “la chica y el pedazo de tiburón” en Hammer Of The Gods, la bio de Led Zeppelin).

Otro ejemplo de cómo estas groupies estaban dispuestas a ser tratadas como carnes de res en el rack de una carnicería, lo era el Sistema de Compensación a Empleados de David Lee Roth. En la gira de 1979, los roadies de Van Halen buscaban las chicas más bonitas y les daban un backstage pass con un número. Al final del concierto, Roth inspeccionaba a cada una, y el roadie que tenía el número de la chica seleccionada, ganaba $100 extra por fémina (¿acaso pensaste que Mr. David Lee Roth se llevaría sólo una?) Apuesto a que este tipo de groupie fue la “musa” que inspiró la canción Stupid Bitch, de los Rolling Stones.

Ok, todavía no acabo de disipar las dudas que este artículo haya podido sembrar sobre mi sexualidad…de hecho, he añadido más, pero sigan conmigo. También existía otro tipo de groupie, al menos en los ‘60 y ‘70, como la legendaria Miss Pamela. Esta se convertía en la “novia” de Jimmy Page o Keith Moon o Jim Morrison o Mick Jagger o…-bueno, entienden la idea, ¿no?- durante una gira. En un documental sobre el fenómeno de las groupies, Miss Pamela explicaba que realmente el sexo no era lo más importante para ella, sino estar cerca de ese músico y ser testigo de sus momentos de creatividad (claro que la inexistencia del Sida, un dron de drogas y el hecho de que los músicos son unos bellacos, hacía inevitable el encuentro sexual).

Pero es en esa expresión -“estar cerca de ese músico y ser testigo de sus momentos de creatividad”-, donde encuentro eco a mi sentir y en la cual baso mi tesis de que los periodistas de música somos groupies. La recompensa más grande que recibimos por nuestro trabajo no es monetaria. Es estar en un lateral de la tarima del Día Nacional de la Salsa y sentir las vibraciones de la conga, no porque está amplificada, sino porque estoy prácticamente al lado del conguero; es ver a una banda desde la parte de atrás de la tarima y observar cómo el baterista coordina sus cuatro extremidades para ejecutar el ritmo sincopado del Reggae; es ver el lenguaje de miradas y gestos con el que los músicos se comunican: la sonrisa de complicidad de un cantante cuando el guitarrista improvisa un solo culminando en un clímax mágico; la cara de frustración, con ganas de terminar y salir corriendo pa’l carajo cuando el sonido es malo, o la expresión de éxtasis cuando todo sale bien, reafirmando que nacieron para estar en una tarima; es ese momento inolvidable cuando te miran a ti como diciendo: ¡qué cabrón está quedando esto, ah? Es estar en el ojo de esa tormenta que es la energía que fluye de músico a público y de público a músico.

Es ver cómo toma forma una canción nueva durante varios ensayos: el aire de electricidad que les embarga cuando alguien trae un tema que de seguro será un éxito, y el silencio incómodo cuando la nueva composición no gusta a los demás; es aburrirse durante una sesión de grabación o mezcla ante la constante repetición de la misma vaina (aunque uno jure que ya quedó bien), todo en aras de la perfección. Y, más allá de lo musical, es montarse en una guagua rumbo a un show, o en el Ferry de regreso de Vieques, riendo con las mil y una historias que no puedo publicar; es estar en un backstage donde no hay sexo decadente (no todo puede ser perfecto) pero sí hay una vibra de armonía y compañerismo entre bandas. Es la búsqueda de esos momentos, lo que me hace sentir como un groupie.

Finalmente, es iniciar una relación con la formalidad típica entre artista y periodista, y verla convertirse en amistad –o algo muy parecido. Siempre está esa voz interior que dice -“no te lo creas, tan pronto hagas una crítica negativa, se acaba el backstage y el vacilón”. Y es que el ego de algunos músicos puede ser tan frágil como el himen de una groupie primeriza. Pero ese es el último bastión que no se rinde: la crítica honesta e inmisericorde. Mas no importa, la amistad podrá terminar, pero el recuerdo de los buenos ratos perdurará, y como dicen por ahí: nadie me quita lo bailao’.